Слушайте меня внимательно, кучка снобов, пора поговорить о Пэм Эвелин (родилась в 1996 году в Сарри, Великобритания), этой живописной торнадо, которая потрясает мир современного искусства с силой тайфуна. Всего в 28 лет она даёт нам великолепный урок о том, что значит рисовать в XXI веке. Забудьте свои предубеждения о молодых художниках, эта, другая.
Первое, что поражает в её работе,, это почти сверхъестественная способность превращать живопись в живую силу. Её полотна, это не просто плоские поверхности, покрытые пигментом, они дышат, потеют, вибрируют с интенсивностью, напоминающей описания ауры произведений искусства, которые делал Вальтер Беньямин. Но будьте осторожны, не заблуждайтесь: это не простое наследование американского абстрактного экспрессионизма. Нет, Эвелин делает нечто гораздо более радикальное, современное и насущное.
Первая тема, которая выделяется в её работах,, это тесная связь с материальностью живописи. В “Hidden Scene” (2022), монументальном триптихе, Эвелин не ограничивается живописью, она устраивает настоящую борьбу между поверхностью и глубиной. Ленты необработанного холста, усыпанные чёрными следами, не просто приклеены к поверхности; они создают ощутимое напряжение с подложенной калейдоскопической композицией. Это как если бы Морис Мерло-Понти взял уроки живописи, феноменология восприятия здесь приобретает осязаемую, почти грубую форму.
Этот подход к материальности напоминает нам то, что писал Ролан Барт о “текстуре реального”, но Эвелин идёт ещё дальше. Она не просто намекает на текстуру, она буквально её создаёт, слой за слоем, в процессе, который может занимать до шести месяцев для одного полотна. Это подход, который отзывается теориям Жиля Делёза о складке и расправлении, но переведённый на язык живописи решительно современный.
Вторая тема, пронизывающая её творчество,, это её отношение ко времени и движению. Возьмём, к примеру, “Deluge” (2023), где поверхность картины становится ареной шторма мазков кисти первичных цветов, падающих как конфетти на тёмный и израненный фон. Это произведение невольно напоминает размышления Анри Бергсона о чистой длительности, о переживаемом времени вместо измеренного времени. Но там, где Бергсон теоретизировал, Эвелин материализует.
Что завораживает в ней, так это способность превращать акт рисования в нечто вроде экзистенциального перформанса. Каждое полотно становится полем боя, где происходит борьба между контролем и хаосом, между намерением и случайностью. И в отличие от некоторых современных художников, которые просто перерабатывают жесты послевоенной абстракции, Эвелин изобретает свой собственный живописный язык.
В “Traced Train Windows” (2023) она запечатлевает опыт путешествия на поезде, но не в буквальном смысле. Нет, она передаёт само ощущение движения, способ, которым пейзаж искажается и размывается через жирное стекло. Это чистый Анри Лефевр, производство пространства, которое не ограничивается изображением, а действительно создаёт новую пространственную реальность.
Что мне особенно нравится, так это то, как она использует формат. Её полотна не просто большие, они амбициозные. Когда она создаёт диптихи почти в 5 метров шириной, это не просто ради зрелищности. Нет, это потому, что её живописный язык требует этого пространства для полного раскрытия. Будто она инстинктивно поняла то, что Роберт Моррис теоретизировал в своих “Notes on Sculpture”, важность масштаба в нашем физическом восприятии искусства.
И давайте поговорим о её палитре, эти тёплые синие, которые сталкиваются с лягушачьими зелёными, эти жёлтые, которые вспыхивают как молнии на грозовом небе. Словно она переварила всю историю цвета в современном искусстве, от Тернера до Говарда Ходжкина, чтобы создать нечто по-настоящему личное. Она не рисует, чтобы угодить, она рисует, чтобы потрясти наши убеждения о том, чем может быть живопись сегодня.
Её работа в резиденции студий Портмор в Корнуолле в 2022 году знаменует собой решающий поворот. Лицом к бушующему морю и сильным ветрам она разработала ещё более физический подход к живописи. Природные элементы стали не просто источником вдохновения, а почти соавторами в творческом процессе. Увлекательно видеть, как она превратила этот опыт во что-то глубоко личное, оставаясь при этом критически отстранённой, что не даёт её работе впасть в ловушку лёгкого романтизма.
В “Mirage, A Glaze of Mischief” (2023) она добивается действительно выдающегося: превращает эфемерное явление, мимолётную игру света, во что-то постоянное и ощутимое через толщу краски. Светящиеся мазки кисти, разворачивающиеся с верхней части полотна, прежде чем зацепиться, согнуться и распасться, создают головокружительное ощущение застывшего движения. Будто она сумела захватить саму сущность того, что Морис Бланшо называл “моментом”.
То, что действительно отличает Эвелин от её современников,, это её упорный отказ довольствоваться лёгкими решениями. Там, где другие молодые художники довольствуются воспроизведением проверенных формул, она постоянно расширяет границы того, чем может быть живопись. Её процесс часто включает частичное разрушение своих произведений, акт осознанного “саботажа”, напоминающий теории Жоржа Батая о растрате и излишестве.
Но будьте осторожны, не заблуждайтесь, эта внешняя жестокость в её процессе не случайна. Каждый жест, даже самый разрушительный, является частью более широкой работы над возможностями современного живописи. Это немного похоже на то, как если бы она воплощала теории Жака Деррида о деконструкции, но с помощью кистей и масляных красок, а не слов.
То, как она работает со временем, особенно увлекательно. Её полотна, это не просто результат линейного процесса, а скорее накопление моментов, решений, раскаянья. Как будто она создаёт произведения слоями, где каждый слой краски хранит память о предыдущих жестах. Этот подход перекликается с размышлениями Поля Рикёра о временности и повествовании, но выражен в визуальном языке с редкой силой.
Что примечательно, так это то, что всего в 28 лет она уже развила художественный голос с поразительной зрелостью. Её работы не просто красивые или впечатляющие, они необходимы. Её недавнее появление в галерее Pace не стало неожиданностью, настало время, чтобы мир институционального искусства признал её талант. Но Пэм Эвелин, не та художница, которую легко приручить рынком. Её творчество сохраняет шероховатость, интенсивность, которые противостоят лёгкой коммерциализации.
Настоящая сила Эвелин в том, что она создаёт работы, которые работают одновременно на нескольких уровнях. Её картины одновременно глубоко интеллектуальны и чувственно физичны, исторически осознанны и решительно современны. Она совершает редкий трюк: создавать искусство, которое говорит как чувствам, так и разуму. Пэм Эвелин представляет нечто редкое: непоколебимую веру в возможности живописи как средства исследования и открытия. Её творчество напоминает нам, что искусство не мёртво, оно живее всех живых, если только у него хватает смелости расширять свои границы.
