Слушайте меня внимательно, кучка снобов: Джон Келли, родившийся в 1965 году в Англии, воплощает с редким мастерством это новое поколение художников, которые превосходят географические и концептуальные границы, сохраняя острый взгляд на наше время. Художник с тремя паспортами, британским, австралийским и ирландским, он стал одним из самых острых критиков институционализации современного искусства, развивая творческое наследие глубоко укоренённое в истории и коллективной памяти, при этом сохраняя жизненно важную иронию по отношению к миру искусства.
Его путь столь же необычен, сколь и увлекателен. Произошедший из скромной семьи в Саншайн, пригороде Мельбурна, Келли обязан своим вступлением в мир искусства почти романтическому совпадению: его мать, не имевшая средств на обучение, выиграла конкурс “Win a Wish” на молочном пакете, что позволило ему поступить в художественную школу RMIT. Этот случай может показаться незначительным, но он прекрасно иллюстрирует способность Келли превращать случайности жизни в художественный материал. Позже он использовал образ коровы, символ этой победы, как центральный лейтмотив своего творчества.
Давайте поговорим именно о его монументальных коровах, этих сюрреалистических скульптурах, которые принесли ему международную славу. Эти невероятные быки берут своё начало в почти мифологической истории Второй мировой войны, когда художник Уильям Добелл якобы создавал макеты из папье-маше, чтобы обмануть японскую авиацию. Келли использует этот сомнительный исторический анекдот, поскольку нет ни одной фотодоказательства существования этих коров, чтобы сделать его отправной точкой для глубокой рефлексии об иллюзии и представлении. Его скульптура “Cow Up a Tree”, колоссальное произведение высотой 8 метров, выставленное на Елисейских полях в 1999 году, представляет апогей этого подхода. Эта корова, подвешенная в воздухе, словно левитирующая среди ветвей эвкалипта, становится мощной метафорой нашего отношения к истине и искусственности.
Искусство Келли глубоко укоренено в истории, оставаясь при этом решительно современным. Его отсылки к Уильяму Добеллу и Второй мировой войне, это не просто исторические цитаты, а отправные точки для размышления о нашем отношении к реальности и истине. В мире, где манипуляция изображениями и фактами стала обычным явлением, его коровы из папье-маше приобретают почти пророческое значение.
Келли идёт ещё дальше в этом размышлении с работой “Three Cows in a Pile”, представленной на Международном фестивале скульптуры в Монте-Карло в 2002 году. Невероятное нагромождение этих монументальных быков создаёт поразительное визуальное напряжение, играя с понятием баланса и дисбаланса. Это произведение напоминает размышления Жана Бодрийяра о симулякре и гиперреальности. В нашем современном мире, насыщенном изображениями и фейковыми новостями, обманки Келли приобретают особое звучание, напоминая нам, что искусство всегда обладало способностью играть с нашим восприятием реальности.
Но Келли не ограничивается созданием визуально впечатляющих произведений. Его серия работ на тему логотипа Австралийского Совета по искусству представляет собой одну из самых острых критик бюрократизации искусства, которые мне доводилось наблюдать. Эта серия, появившаяся из административного требования использовать логотип Совета по искусству на своих работах в обмен на скромную субсидию, под его кистью превращается в манифест против институционализации искусства. Присваивая себе этот официальный символ, кенгуру и солнце,, Келли непосредственно продолжает традиции исследований Мишеля Фуко о связях власти и знания. Каждая трансформация логотипа становится актом сопротивления тому, что Фуко называл “дисциплинарной властью”, здесь воплощённой в художественных институтах, стремящихся стандартизировать искусство согласно маркетинговым критериям.
Ирония достигает апогея, когда эти произведения используются для этикеток пива Moo Brew, заказанных Дэвидом Уолшем, основателем Музея старого и нового искусства (MONA) в Тасмании. Таким образом, Келли превращает критику коммерциализации искусства в коммерческий продукт, создавая головокружительный метауровень, который ставит под вопрос наше отношение к культурному потреблению. Эта способность обратить ограничения системы против самой системы раскрывает художника, который прекрасно владеет кодами художественного мира, при этом сохраняя здоровую критическую дистанцию.
Использование Келли истории и коллективной памяти особенно интересно. Его работа над Великой ирландской голодом, особенно в его мемориальном саду на ферме Рин, демонстрирует его способность превращать исторические травмы в современные художественные впечатления. Включая письмо Н.М. Камминса, опубликованное в The Times в 1846 году, в миниатюрной копии Tate Modern, Келли создает увлекательный диалог между прошлым и настоящим, между личной и коллективной памятью. Этот подход перекликается с теориями Мориса Хальбвакса о коллективной памяти, показывая, как искусство может служить средством сохранения и передачи памяти о травматических событиях.
Келли демонстрирует исключительное мастерство в переплетении личной и коллективной истории. Его инсталляция “The N.M. Cummins Think and Thank Garden” на ферме Рин является особенно символической для этого подхода. Создавая проход между двумя холмами, ведущий к впечатляющему виду на море, Келли превращает ландшафт в мощную метафору путешествия между жизнью и смертью, между прошлым и настоящим. Это место, где он развеял прах своего отца, становится пространством для размышлений о передаче, памяти и скорби.
Его художественная резиденция в Антарктиде в 2013 году обозначает поворотный момент в его творчестве. Картины, которые он привез оттуда, захватывают величественное одиночество этого континента с редкой интенсивностью. Эти произведения напоминают концепцию возвышенного, как это теоретизировал Эдмунд Бёрк, где ужас и красота смешиваются, создавая потрясающий эстетический опыт. Келли удается передать не только физическое великолепие антарктического пейзажа, но и его метафизическое измерение, заставляя нас столкнуться с нашей собственной незначительностью перед грандиозностью природы.
Художник обладает редкой способностью сочетать острый юмор с глубокими размышлениями о человеческом состоянии. Его монументальные скульптуры объединяют впечатляющую технику с острым чувством абсурда, что напоминает дух Марселя Дюшана. Но если Дюшан использовал иронию, чтобы ставить под сомнение саму природу искусства, то Келли применяет её для осуждения изъянов институционализации искусства и коммерциализации культуры.
Его борьба с бюрократизацией искусства, особенно иллюстрируемая спором с парижским арт-дилером, который преследовал его в суде в течение пяти лет, выявляет художника, отказывающегося подчиняться диктатам рынка. Эта юридическая битва, завершившаяся приговором к выплате 20 000 евро за “коммерческий паразитизм”, парадоксально показывает, как Келли умеет превращать даже юридические препятствия в художественный материал. Эта позиция напоминает ситуациянистов, стремившихся подорвать коды общества спектакля. Однако Келли идёт дальше, превращая эти ограничения в творческие возможности, доказывая, что можно критиковать систему и одновременно создавать произведения большой эстетической силы.
Его скульптура “Man Lifting Cow”, установленная в Саншайн в 2016 году, прекрасно иллюстрирует эту способность связывать личную и коллективную историю. Это монументальное произведение высотой 4,5 метра изображает мужчину в комбинезоне, напоминающего его отца, работавшего в карьере, поднимающего одну из коров Добелла. Таким образом, произведение становится трогательной данью его рабочим корням, одновременно входя в более широкое размышление о истории австралийского искусства.
Келли также является художником, который участвует в общественной дискуссии. Его статьи, опубликованные в Art Monthly Australia и Circa magazine, свидетельствуют о его остро критическом мышлении. Его выдвижение на премию Уолкли за художественную журналистику в 2017 году подтверждает его способность доступно излагать сложные идеи. Эта сторона его работы вписывается в традицию художников-теоретиков, напоминая труды Эда Рейнхарта или Роберта Смитсона.
Его способность работать в разных масштабах впечатляет. От скрупулезных миниатюр существующих музеев до монументальных скульптур, доминирующих в городском пейзаже, Келли демонстрирует впечатляющее техническое мастерство. Это виртуозное владение техникой никогда не является пустым, оно всегда служит более широкой идее о природе искусства и его отношении к учреждениям.
Келли, художник, который не перестает удивлять и вызывать вопросы. Его творчество одновременно игривое и глубокое, техническое и концептуальное, напоминает нам, что искусство все еще может быть инструментом сопротивления и критического размышления, сохраняя способность трогать и восхищать нас. В художественной среде, часто доминируемой конформизмом и модными эффектами, Келли остается вольным художником, создателем, который отвергает легкие компромиссы и продолжает исследовать новые пути выражения.
Его недавняя работа продолжает раздвигать границы. Его пейзажные картины Ирландии, особенно созданные вокруг Каслхейвена и в районе Баррен, показывают художника, способного обновляться, сохраняя при этом поразительную последовательность своего подхода. Эти произведения, кажущиеся простыми, раскрывают глубокое понимание живописной традиции, предлагая одновременно современное видение пейзажа.
Келли идеально воплощает фигуру современного художника, способного преодолевать географические и концептуальные границы, сохраняя сильную связь с критическим размышлением о нашей эпохе. Его творчество напоминает нам, что искусство может быть одновременно доступным и сложным, критическим и поэтическим, личным и универсальным. В мире искусства, становящемся все более стандартизированным, его уникальный голос звучит как призыв к творческому сопротивлению.
