Слушайте меня внимательно, кучка снобов, когда я говорю вам об артисте, который поражает наши чувства без шума в медиа, я имею в виду Пареша Майти. Этот человек, чьё имя теперь звучит в художественных кругах от Дели до Лондона, плавает в мире эстетики, который далеко превосходит визуальные сложные узоры, к которым мы привыкли.
Родившийся в 1965 году в Тамлуке, маленькой деревне в Западной Бенгалии, Майти заработал репутацию алхимика цвета. Его акварели, первая страсть и основной носитель, совершают редкое чудо: захватывают свет, как бабочку, заключая её на бумаге, не ломая крыльев. Его произведения не просто изображают пейзаж, они превращают его в почти синестетический опыт, где вода становится пигментом, а пигмент, светом.
Нужно понять, что Майти, не просто художник, он визуальный кочевник. Его путешествия по Индии и миру, от Бенареса до Венеции, включая Раджастхан и норвежские каналы, составляют исходный материал его творчества. Он впитывает пейзажи и передаёт их преобразованными своим уникальным взглядом, словно через калейдоскоп, в котором доминируют раскалённые красные, глубокие синие и сияющие охры.
Его художественный путь является идеальным примером того, что философ Ханна Арендт называла “человеческим состоянием в его множественности” [1]. Одновременно укоренённый в родной земле и глубоко космополитичный, Майти воплощает способность быть одновременно здесь и там, принадлежать традиции и при этом её преодолевать. Его произведения несут отпечаток этой двойственности: верны индийским живописным традициям в своей цветовой чувственности, но решительно современны в композиции и смелости.
Тем, кто удивляется его продуктивности, более 80 персональных выставок за сорок лет карьеры,, я напомню, что творчество, это не количество, а интенсивность. И какая же интенсивность в этих больших форматах, где пейзаж становится космосом! Монументальное произведение, которое он создал для международного аэропорта Индиры Ганди в Нью-Дели, фреска длиной в 250 метров, самая длинная в Индии,, это не просто технический подвиг, а визуальная одиссея, которая позволяет нам путешествовать через душу субконтинента.
Что мне нравится в его работе, так это способность захватить самую суть света. “Я всегда верил, что свет, это жизнь, а жизнь, свет. Чтобы что-то увидеть, нужна свет”,, признаётся он [2]. Эта одержимость светом напоминает поиски Тернера или Моне, но Майти добавляет в неё особую вибрацию, пульсацию, которая принадлежит только Индии.
Переход от акварели к другим средам, таким как масло, акрил, скульптуры, инсталляции, для него вовсе не предательство. Это скорее естественное продолжение исследования материальности света и его способности преобразовывать наше восприятие мира. Его недавние скульптуры, такие как монументальный “Urbanscape” весом семь тонн, изображающий гигантский хурму, исследуют городскую плотность с той же чувствительностью, с какой его акварели исследуют текучесть воды.
Что меня глубоко раздражает в некоторых критиках, так это их неспособность видеть дальше заранее установленных категорий. О Майти говорят как о “мастере акварели”, и это безусловно так, но слишком часто забывают упомянуть его виртуозность в навигации между разными средами, его способность постоянно переосмысливать свой визуальный язык. Он не застывший в технике художник, а неутомимый исследователь выразительных возможностей искусства.
Его отношение к керамике прекрасно иллюстрирует эту ненасытную любознательность. Вдохновившись Пикассо во время посещения музея в Париже во время учебы, он развивал в течение двадцати лет личную практику керамики вдали от глаз публики, прежде чем наконец раскрыть ее широкой аудитории. Это терпение, медленное созревание художественной практики вдали от шумного медиапространства свидетельствует о редкой честности в мире современного искусства.
Французский кинокритик Полин Каэль писала, что “искусство, это единственная форма жизни, которую можно неограниченно продолжать” [3]. Это замечание могло бы определить подход Майти. Когда он заявляет: “Искусство, моя жизнь. Я ещё не начал, я всё ещё в поиске. Иногда у меня ощущение, что у меня должно быть 72 часа в сутках” [4], он выражает эту постоянную жажду, это плодотворное неудовлетворение, которое характеризует великих творцов.
Если рассмотреть его работу через призму эстетической теории Джона Дьюи, становится яснее природа его искусства как “опыта”. Для Дьюи эстетический опыт не отделён от обычного опыта, он является его усилением и прояснением. Пейзажи Майти, это не холодные изображения места, а выражение пережитой встречи, диалога между художником и его окружением. Именно это качественное переживание придаёт его произведениям столь особенную силу вызова воспоминаний.
Меня особенно завораживает его серия о Бенаресе/Варанаси. В этих произведениях он сумел запечатлеть не только физический облик этого мифического города с его гхатами и ритуалами на берегу Ганга, но и его духовное измерение, тот особый свет, который, кажется, исходит из самого места. В этих картинах есть нечто, что превосходит простое изображение, достигая формы эмоциональной истины.
Эта способность превращать материю в эмоцию также очевидна в его скульптурах. “The Pair”, это монументальное произведение весом в семь тонн, упомянутое в выставке “Infinite Light”, играет на двойственности мужского и женского с такой чувственностью, которая избегает ловушек легкого символизма. Произведение навязывает своё физическое присутствие, приглашая к почти метафизическому созерцанию.
Критик Ранджит Хоскот отмечает “глубокое увлечение светом как силой преобразования, с цветом как основанием бытия и с человеком как свидетелем и участником космических драм эпического масштаба” [5]. Это наблюдение касается самой сути работы Майти: свет, это не просто оптическое явление, а структурирующая сила, которая придаёт форму и смысл миру.
Эта озабоченность светом напоминает исследования феноменологии восприятия. Не впадая в концептуальные ловушки этой философской школы, можно, однако, заметить, что Майти, как и феноменологи, интересуется тем, как мир предстает перед нами через наши чувства и как наше восприятие трансформирует то, что мы видим.
Должен признать, что я изначально скептически относился к его выходам в публичное искусство. Слишком часто монументальные произведения жертвуют тонкостью во имя эффекта. Тем не менее, даже в крупном масштабе Майти удается сохранять ту интимность, ту деликатность, которая характеризует его акварели. Его фреска для аэропорта Дели, это не уступка коммерции, а расширение его видения, словно его интимный взгляд на мир теперь может быть разделен тысячами путешественников.
Что мне также особенно нравится в этом художнике, так это его отношение ко времени. В его пейзажах время кажется одновременно приостановленным и постоянно движущимся, словно каждый момент содержит в себе прошлое и будущее. Эта концепция времени напоминает размышления Анри Бергсона о длительности как непрерывном потоке, а не последовательности отдельных моментов. Пейзажи Майти, не застылые фотографии, а моменты, которые дышат, пульсируют жизнью.
Наблюдая за эволюцией его практики на протяжении десятилетий, видно не разрывы, а постепенное углубление его основных забот. От первых акварелей до последних мультимедийных произведений, это всегда тот же поиск света, то же увлечение тем, как он преобразует наше восприятие мира.
Его связь с природой особенно интересна. Родившись в регионе Бенгалии, где вода повсюду, реки, пруды, каналы, Майти развил особую чувствительность к водному элементу. Эта близость проявляется не только в его первоначальном выборе акварели как средства, но и в его способе осмысления пространственной композиции как текучего, постоянно меняющегося пространства. Как он сам утверждает: “Я неразделим с водой, мы, одно целое.” [6]
Это слияние с природными стихиями напоминает романтическое представление об артистe как посреднике между природой и человеком. Но Майти избегает ловушек наивного романтизма благодаря острому осознанию социальных и культурных реалий, формирующих наше отношение к окружающей среде. Его пейзажи никогда не бывают простым восхвалением идеализированной природы, а являются сложными исследованиями нашей двойственной связи с окружающим миром.
Многообразие Майти может показаться сбивающим с толку: как один и тот же художник может превосходно работать в таких разных техниках, как акварель, масло, скульптура или керамика? Ответ, возможно, кроется в его фундаментально сенсорном подходе к искусству. Независимо от используемой техники, это всегда тот же поиск визуального ощущения в его самой чистой форме, та же увлеченность тем, как свет и цвет могут трансформировать наш опыт мира.
Если бы нужно было кратко охарактеризовать сущность его искусства, я бы сказал: трансформация, текучесть, светимость. Майти не изображает мир, он раскрывает его скрытую сторону, ту, которая ускользает от нашего обычного восприятия, но которая является его глубочайшей истиной.
Искусство Пареша Майти напоминает нам, что истинное видение мира, это творческий акт, постоянное преобразование, а не просто пассивное восприятие. В этом его творчество является не только важным вкладом в современное индийское искусство, но и приглашением переосмыслить наше отношение к видимому, к свету, к той обыденной красоте, что окружает нас и которую мы слишком часто перестали замечать.
- Arendt, Hannah, “Человеческое состояние”, The University of Chicago Press, 1958.
- The Established, “Художник Paresh Maity в поисках правильного света через разные медиа и временные линии”, интервью проведено Anannya Sarkar, 2022.
- Kael, Pauline, “Я потеряла это в кино”, Little, Brown and Company, 1965
- T2online, “Жизнь для меня, это искусство. Я ещё не начал, я всё ещё ищу. Иногда мне кажется, что в сутках должно быть 72 часа”, Пареш Майти”, интервью Саионе Чакраборти, 23 января 2024 г.
- Abirpothi, “‘Бесконечный свет’ выражает путь Пареша Майти длиной в три десятилетия в искусстве”, 2022
