Слушайте меня внимательно, кучка снобов, пришло время поговорить о Лауре Оуэнс, этой художнице, которая радостно переворачивает ваши заскорузлые убеждения относительно современного искусства. Из своей студии в Лос-Анджелесе она ведёт тихую революцию, разрывающую на части все ваши уютные маленькие коробочки.
Вы думали, что живопись умерла? Что после абстракции, минимализма и концептуального искусства осталась лишь утилизация старых рецептов? Позвольте рассказать вам, как эта уроженка Огайо, с её цепким юмором и острым умом, заново изобретает живописный медиум с каждым новым мазком кисти.
Оуэнс выделяется своим упрямым отказом следовать догмам. Она охотно заимствует из истории искусства, заимствует у популярных культур, усваивает технологические новации и превращает всё это в произведения, которые не поддаются никакой классификации. Однако не обольщайтесь кажущейся лёгкостью её творчества. Под кислотными цветами и игривыми узорами скрывается глубокое размышление о самой природе искусства и нашего отношения к изображениям.
Давайте уделим время изучению концепции “симулякра”, разработанной Жан Поль Бодрийяром, поскольку она великолепно освещает творчество Оуэнс. По мнению французского философа, наша эпоха характеризуется изобилием образов, которые отсылают лишь к другим образам, создавая головокружение представления, где сама идея оригинала теряет смысл. Живописи Оуэнс полностью принимают это положение постмодерна, но с неожиданным поворотом: они превращают это в радостную игру.
Посмотрите на её последние работы, где она использует печатные пластины газет 1940-х годов, обнаруженные при ремонте её мастерской. Эти фрагменты истории оцифрованы, обработаны в Photoshop, переотпечатаны методом шелкографии, а затем доработаны вручную. Оригинал и копия, ручное и механическое, историческое и современное переплетаются до неразличимости. Именно это Бодрийяр называл гиперреальностью, но Оуэнс превращает это потенциально вызывающее тревогу состояние в источник восхищения.
Этот подход особенно впечатляюще проявляется в её монументальных инсталляциях, таких как представленная в Whitney Museum в 2017 году. Картины там развертывались как визуальный лабиринт, в котором каждый зритель прокладывал собственный интерпретативный путь. Обманчивые тени, противоречивые эффекты перспективы, наложения узоров создавали опыт, который разрушал наши привычки восприятия изображения.
Второй философский концепт звучит мощно в творчестве Оуэнс: это “смерть автора”, теоретизированная Роланом Бартом. По мнению французского литературного критика, смысл произведения не в намерениях создателя, а в интерпретации зрителя. Оуэнс доводит эту идею до пределов. Её полотна становятся пространствами свободы, где ссылки на разные источники накладываются без иерархий: мазок, напоминающий Матисса, соседствует с узором дешёвых обоев, экспрессионистский абстрактный жест диалогирует с иллюстрацией из детской книги.
Эта радикальная демократизация визуальных ссылок не случайна и не является проявлением лёгкого релятивизма. Это эстетическая и политическая позиция, ставящая под сомнение традиционные иерархии искусства. Оуэнс отказывается от позиции демиурга-художника, навязывающего зрителю своё видение. Она создаёт произведения, которые функционируют как сложные зеркала, отражая каждому разный образ в зависимости от угла восприятия.
Возьмём, например, её серию 2012-2013 годов, где гигантские мазки плавно парят в пространстве, словно ленты, их падающие тени создают иллюзию глубины, подчёркивая при этом искусственность. Клетчатые узоры виши, эмблемы домашнего китча, служат фоном для этих грандиозных живописных жестов. Будто она говорит нам: “Да, всё это искусственно, и что с того? Разве это не прекрасно?”
Эта чистая радость в процессе рисования заразительна. Оуэнс не боится использовать электрик цвета, декоративные узоры без комплексов, эффектные визуальные приёмы. Она отвергает образ измученного художника, предпочитая образ фокусника, который раскрывает свои трюки, продолжая восхищать нас. Это не наивность, а изощрённая форма искренности.
Художница продвигает эту мысль ещё дальше в своём подходе к выставочному пространству. В 356 Mission, пространстве, которым она управляла в Лос-Анджелесе с 2013 по 2019 год, она создала среды, радикально меняющие наш опыт восприятия живописи. Произведения перестали быть изолированными объектами для созерцания и стали элементами полного опыта, где архитектура, свет и даже движение посетителей участвуют в эстетическом переживании. Её использование пространства заслуживает внимания. В инсталляциях картины не просто висят на стене, они активируют окружающее пространство. Падающие тени создают виртуальные расширения произведений, узоры, кажется, продолжаются за пределами рамы, эффекты перспективы меняют наше восприятие архитектуры. Выставка превращается в сложную хореографию, в которой зритель приглашается к активному участию.
Этот участнический аспект фундаментален в её творчестве. Картины Оуэнс не являются авторитарными заявлениями о том, каким должно быть искусство. Это приглашения играть, исследовать, ставить под сомнение наши убеждения. Она создаёт произведения, которые функционируют как устройства пробуждения, побуждая нас смотреть за пределы видимого.
Её техника обмана зрения особенно показательна в этом отношении. Тени в её произведениях служат не просто для создания иллюзии глубины, а становятся самостоятельными элементами, которые играют с нашим восприятием пространства. Эти тени иногда выполнены с фотографической точностью, иногда стилизованы как в комиксах, создавая постоянное напряжение между разными уровнями представления.
Этот игривый подход к изображению находит особенный отклик в её работе с естественными мотивами. Её картины с цветами и животными не стремятся к ботаническому или зоологическому реализму. Напротив, они принимают форму фантазии, напоминающей иллюстрации к детским книгам или средневековые гобелены. Но и здесь, за видимой наивностью скрывается сложное размышление о природе изображения.
В своих последних работах Оуэнс исследует новые измерения живописного опыта. Она включает звуковые элементы, механические устройства, световые эффекты, которые превращают её картины в настоящие иммерсивные среды. Эти технологические новшества, не просто гаджеты, а естественные продолжения её поиска возможностей живописи в цифровую эпоху.
Её взаимодействие с технологиями особенно интересно. В отличие от многих современных художников, которые противопоставляют цифровое и ручное творчество, она рассматривает эти два направления как взаимодополняющие. В её картинах сочетаются техники цифровой печати, эффекты Photoshop, компьютерно сгенерированные мотивы, но эти элементы всегда находятся в диалоге с традиционными живописными жестами. Цифровое становится одним из инструментов в её художественной мастерской наряду с масляной живописью и шелкографией.
Эта гибридизация техник отражает более широкое видение искусства как пространства бесконечных возможностей. Для Оуэнс нет иерархии между разными способами выражения. Живописное пятно может сосуществовать с механически напечатанным мотивом, ссылка на историю искусства может вступать в диалог с эмодзи. Такая демократизация референций и техник, не легкий релятивизм, а глубокая эстетическая и этическая позиция. Этот подход свидетельствует о глубоком понимании нашей эпохи, где цифровое уже не новинка, а составляющий элемент нашего повседневного опыта. Картины Оуэнс отражают эту реальность без ностальгии и излишней технофилии. Они показывают, как живопись может впитывать и преобразовывать технологические инновации, сохраняя свою специфику.
Юмор играет центральную роль в этом процессе разрушения границ. Картины Оуэнс часто смешные, но не в циничном или ироническом смысле, а с искренней радостью от абсурда и неожиданности. Этот юмористический аспект не поверхностен: он является неотъемлемой частью её стратегии дестабилизации наших ожиданий и открытия для нас новых способов видения.
Рассмотрим её серии картин, основанные на сетках и геометрических узорах. На первый взгляд, они кажутся вписанными в модернистскую традицию геометрической абстракции. Но при более внимательном рассмотрении обнаруживаются разрывы, искажения, фигуративные элементы, которые нарушают это восприятие. Сетки превращаются в клетчатую бумагу школьника, геометрические формы становятся окнами или экранами, монотонные цветовые поля раскрывают цифровые текстуры.
Эта стратегия постоянного нарушения ожиданий зрителя не случайна. Она отражает глубокое убеждение: искусство не должно утешать нас в наших убеждениях, а наоборот, заставлять пересматривать наши привычки восприятия. Каждая картина Оуэнс, это приглашение замедлиться, внимательно наблюдать, открыть для себя множественные слои смысла и отсылок, скрытых внутри.
Творчество Лоры Оуэнс напоминает нам, что живопись, это не исчерпанный медиум, а территория постоянного расширения. Она показывает, что можно быть одновременно глубоко серьёзной в художественной практике и при этом радостно ироничной в подходе. Её картины, это приглашение переосмыслить не только то, что искусство может быть сегодня, но и то, как мы можем его испытывать и обсуждать. В мире искусства, часто доминируемом цинизмом и теорией, Оуэнс предлагает освежающую альтернативу: практику, которая принимает сложность и одновременно празднует чистое удовольствие творчества. Её произведения напоминают нам, что искусство может быть как интеллектуально стимулирующим, так и глубоко удовлетворяющим, концептуально строгим и визуально чарующим.
Так что да, кучка снобов, Лора Оуэнс разрушает ваши упорядоченные категории и комфортные теории. И именно этого современному искусству и нужно: меньше позёрства и больше возможностей, меньше догм и больше открытий. В своей студии в Лос-Анджелесе она продолжает расширять границы того, чем может быть живопись, приглашая нас всех последовать за ней в это радостное и строгие исследование бесконечных возможностей искусства.
