Слушайте меня внимательно, кучка снобов, Марк Куинн (род. 1964) без сомнения является британским художником, который наиболее решительно поставил под сомнение наши убеждения о человеческом теле с 1990-х годов. Вот человек, который не боится сдавать около 5 литров крови каждые пять лет для создания своего замороженного автопортрета “Self”, головы, сохранённой в искусственной жизни при -18°C благодаря сложной системе охлаждения. Жёсткая и беспристрастная метафора нашей экзистенциальной хрупкости, напрямую относящая нас к размышлениям Мартина Хайдеггера о существовании-к-смерти. Куинн ставит нас лицом к лицу с нашей конечностью с клинической хладнокровностью, сравнимой только с той, что необходима для сохранения его крови.
Жизнь и смерть постоянно переплетаются в его произведении, словно две стороны одной монеты, которую он беспрестанно вращает перед нашими глазами. Его работа отражает почти мертвенную одержимость сохранением жизни, как доказывает его монументальная инсталляция “Garden” (2000) в Фонде Прада в Милане: тысячи цветов, замороженных навечно в силиконовом слое при -20°C. Натюрморт в самом буквальном смысле, который возвращает нас к мыслям Артура Шопенгауэра о тщетности всего и иллюзии постоянства. Эти цветы одновременно мертвые и бессмертные, искусственно сохраненные в состоянии совершенства, бросающем вызов времени, но всё же зависящем от источника электроэнергии. Таким образом, Куинн постоянно играет с нашими противоречиями, высмеивая наше стремление к вечности одновременно, подчеркивая нашу зависимость от технологий.
Эта двойственность между жизнью и смертью также проявляется в его серии портретов ДНК, в частности в портрете сэра Джона Салстона, лауреата Нобелевской премии, созданного из его генетического материала, выращенного в агаровом геле. Произведение отлично воплощает напряжение между индивидуальной уникальностью, закодированной в нашей ДНК, и универсальностью нашего биологического состояния. Это парадоксальный автопортрет, который не показывает ничего физического внешности субъекта, но буквально содержит инструкции для его полного воссоздания.
Но, возможно, вершиной его размышлений о теле и красоте является серия беломраморных скульптур инвалидов. Его монументальная статуя беременной Элисон Лаппер, выставленная на Четвёртом пьедестале на площади Трафальгар с 2005 по 2007 год, произвела настоящий шок в лондонском культурном пейзаже. Разместив женщину, рожденную без рук, напротив колонны адмирала Нельсона, который также был ампутирован одной руки, Куинн мастерски переворачивает каноны классической скульптуры и наши предрассудки о инвалидности. В этом он следует традициям размышлений Мишеля Фуко о связи власти и телесных норм, прямо ставя под вопрос то, что наше общество считает “нормальным” или “ненормальным”.
Эта серия под названием “Полные мраморы” включает несколько скульптур людей, рожденных с отсутствующими или ампутированными конечностями. Используя белый каррарский мрамор, благородный материал классической скульптуры, Куинн возвышает эти “неполные” тела до статуса икон. Он заставляет зрителя противостоять собственным предубеждениям относительно красоты и физического совершенства. Эти работы не являются торжествами различий, а утверждениями человеческого достоинства во всех его проявлениях.
Провокация у Куинна никогда не является пустой, она всегда служит более глубокому философскому замыслу о нашем отношении к телу и идентичности. Возьмём его серию золотых скульптур Кейт Мосс в невозможных позах йоги: за кажущимся чествованием поп-иконы скрывается жёсткая критика нашего общества спектакля и его новых тотемов. Куинн превращает тело модели в нечто вроде современной идолы, соотносясь с анализами Ги Дебора о коммерциализации тел и тирании образов. “Сирена” (2008), его скульптура из 18-каратного золота Кейт Мосс, является современной Венерой, которая ставит под вопрос наши новые культы и новые ценности.
Его работа над транссексуалами и экстремальными телесными модификациями продвигает ещё дальше размышления об изменчивой идентичности. Через свои гиперреалистичные скульптуры Бака Энджела и Элланах Старр, Куинн исследует границы между мужским и женским, естественным и искусственным. Он не судит, а показывает, с клинической точностью, напоминающей анатомические таблицы эпохи Возрождения. Но в то время как художники Возрождения стремились понять функционирование человеческого тела, Куинн задаётся вопросом, что значит быть человеком в эпоху пластической хирургии и синтетических гормонов.
Это исследование телесных превращений достигает кульминации в его серии скульптур людей, радикально изменивших свою внешность, таких как “Кошачий человек” Деннис Авнер, сделавший хирургическую трансформацию, чтобы походить на фелина. Куинн документирует эти добровольные метаморфозы с той же объективностью, что и другие свои темы, заставляя нас задуматься о границах личной идентичности и телесной автономии. Эти работы ставят головокружительный вопрос: как далеко мы можем зайти в изменении нашего тела, оставаясь при этом собой?
Художник не отступает ни перед чем, чтобы заставить нас чувствовать себя неловко, как, например, с его картинами сырого мяса из серии “Flesh Paintings”. Эти кровавые натюрморты напоминают ощипанные тушки Рембрандта, а также трупы Фрэнсиса Бэкона, создавая увлекательный диалог между традиционной живописью и современным искусством. Куинн заставляет нас лицом к лицу взглянуть на то, что мы обычно предпочитаем игнорировать: грубую материальность нашего существования, нашу глубоко плотскую природу.
Плоть, будь то человеческая или животная, присутствует повсюду в его творчестве. В “Пути плоти” (2013) он сопоставляет обнажённое тело беременной женщины с кусками сырого мяса, создавая тревожное визуальное напряжение между зарождающейся жизнью и смертью плоти. Эта монументальная работа длиной более 5 метров сталкивает нас с нашей собственной двойственностью по отношению к потреблению мяса и нашему положению существ из плоти и крови.
Его исследование пределов человеческого тела принимает особенно радикальный оборот в серии мраморных скульптур гигантских эмбрионов из серии “Эволюция”. Увеличивая до небывалых размеров эти только начинающие форму живые организмы, Куинн создаёт эффект отчуждения, заставляющий нас иначе взглянуть на чудо жизни. Здесь он вступает в диалог с вопросами Питера Слотердейка об антропотехнике и будущем человечества в эпоху генетических манипуляций. Эти монументальные эмбрионы подобны современным сфинксам, задающим нам вопросы о нашем будущем как вида.
Куинн также является неумолимым хроникёром нашей эпохи, как показывает его серия “Исторические картины”, начатая в 2009 году. Эти монументальные картины и гобелены, воспроизводящие новостные фотографии: беспорядки, митинги, катастрофы, превращают медиапоток в современные фрески. Художник здесь продолжает традицию, восходящую к великим историческим полотнам, но с пессимистической точкой зрения Вальтера Беньямина на историю как накопление руин.
Эта политическая составляющая его работы ещё больше усилилась в последние годы. Его проект “Наша кровь” (2019), предусматривающий сбор крови у тысяч доноров, половина из которых, беженцы, свидетельствует о его растущей вовлечённости в социальные вопросы. В буквальном смысле смешивая кровь беженцев и небеженцев, Куинн создаёт мощную метафору нашего общего человечества.
Его последний проект, “Всплеск силы (Джен Рид)” установленный тайно на пьедестале свергнутой статуи Эдварда Колстона в Бристоле в 2020 году, демонстрирует его способность эффективно вмешиваться в общественные дебаты. Заменяя статую торговца рабами фигурой активистки движения Жизни Чёрных Важны, Куинн не просто комментирует текущие события, он активно участвует в переписывании истории и её символов.
Совсем недавно его выставка “Свет в жизнь” в ботанических садах Кью (2024) ознаменовала новый поворот в его практике. Его монументальные скульптуры из полированной стали, отражающие окружающую природу, создают увлекательный диалог между искусственным и естественным. Эта серия, вдохновлённая лекарственными растениями, исследует наши сложные отношения с природой, между эксплуатацией и сохранением, разрушением и возрождением.
Куинн превращает сложные философские вопросы в визуально захватывающие произведения, которые напрямую обращаются к нам. Работая с кровью, мрамором или замороженными цветами, он всегда создаёт образы, которые надолго остаются в памяти, поднимая при этом фундаментальные вопросы о нашем существовании. Его искусство, как искажённое зеркало, которое возвращает нам одновременно знакомое и странно тревожное отражение самих себя.
Эта способность сочетать визуальную провокацию и концептуальную глубину делает Куинна уникальным художником на современной сцене. Его работы не просто шокируют, они заставляют нас задуматься над важнейшими вопросами: что такое идентичность в эпоху модификации тела? Каково положение тела в технологическом обществе? Как представить различие, не скатываясь в вуайеризм или снисходительность?
Марка Куинна можно считать одним из важнейших художников своего поколения, именно потому, что он не стремится понравиться, а заставить задуматься. В мире современного искусства, часто больше озабоченном рейтингами художников, чем смыслом, его подход сохраняет редкую радикальность и актуальность. Он напоминает нам, что искусство существует не для украшения стен, а для того, чтобы противостоять тому, чем мы являемся, во всей нашей красоте и монструозности.
Для снобов, которые всё ещё считают современное искусство большой шуткой, я бы сказал, что Куинн, полная противоположность этому: художник, который использует все доступные средства, чтобы ставить большие вопросы нашего времени. Его работы, не трюки для впечатления публики, а машины для размышлений, которые продолжают воздействовать на нас долго после просмотра. В то время как наш мир, казалось бы, потерял ориентиры, его творчество предлагает не готовые ответы, а важные вопросы о том, что значит быть человеком в XXI веке.
