Слушайте меня внимательно, кучка снобов, пока я говорю вам о Луизе Джованелли, родившейся в 1993 году в Лондоне, которая переопределяет каноны современной живописи с такой смелостью, что заставляет дрожать узкий круг современного арт-сообщества. Эта британская художница, обучавшаяся в Манчестерской школе искусств и престижной Штэдельшуле во Франкфурте под руководством Эми Силлман, не просто пишет картины. Нет, она создает новую форму визуальной сакральности, которая преодолевает традиционные границы между массовой культурой и высокой культурой.
Её живописная техника, настоящий подвиг, заслуживающий пристального внимания. Унаследованная от фламандских мастеров, таких как Ян ван Эйк и Рогир ван дер Вейден, она заключается в тщательном наслаивании слоёв сверхпигментированной масляной краски, создавая таким образом светимость, которая, кажется, исходит из самой внутренности полотна. Этот методический подход напоминает наблюдения Вальтера Беньямина об ауре произведения искусства. Но там, где Беньямин видел неизбежную потерю ауры в эпоху механического воспроизведения, Джованелли совершает невозможное: она создаёт новую форму священности из светских образов, заимствованных из нашей перенасыщенной визуальной культуры.
Её серия картин “Orbiter” (2021) прекрасно иллюстрирует эту трансформацию светского в священное. Беря в качестве сюжета простой фрагмент блестящего платья Мэрайи Кэри в рождественской передаче, она превращает то, что могло бы считаться тривиальным моментом поп-культуры, в трансцендентальный визуальный опыт. Живописная поверхность становится захватывающим полем битвы между материальностью краски и нематериальностью света. Этот подход перекликается с теориями Ролана Барта о фотографии в “La Chambre Claire”, где он развивает концепцию пункума. В работах Джованелли каждый мазок кисти становится потенциальным пункумом, создавая постоянное напряжение между видимым и невидимым, вынуждающее зрителя замедлить взгляд.
Занавеси, повторяющийся мотив в её недавних произведениях, заслуживают особого внимания. Эти монументальные драпировки, высотой до трёх метров, не являются простыми декоративными элементами или упражнениями в стиле. Они становятся метафизическими порталами, порогами между различными состояниями сознания. В “Prairie” (2022), впечатляющем триптихе, зелёные радужные занавеси пронизаны щелями чисто-жёлтого света, создавая ощутимое драматическое напряжение. Такое использование занавеси как экзистенциальной метафоры напоминает размышления Гастона Башляра в “Поэтике пространства” о диалектике внутреннего и внешнего. Занавесь Джованелли перестаёт быть просто объектом, она становится местом перехода между реальным и воображаемым, между мирским и трансцендентным.
Однако именно в обработке культовых кинематографических сцен Джованелли раскрывает всю свою подрывную мощь. Её переосмысление сцен из фильма “Кэрри” Брайана Де Пальмы выходит за рамки простой киноцитаты. В “Altar” (2022) она запечатлевает тот самый момент, когда кровь падает на Сисси Спейсек, превращая его в нечто вроде языческой эпифании. Поверхность картины вибрирует с почти галлюцинаторной интенсивностью, создавая то, что Жорж Диди-Юберман назвал бы “живущим изображением”. Насыщенные неоновые цвета и эффекты размытия создают нереальную атмосферу, превращая сцену ужаса в момент мистического откровения.
Художница продвигает своё исследование границ между священным и профанным ещё дальше в серии “Surface to air” (2022), где из разреза блестящего платья выглядывают удлинённые ноги. Эти картины отсылают к коринфским колоннам классической архитектуры, создавая смелый параллель между священной архитектурой и современным гламуром. Это неожиданное соседство заставляет нас переосмыслить наше отношение к иконам поп-культуры и их почти религиозному статусу в нашем обществе.
Техника Джованелли так же замечательна, как и её тематический выбор. Её способ работать с краской слоями тончайших наложений создаёт оптическую глубину, напоминающую эффекты лазурных покровов старых мастеров. Но она использует эту традиционную технику для создания исключительно современных эффектов. Например, в её картинах с бокалами вина ей удаётся создать эффекты преломления и искажения, превращающие эти повседневные объекты в носители метафизического созерцания. Эти современные натюрморты напоминают о ванитасах XVII века, одновременно оставаясь твёрдо укоренёнными в нашем времени.
То, что делает работу Джованелли особенно актуальной сегодня,, это её способность с поразительным лёгким переходить между различными культурными регистрами. Она черпает вдохновение как из истории искусства, так и из популярной культуры, создавая произведения, которые сопротивляются всякой легкой категоризации. Её подход к священному не ностальгический и не почтительный, а скорее исследовательский и трансформирующий. Она показывает нам, что священное не исчезло из нашего современного мира, оно просто переместилось в новые территории.
Обработка света в её картинах также особенно интересна. Вместо традиционного изображения света она создаёт световые эффекты, которые, кажется, исходят из глубины самой полотна. Этот подход напоминает теории Мориса Мерло-Понти о “плоти видимого”. Текстуры, которые она достигает,, это не просто поверхностные эффекты, а ощутимые проявления той самой плоти мира, о которой говорил философ.
В её работе существует постоянное напряжение между раскрытием и сокрытием, что напоминает концепцию “раскрытия” у Мартина Хайдеггера. Каждая картина, словно алетея, истина, которая раскрывается, одновременно скрываясь. Эта диалектика особенно очевидна в её крупных портретах, где идентичность субъекта растворяется в материале живописи, создавая то, что Жак Деррида мог бы назвать визуальной “дифферансой”.
Её способ работы с повторением также значим. Возвращаясь к некоторым мотивам, занавескам, бокалам, лицам, она создаёт то, что Гилл Дельёз назвал бы “различиями в повторении”. Каждый повтор мотива приносит тонкие вариации, обогащающие наше понимание темы. Этот сериальный подход напоминает “Вариации” Клода Моне на тему Руэнского собора, но с определённо современным чувством.
Обработка текстур Джованелли особенно примечательна. Будь то пайетки, стекло, бархат или шёлк, она создаёт поверхности, которые одновременно чувственны и концептуальны. Эти текстуры не просто изображены, они преображены посредством живописного процесса. В её картинах простой бархатный занавес может стать таким же загадочным, как вуаль Вероники, таким же таинственным, как картина Ротко.
Её способ кадрирования своих сюжетов также гениален. Изолируя конкретные детали от их изначального контекста, она создаёт то, что Ролан Барт назвал бы парадоксальными “эффектами реального”. Эти фрагменты становятся автономными сущностями, порождающими собственное значение. Эта стратегия деконтекстуализации напоминает теории Крейга Оуэнса о постмодернистской аллегории, где фрагмент становится более значимым, чем целое.
Луиза Джованелли предлагает нам глубокое размышление о самой природе изображения в нашем мире, насыщенном образами. Она превращает мимолетные моменты популярной культуры в долговечные живописные переживания, создавая тем самым новый вид современной иконографии. Её работа, это не просто критика общества спектакля, а смелая попытка создать новую форму трансцендентности из обломков нашей визуальной культуры.
Её живопись напоминает нам, что современное искусство не обязано отказываться от традиции, чтобы быть актуальным. Напротив, именно через творческий диалог с историей искусства ей удаётся создать нечто по-настоящему новое. Она показывает нам, что живопись в XXI веке больше не может быть просто средством изображения. Она должна стать местом алхимической трансформации, где обыденное становится необычным, а профанное, священным. И именно это удаётся Джованелли: изменить наш взгляд на мир, одним взмахом кисти за раз.
