Слушайте меня внимательно, кучка снобов. Если вы думаете, что Джозеф Косут (родился в 1945 году), это просто художник, который развлекается фотографированием стульев и написанием определений из словаря на стенах, вы глубоко ошибаетесь. Этот пионер американского концептуального искусства, потрясший основы традиционного искусства, заслуживает пристального внимания к его интеллектуальному пути.
Позвольте рассказать, как этот молодой человек из Толидо, штат Огайо, стал одним из самых влиятельных художников своего поколения. В 20 лет он создает “One and Three Chairs”, работу, ставшую символом концептуального искусства. Простой деревянный стул, его полноразмерная фотография и определение слова “стул” из словаря. Вот и все. Но не обманывайтесь, эта кажущаяся простота скрывает глубокие размышления о самой природе искусства и репрезентации.
Косут превращает сложные философские концепции в доступные визуальные эксперименты. Возьмем, к примеру, этот печально известный стул. Представляя три разные проявления одного и того же объекта, он не просто играет с нашим восприятием, но заставляет нас ставить под вопрос саму природу репрезентации и реальности. Физический стул, его фотография и текстовое определение, это не просто три способа представить один и тот же объект, а три разных способа существования и смысла.
Этот подход напрямую вдохновлен философией языка Людвига Витгенштейна, согласно которому слова имеют смысл только в их употреблении. Косут углубляет это размышление, утверждая, что искусство само по себе имеет смысл только в своем концептуальном контексте. Это как если бы Платон и его теория идей встретились с Энди Уорхолом на семинаре по аналитической философии. Стул перестает быть просто объектом и становится носителем размышлений о самой природе представления и значения.
В своей революционной серии “Art as Idea as Idea” Косут еще более радикализирует свой подход. Просто воспроизводя определения из словарей в черно-белом исполнении, он устраняет каждое проявление традиционной эстетики. Эти фотокопии определений, представленные как произведения искусства, являются значительной интеллектуальной провокацией. Они ставят под сомнение не только природу искусства, но и способы его производства и восприятия.
Меня забавляет, что некоторые критики того времени обвиняли Косута в излишней интеллектуальности, в чрезмерной умственной нагрузке. Те же критики, которые восхищались абстрактными полотнами, даже не задаваясь вопросом об их значении, внезапно решили, что концептуальное искусство слишком требовательно. Какая ирония! Будто бы интеллектуальное размышление несовместимо с художественным опытом.
Отношение Косута к языку особенно увлекательно. В своих световых инсталляциях он использует слова не просто как носители смысла, а как полноценные визуальные объекты. “Five Words in Blue Neon” (1965), идеальный пример такого подхода. Написанные синим неоном слова говорят ровно то, что они есть: пять слов синим неоном. Эта очевидная тавтология скрывает глубокое размышление о самореференциальной природе искусства.
Его фундаментальное эссе “Art After Philosophy” (1969) развивает этот тезис в теоретическом плане. Для Косута искусство взяло на себя роль философии как способа осмысления природы реальности и смысла. Он утверждает, что начиная с Марселя Дюшана все искусство по своей сути концептуально, поскольку искусство существует исключительно на концептуальном уровне. Эта радикальная позиция оказала влияние на поколения художников и до сих пор звучит в современном искусстве.
1970-е годы стали поворотным моментом в его практике. Косут начал изучать антропологию и философию в New School for Social Research в Нью-Йорке. Этот период обогатил его работу новыми теоретическими перспективами. Его особенно интересуют структуры власти, управляющие миром искусства, а также то, как смысл производится и контролируется в обществе.
Его инсталляция “Text/Context” (1979) прекрасно иллюстрирует эту эволюцию. Размещая философские цитаты на рекламных щитах, он создает неожиданный диалог между чистой мыслью и коммерческим общественным пространством. Это произведение не только ставит под вопрос природу искусства, но и исследует его место в обществе и отношение к экономической власти.
Влияние Жака Деррида и его теории деконструкции также проявляется в его работах. По Деррида, смысл никогда не является фиксированным, он всегда в движении, всегда отложен. Световые инсталляции Косута воплощают эту идею. Слова сияют, как мимолетные мысли в ночи нашего сознания, их смысл постоянно в потоке.
Художественная практика Косута также характеризуется изысканным использованием пространства. В его инсталляциях текст не просто висит на стене, как картина, он является неотъемлемой частью окружающей среды. Слова в неоне создают свое собственное светящееся пространство, превращая галерею в место размышлений как в буквальном, так и в метафорическом смысле.
Постоянная инсталляция в Лувре, “Ni apparence ni illusion” (2009), великолепно иллюстрирует этот подход. Тексты белого неона, установленные в средневековых фундаментах музея, создают захватывающий диалог между историей и современностью. Светящиеся слова отражаются на древних камнях, создавая поразительный контраст между грубой материальностью прошлого и концептуальной нематериальностью настоящего. Это монументальное произведение демонстрирует способность Косута превращать историческое пространство в место философского раздумья.
В 1980-х и 1990-х годах Косут продолжает исследовать язык и смысл через все более амбициозные инсталляции. Он начинает интегрировать цитаты различных авторов в свои произведения, создавая сложные сети значений. Эти тексты, часто представленные в виде неона или винила на стенах темно-серого цвета, составляют своего рода карту современной мысли.
Но что действительно отличает Косута, так это то, что он сохраняет интеллектуальную последовательность на протяжении всей своей карьеры. В то время как многие концептуальные художники поддались соблазнам арт-рынка, он остался верен своему первоначальному видению. В арт-мире, где доминируют мода и мимолетные тенденции, он сумел сохранить последовательную исследовательскую линию более пятидесяти лет. Его работы продолжают задавать вопросы о природе искусства и его связи с языком и мышлением, напоминая нам, что концептуальное искусство, это не просто мода 1960-х, а подход, актуальный и сегодня для исследования нашего отношения к миру.
Инсталляция “A Conditioning of Consciousness” (1988) особенно ярко отражает этот подход. Сопоставляя цитаты разных философов с архивными изображениями, Косут создаёт сложный механизм, заставляющий нас задуматься о том, как наш сознание обусловлено языком и образами. Это настоящий концептуальный лабиринт, в котором каждый элемент отсылает к другому в бесконечной цепочке значений.
Что мне нравится в Косуте, так это то, что он делает сложное доступным, не упрощая его. Его произведения работают как ворота к более глубоким размышлениям. Их можно ценить на разных уровнях: за формальную красоту, за интеллектуальную игру или за социальную и институциональную критику. Именно эта множественность возможных чтений делает его работы богатыми.
В 2000-х годах Косут продолжает удивлять нас монументальными проектами, такими как заказ для немецкого Бундестага. Эта инсталляция, включающая тексты Томаса Манна и Рикарды Хух, превращает политическое пространство в место размышлений о демократии и власти. Это прекрасный пример того, как концептуальное искусство может влиять на публичное пространство и способствовать политическим дискуссиям.
Великая сила Косута заключается в его способности создавать произведения, которые сопротивляются времени. В отличие от многих концептуальных художников, чьи работы сегодня выглядят устаревшими, его инсталляции продолжают нас затрагивать. Они приглашают к размышлениям о фундаментальных вопросах: что такое искусство? Как возникает смысл? Какова связь между языком и реальностью?
Его недавние работы демонстрируют тонкое, но значительное развитие. Инсталляции становятся более сложными, включая несколько уровней чтения и отсылок. Тексты уже не просто представлены как определения или цитаты, но переплетаются в сложных композициях, создавая новые сети значений.
Выставка “Краткая история моих мыслей” (2017) в галерее Anna Schwartz в Мельбурне является образцом этого подхода. Собирая работы разных периодов, она позволяет увидеть, как первоначальные заботы Косута о природе искусства и языка со временем обогатились, оставаясь верными своему исходному импульсу.
А пока некоторые восхищаются NFT без содержательной основы, Косут тихо продолжает своё исследование смысла и бессмыслицы в искусстве. Он показывает нам, что возможно создавать интеллектуально требовательное искусство, не впадая в герметизм или элитаризм. Его работы приглашают нас думать, но также оставляют свободу для интерпретаций и чувств.
В следующий раз, когда вы увидите работу Косута, не ограничивайтесь только взглядами, подумайте о ней. Пусть слова отзовутся в вашем сознании. Позвольте себе увлечься игрой значений. Ведь именно в этом заключается истинная красота его творчества, в способности заставить видеть за пределами видимого, мыслить за пределами очевидного. Разве это не истинная роль концептуального искусства?
Джозеф Косут напоминает нам, что искусство, это не только формы и цвета, но и создание смысла. Его творчество, постоянное приглашение к размышлению, вызов нашим укоренившимся мыслям, переосмысление наших убеждений о природе искусства и реальности. Его работа остаётся маяком, направляющим нас к более фундаментальным вопросам.
