Слушайте меня внимательно, кучка снобов. Если вы думали, что видели всё в современном художественном панораме, значит, вы никогда не сталкивались с восхитительно тревожащими творениями Куквона Ву. Этот корейский художник, родившийся в 1976 году и обучавшийся в Японии, создал уникальный мир, где чудеса сказок сталкиваются с жесткостью реальности с такой иконоборческой радостью, что сами братья Гримм покраснели бы.
В своей галерее персонажей с почти скульптурной плотностью Ву приглашает нас к карнавальной десакрализации мифов нашего детства. Не воспринимайте это как простую ностальгическую игру, мы далеко вышли за рамки стилистического упражнения. То, что предпринимает этот корейский художник, скорее напоминает коллективный визуальный психоанализ, погружение в наше общее культурное бессознательное, чтобы выявить зарытые тревоги.
Ибо, хотя сказки кажутся безобидными в своей яркой оболочке, Ву напоминает нам, что они по сути являются инициационными рассказами, где смерть, трансформация и утрата подстерегают на каждой странице. Его произведение “Goodbye Peter” (2022) содержит эту показательную фразу: “Все дети, кроме одного, вырастают”. Это изменение оригинального начала “Питера Пэна” становится под его кистью беспощадным экзистенциальным наблюдением: никто не избегает старения, даже вечный мальчик. Юнгианский психоанализ увидел бы в этой одержимости Ву переделанными сказками проявление процесса индивидуализации [1], необходимого столкновения с нашими теневыми сторонами для достижения психической зрелости.
Толстые слои краски, которые он наносит, снимает, накладывает один на другой, создают особую материальность, усиливающую впечатление о строящейся психике, о себе, формирующемся через последовательные слои. Текстура его работ становится метафорой личного бессознательного, как это концептуализировал Юнг: сборником переживаний, воспоминаний, порывов, которые накапливаются, но никогда полностью не стираются.
В “Valley of the Shadow of Death” (2024) Ву смело объединяет тысячелетний библейский псалом с иконографией из “Звездных войн”, помещая Люка Скайуокера и Дарта Вейдера в миниатюрную дуэль на мосту, в пейзаже, вдохновленном японскими укийо-э гравюрами. Это временное и культурное столкновение не случайно: оно точно иллюстрирует, как великие современные мифы продолжают архетипические структуры, всегда формировавшие наше отношение к миру. Юнг признал бы в этом сопоставлении визуальное выражение своего концепта коллективного бессознательного, того хранилища изначальных образов, которые превосходят эпохи и культуры.
Повторяющееся появление женщины с синим лицом в его работах особенно заметно. Критики идентифицируют её как аниму художника, ту женскую часть, которую, согласно Юнгу, должен интегрировать каждый мужчина для достижения психического равновесия. Этот образ с двусмысленной красотой то воплощает суверенную уверенность, то созерцательную уязвимость, отражая внутренние колебания художника. Его выставка “Carnival” (2022) показывает эту фигуру как яркую главную героиню и одновременно как обычного зрителя, визуально иллюстрируя внутренний конфликт между аполлоническим видением и дионисийским освобождением, через который проходит художник.
Психоаналитический подход помогает также понять увлечение Ву мотивом карнавала, периодом временного переворота устоявшихся ценностей. В “Carnival” он обращается к мифу о Потопе, исследуя, как символическая смерть и регенерация переплетаются в одном цикличном движении. Эта концепция перекликается с юнгианским пониманием психики как динамичной системы в постоянном развитии, где разрушение и созидание неразрывны.
За пределами этой психоаналитической модели восприятия, творчество Куквон Ву вписывается в историю искусства, где деконструкция основополагающих повествований стала повторяющимся жестом. Естественно, вспоминается наследие поп-арта, механизмы которого Ву возрождает, одновременно искажая их. Если Уорхол механически повторял иконы массовой культуры, подчеркивая их пустоту, то Ву наполняет их экзистенциальной глубиной, превращая цитатную игру в настоящее метафизическое искание.
Его живописная техника с этими густыми накладками краски, придающими полотнам почти скульптурное качество, также напоминает некоторые исследования американского абстрактного экспрессионизма, особенно поздние работы Уиллема де Кунина. Но если де Кунин стремился к всё более чистой абстракции, то Ву сохраняет фигуративную основу, придавая своим материальным экспериментам устойчивое повествовательное измерение.
Эволюция его живописного стиля особенно интересна. Его первые работы были сделаны посредством соскабливания краски, что свидетельствует о еще хаотичных поисках идентичности. Постепенно его визуальный язык стабилизировался, формируя более отчетливые контуры и более структурированные формы, сохраняя при этом ту богатую материальность, которая ему свойственна. Этот художественный путь отражает внутреннюю трансформацию, психическое созревание, которое придает всему его творчеству органическую цельность, редко встречающуюся среди художников его поколения.
История искусства учит нас, что периоды культурных переходов часто порождают художников, способных синтезировать противоречия своего времени в новом визуальном языке. Куквон Ву принадлежит к этой линии. Его творчество объединяет западное наследие авангардов с восточноазиатской чувствительностью, современную массовую культуру с древними мифологическими повествованиями, юмор с экзистенциальной серьезностью. Эта способность соединять, казалось бы, несовместимые полярности делает его привилегированным свидетелем нашей фрагментированной эпохи [2].
В работе “Once Upon Her Time” (2023) Ву сосредотачивается на женских персонажах, взятых из литературных шедевров, таких как “Волшебник страны Оз”, “Хуа Мулан”, “Питер Пэн”, “Одиссея” и “Пигмалион”. Этот избирательный заимствование великих женских фигур входит в традицию художественной переосмысления литературных канонов, одновременно привнося современную перспективу, которая ставит под сомнение гендерные конструкции в основе этих повествований. История искусства показывает, что такие моменты критического переосмысления доминирующих нарративов часто совпадают с периодами глубоких социальных преобразований [3].
Его серия “My Universe” (2024) идет дальше в этом размышлении, играя на двойном значении термина, обозначающего и космос, и имя его дочери (Wooju означает “вселенная” на корейском). Эта выставка включает темы, исследуемые давно, такие как “исследование внутреннего мира человека”, “размышления о жизни” и “межпоколенческие отношения”. Ву особенно отдает дань уважения своему отцу, Woo Jaekyung, подчеркивая разрывы, понимание и эмпатию между двумя поколениями. Эта работа служит приглашением к созерцанию, обращенным к следующему поколению, и отражает усилия художника по исследованию собственного мира. Этот межпоколенческий диалог вписывает его творчество в историческую преемственность, выходящую за рамки современного индивидуализма.
Исторически периоды переосмысления великих повествований всегда были плодотворны для искусства. От Возрождения, ставившего под вопрос средневековое наследие, до авангардов XX века, разрушающих буржуазные догмы, история искусства продвигается через эти моменты критического пересмотра. Ву вписывается в эту динамику, но с выдающейся особенностью: вместо провозглашения смерти великих повествований, как делали постмодернисты, он стремится восстановить связи между разрозненными нарративными традициями, чтобы возродить экзистенциальный смысл в эпоху фрагментарности.
Ритуальная составляющая карнавала, которую Ву исследует в нескольких своих выставках, участвует в этом поиске. Исторически карнавал всегда играл роль социальной разрядки, позволяя временно перевернуть установленные иерархии. Возобновляя эту функцию в современном контексте, Ву напоминает, что искусство сохраняет способность перестраивать наше отношение к миру даже в секуляризованном обществе. Как пишет куратор Пак Су Джын о своей выставке “Carnival”: “Искусство продолжает существовать как последний оплот для восстановления экзистенциального смысла и осмысления бытия” [4].
Что мне нравится в Куквоне Ву, это его способность сохранять нестабильный баланс между иронией и искренностью, между игровой деконструкцией и подлинным духовным поиском. Там, где многие современные художники ограничиваются либо бесплодным цинизмом, либо наивным мистицизмом, он умудряется соединить эти противоречивые позиции в произведении, которое кажется только более живым и необходимым.
Его картины подобны зеркалам, отражающим бессознательное нашей эпохи, приглашая каждого зрителя погрузиться в свои глубины. Эта зеркальная природа, вероятно, объясняет растущую популярность его работ как в Южной Корее, так и на международной арене. В мире, насыщенном поверхностными образами, его произведения предлагают редкий опыт глубины, приглашая замедлиться и созерцать тайны нашего человеческого положения.
Критик, наблюдающий за развитием Куквона Ву, неизбежно поражается органической целостности его подхода. Начиная с первых выставок и до последних проектов, можно проследить прогрессию, которая проявляется не только в стиле, но и на экзистенциальном уровне. Его искусство растёт вместе с ним, отражая его последовательные поиски, от первоначального исследования еще нестабильного эго до более умиротворённых размышлений о межпоколенческой передаче.
Почти хочется видеть в этой траектории образец исполненной художественной жизни: не механическое повторение формулы коммерческого успеха, а постоянная эволюция визуального языка во имя подлинного внутреннего поиска. В современном арт-рынке, часто доминируемом эффектом и мгновенностью, Ву напоминает нам о ценности долгого времени, терпеливого созревания личного видения.
Созерцая его недавние работы, мы приглашаемы к двойному движению: погружению в собственные психические глубины и одновременно вписыванию этого интимного опыта в более широкий поток культурной истории. Возможно, в этом и заключается истинная сила Куквона Ву, напоминание нам о том, что самое личное искусство, это также то, что касается универсального, что наши индивидуальные мифы соединяются с великими коллективными повествованиями, сформировавшими нашу общую человечность.
В мире искусства, часто склонном к легким эффектам или радикальным позам, средний путь, который исследует Ву, между традицией и инновацией, между Востоком и Западом, между юмором и серьезностью, возможно, является самым смелым из всех. Его путь напоминает нам, что художественная аутентичность не измеряется масштабными разрывами, а настойчивостью уникального видения, которое углубляется со временем.
В то время как многие художники кажутся пленниками обязательства мгновенности, навязанного социальными сетями, Куквон Ву предлагает нам роскошь произведения, которое развивается со временем, которое дышит, которое живет. И разве не этого мы в конечном итоге ожидаем от искусства? Не просто развлечь нас на мгновение, а сопровождать на собственном пути, предоставлять зеркала, в которых мы можем узнать свои тревоги и надежды, свои символические смерти и возрождения.
- Юнг, Густав Юнг. Человек и его символы. Роберт Лаффонт, Париж, 1964.
- Ким, Ённа. Современное и актуальное искусство в Корее. Hollym International Corp, Элизабет, Нью-Джерси, 2005.
- Дай Чжоцюнь. Кураторский текст “Woo Kukwon: Walking in Dreams” для выставки Once Upon Her Time, Tang Contemporary Art, Пекин, 2023.
- Парк Суцзюнь. Текст выставки Carnival У Куквона, Tang Contemporary Art, Гонконг, 2022.
