Слушайте меня внимательно, кучка снобов: перед нами художник, который решил преодолеть условности видимого, чтобы раскрыть тайную архитектуру чистого ощущения. Уинстон Брэнч, родившийся в 1947 году на Святой Люсии и обучавшийся в лондонских мастерских 1960-х годов, олицетворяет поколение художников, сумевших превратить абстракцию в универсальный язык, способный говорить прямо с нашими самыми сокровенными чувствами.
Когда Брэнч заявляет: “Живопись для меня, это взять бесформенную субстанцию, такую как краска, и превратить её в иллюзорное изображение, таким образом вызывая чувственность чувства. Цвет, это свет, и через цвет я выражаю свою человечность”, он сразу же раскрывает философский аспект своего проекта. Ведь речь идёт не просто о рисовании, а о трансмутации первоначального материала в трансцендентный опыт.
Его географический путь, от Святой Люсии до Лондона, затем от Берлина до Калифорнии, через Нью-Йорк, очерчивает карту современного художественного поиска. Выпускник Школы изящных искусств Слэйд 1970 года, Брэнч быстро утвердился как выдающийся талант, выиграв престижную Британскую Римскую премию, присуждаемую, в частности, Королевской академией. Это классическое образование дало ему техническую базу, но именно постепенный разрыв с фигуративным искусством выявил его истинную уникальность.
Критик Карлос Диас Соса прекрасно уловил эту грань, описывая полотна Брэнча как “абстрактные картины со свежими и туманными цветами, обладающие качеством, позволяющим зрителю исследовать глубины разума. Брэнч использует живопись как символ, чисто эстетический язык, иллюстрацию духа”.
Откровение Клиффорда Стилла и наследие абстрактного экспрессионизма
Во время своего пребывания в Нью-Йорке, благодаря гранту Гуггенхайма в 1978 году, Брэнч испытал истинное художественное прозрение, столкнувшись с работами Клиффорда Стилла. По его собственным словам: “Была невероятная выставка Клиффорда Стилла. Это потрясло меня, картины покрывали огромные стены. Я подумал: вот оно, я буду делать так”. Эта встреча с американским абстрактным экспрессионизмом стала решающей в его художественном развитии.
Влияние Стилла на Брэнча выходит за рамки масштабов. Клиффорд Стилл, ведущая фигура Нью-Йоркской школы наряду с Джексоном Поллоком и Марком Ротко, ещё в 1940-х годах разработал радикально новый подход к абстракции. Стилл стремился создать то, что он называл “вертикальной необходимостью жизни”, живопись, вызывающую ощущение экзистенциальной борьбы человеческого духа с силами природы.
Этот философский аспект глубоко резонирует с Брэнчем, который переносит этот поиск возвышенного в собственные полотна. Но если Стилл отдавал предпочтение драматическим контрастам между тьмой и светом, то Брэнч развивает более тонкий, атмосферный подход. Его композиции демонстрируют особую чувствительность к цветовым переходам, к тонким сменам оттенков, вызывающим скорее не конфронтацию, а единение.
Наследие американского абстрактного экспрессионизма у Бранча не ограничивается только заимствованием некоторых техник. Речь идёт о настоящей духовной преемственности с поколением художников, которые в послевоенное время стремились переосмыслить изобразительный язык, чтобы выразить экзистенциальные вопросы своей эпохи. Как и Стилл, Бранч отказывается от всяких компромиссов с повествовательностью или декоративностью. Его живопись направлена на сущность: прямое выражение эмоции через чистую материальность цвета.
Это влияние проявляется также в его понимании мастерской как лаборатории. Бранч объясняет: “В определённом смысле художник, это как учёный, а его мастерская, это его лаборатория”. Этот экспериментальный подход, унаследованный от абстрактных экспрессионистов, превращает каждое полотно в исследование, в изучение бесконечных возможностей цвета и формы.
Монументальность произведений Стилла находит у Бранча более интимную, но не менее мощную трансформацию. Его полотна, хотя часто и меньших размеров, обладают способностью окружать зрителя, характерной для американского искусства 1950-х годов. Они создают тотальное сенсорное пространство, приглашающее к погружению, а не к отстранённому созерцанию.
Тёрнер и традиция британского света
Параллельно с этим американским наследием, Бранч вписывается в специфически британскую традицию живописи света, где фигурой-наставником остаётся Дж. М. В. Тернер. Это двойное влияние раскрывает богатство его культурного образования и частично объясняет оригинальность его подхода.
Тернер, безусловный мастер акварели и пионер современной абстракции, ещё в начале XIX века разработал революционный подход к цвету. Его поздние акварели, особенно созданные во время поездок в Швейцарию и Венецию, замечательно предвосхищают поиски современного искусства. Сам Бранч признаёт эту преемственность: “Он полностью стер любую реальность. Там были только кадмиевый жёлтый и вспышки красного”, вспоминая поздние акварели Тернера.
Эта ссылка на Тернера не случайна. Она раскрывает глубокое понимание Бранчем истории британской живописи и её специфики. Тернер был первым, кто систематически использовал эффекты прозрачности и цветового наложения, создавая знаменитые “цветные вуали”, которые, казалось, плавают на поверхности полотна. Бранч возрождает и обновляет эту технику в своих современных акриловых работах.
Наследие Тернера у Бранча проявляется также в его отношении к природе. Как и Тернер, который находил в атмосферных явлениях неиссякаемый источник вдохновения, Бранч черпает из своего опыта карибских пейзажей исключительную богатую палитру. Его синие цвета напоминают океанские глубины, жёлтые, ярость тропического солнца, красные, накал закатов в экваториальных широтах.
Но Бранч не ограничивается простой передачей этих визуальных впечатлений. Он преображает и трансформирует их самим процессом живописи. Как и Тернер в своих поздних произведениях, он достигает той степени, где живопись перестаёт быть представлением и становится чистым присутствием, чистой цветовой интенсивностью.
Техника Бранча, заключающаяся в наложении акриловых слоев с сохранением спонтанности жеста, напоминает инновации Тернера в акварельном искусстве. Это владение прозрачностью и непрозрачностью, текучестью и плотностью создаёт эффекты глубины и светимости, характерные для его лучших работ.
Влияние Тернера также ощущается в самом понимании искусства, которое имеет Бранч. Для Тернера живопись должна была “выражать настроения природы”, как сказал Джон Раскин. Бранч переносит эту амбицию в сферу современной абстракции, пытаясь выразить не настроения внешней природы, а настроения внутренней природы, сознания и человеческой чувствительности.
Эта связь с Тернером также объясняет успех Бранча среди британских коллекционеров. Tate Britain, держащая крупнейшую коллекцию работ Тернера, логично приобрела в 2017 году основное произведение Бранча “Zachary II”. Это институциональное признание утверждает Бранча как законного наследника великой британской живописной традиции.
Географическая одиссея и формирование художественной идентичности
Путь Бранча прекрасно иллюстрирует эту географию современного искусства, где влияния пересекаются и взаимно обогащаются. Родившийся на Сент-Люсии, обучавшийся в Лондоне, последовательно проживавший в Риме, Берлине, Нью-Йорке и Калифорнии, Бранч воплощает образ кочующего художника, характерного для второй половины XX века.
Каждый этап этого пути способствует обогащению его живописного языка. Рим принес ему мастерство классической традиции и понимание великой исторической живописи. Берлин, благодаря программе DAAD, дал пространство и свободу, необходимые для экспериментов. Нью-Йорк столкнул его с современными авангардами. Калифорния позволила развить более гедонистический и светлый подход к цвету.
Но, возможно, именно регулярные возвращения на Сент-Люсию лучше всего раскрывают глубокую целостность его метода. Потому что Бранч не убегает от своих корней, он их трансформирует. Карибский свет, тропические цвета, хроматическая интенсивность его детских пейзажей напрямую питают его абстрактную живопись.
Эта способность синтезировать, казалось бы, противоречивые влияния является одной из главных сильных сторон Бранча. Он примиряет европейское наследие и американские инновации, британскую традицию и тропическую экспрессивность, концептуальную строгость и чувственную отдачу.
Произведения Бранча характеризуются особым отношением к живописной материи. Используя главным образом акрил, материал, позволяющий быстрое высыхание и эффекты прозрачности, он развивает персональную технику наслаивания цветных слоев.
Этот технический подход раскрывает глубоко оригинальную философию живописи. Для Бранча цвет, не орнамент, а субстанция. Он не украшает, он составляет основу. Каждое полотно становится исследованием выразительных возможностей чистого цвета, освобожденного от всякой репрезентативной функции.
Его композиции демонстрируют исключительное мастерство хроматических отношений. Синие оттенки ведут диалог с оранжевыми, желтые вибрируют на фоне фиолетовых, создавая динамические напряжения, которые поддерживают постоянное внимание глаз. Но эта техническая виртуозность никогда не бывает напрасной. Она служит художественному проекту невероятной амбиции: раскрыть невидимое, придать форму невыразимому.
Наследие и признание
Сегодня, почти в восемьдесят лет, Бранч наконец заслуженно пользуется признанием. Приобретение “Zachary II” Tate, выставки в галерее Cahiers d’Art в Париже, значительные продажи на Christie’s и Sotheby’s утверждают произведение удивительной цельности.
Задержка с признанием отчасти объясняется сопротивлением арт-рынка по отношению к работе, которая отвергает легкие категории. Бранч не принадлежит ни к какой школе, не отождествляет себя ни с одним движением. Его искусство черпает из самых разных источников для создания абсолютно личного языка.
Но именно эта независимость и является его силой. В художественном мире, часто подчинённом модным тенденциям и коммерческим стратегиям, Бранч олицетворяет фигуру аутентичного художника, верного своему внутреннему видению.
Потому что Бранч воплощает прежде всего эту основную добродетель настоящего художника: настойчивость. Настойчивость в поисках, настойчивость в экспериментировании, настойчивость в верности самому себе несмотря на непонимание и материальные трудности.
Его пример напоминает, что истинное искусство рождается не из лёгкости, а из постоянного противостояния сопротивлению материи и требованию выражения. Каждое полотно Бранча свидетельствует о этой ежедневной борьбе, чтобы вырвать у цвета и формы их самый сокровенный секрет.
Эта настойчивость находит свою награду в исключительном качестве его последних работ. Недавние картины раскрывают художника, достигшего полной зрелости, способного синтезировать в нескольких движениях опыт жизни, отданной искусству.
Творчество Бранча прекрасно иллюстрирует парадокс современного искусства: чем глубже художник погружается в свою индивидуальность, тем больше он касается универсального. Исследуя самые интимные ресурсы своей чувствительности, Бранч создаёт язык, говорящий каждому зрителю.
Его полотна обладают редким качеством истинного искусства: они сопротивляются утомлению взгляда. Их можно созерцать бесконечно, постоянно открывая новые цветовые отношения, новые гармонии. Они предлагают опыт чистого созерцания, которого искали древние мастера.
Потому что Бранч сумел возродить духовные амбиции традиционного искусства, используя язык современности. Его абстрактные картины возвращают функцию медитации, способность возвышения, которыми обладали сакральные произведения прошлого.
Педагогическое влияние Бранча заслуживает особого внимания. Преподавая в Калифорнийском университете в Беркли и Университете штата Канзас, он подготовил многих художников, продолжающих сегодня его учение. Эта передача раскрывает важнейшее измерение его творчества: его щедрость.
Потому что Бранч не жадничает техническими секретами. Он делится ими, объясняет, передаёт. Эта открытость свидетельствует о благородном понимании искусства как общего достояния человечества.
Его бывшие студенты единодушно отмечают его способность раскрывать в каждом их особые выразительные возможности. Вместо того чтобы навязывать метод, Бранч умел адаптировать обучение к личности каждого ученика.
Свет Святой Люсии
Нужно, наконец, вернуться к истоку, к Святой Люсии в воображении Бранча. Этот остров, оспариваемый между Францией и Англией, колонизированный и освобождённый, предлагает совершеннейшую метафору современной ситуации: множественность идентичностей, сложная принадлежность, богатство, рожденное разнообразием.
Бранч сумел преобразовать эту сложность идентичности в творческую силу. Вместо того чтобы воспринимать её как ограничение, он принимает её как богатство. Его живопись синтезирует самые разные влияния, не теряя при этом глубочайшей целостности.
Тропический свет его детства продолжает наполнять его лондонские полотна. Эта верность истоку, преображённая искусством, возможно, и есть секрет его особого гения.
Сегодня Бранч заявляет о желании “написать своё имя в реестр британской культуры”. Это законное стремление к полной и всесторонней признательности не должно затмевать главное: Бранч уже вписал своё имя в историю современного искусства. Его полотна долго будут свидетельствовать о его настойчивом поиске чистой красоты, об образцовой верности самой сути живописи.
Кар Винстон Бранч напоминает нам об этом фундаментальном истине: живопись не умерла. Она трансформируется, развивается, обновляется, но остается этим незаменимым искусством, позволяющим человеку воплощать в видимой форме свои самые сокровенные мечты.
- Официальный сайт Винстона Бранча, “About Winston”, winstonbranch.com, просмотрено в июле 2025 года
- Карлос Диас Соса, цитируется на официальном сайте Винстона Бранча и в различных источниках
- Седрик Бардауил, “In the studio with Winston Branch”, cedricbardawil.com, 2023
- Интервью в House Collective, “Abstract Soul: The legendary artist Winston Branch”, 2025
- Седрик Бардауил, “In the studio with Winston Branch”, cedricbardawil.com, 2023
- Christie’s, “The bewitching canvases of Winston Branch”, сентябрь 2023
