Слушайте меня внимательно, кучка снобов, если вы думаете, что современный пейзаж больше нам ничего не скажет, значит, вы еще не встретили поразительное творчество Шары Хьюз. Эта американская художница, родившаяся в 1981 году в Атланте, совершила подвиг, переосмыслила жанр, который многие считали исчерпанным, создав параллельные миры, бросающие вызов нашему традиционному пониманию природы и изображения.
В то время как наша эпоха переполнена повторениями и избитыми концепциями, Хьюз выделяется своей способностью создавать произведения, которые превосходят традиционные категории. Её пейзажи, это не просто изображения существующих мест, а сложные умственные конструкции, которые приглашают нас исследовать неизведанные территории нашей психики. Через её уникальный взгляд каждая картина становится открытым окном в мир, где законы физики и восприятия переписываются согласно сновидческой логике.
Возьмём, к примеру, её величественное произведение “The Delicate Gloom” (2018), которое прекрасно иллюстрирует её способность превращать простой цветочный мотив в глубокую медитацию о природе сознания. На этом головокружительном полотне цвета, кажется, пульсируют собственной жизнью, создавая визуальные ритмы, напоминающие удары космического сердца. Глубокие фиолетовые оттенки сочетаются с кислотно-зелёными в хроматическом танце, вызывающем на мысли о предельных состояниях сознания, тех моментах, когда объективная реальность растворяется в потоке нашего субъективного опыта.
Этот особый подход к пейзажу находит увлекательное отражение в теориях восприятия, разработанных Морисом Мерло-Понти в его “Феноменологии восприятия”. Как и французский философ, который утверждал, что наш опыт мира в своей основе является воплощённым и субъективным, Хьюз создаёт пейзажи, которые не стремятся изображать объективную реальность, а скорее фиксируют саму суть нашего перцептивного опыта. Её картины не показывают нам, как мир выглядит для отстранённого наблюдателя, а как он переживается изнутри, в интимности нашего сознания.
Манера, в которой Хьюз подходит к цвету, особенно показательна для этого феноменологического подхода. В “What Nerve” (2024) она использует яркие синие точки, украшающие ветви дерева, как множество глаз, наблюдающих за нами. Эти цветовые акценты не просто декоративны, они превращают дерево в сознательное присутствие, которое смотрит на нас так же, как и мы смотрим на него. Эта взаимность взгляда, центральная в мышлении Мерло-Понти, здесь становится структурирующим элементом композиции.
Художница работает без предварительных набросков, позволяя живописи вести её в процессе, напоминающем описание Мерло-Понти восприятия как постоянного диалога между воспринимающим субъектом и воспринимаемым миром. Каждый мазок кисти, каждое цветовое решение рождаются в прямом взаимодействии с живописным материалом, создавая формы, которые кажутся возникающими спонтанно на холсте, как мысли появляются в нашем сознании.
В “Obstacles” (2019) Хьюз идёт ещё дальше в своих исследованиях. Тени деревьев становятся почти осязаемыми присутствиями, которые вступают в диалог с окружающей растительностью, создавая сложную игру между видимым и невидимым, между тем, что воспринимается напрямую, и тем, что предполагается. Это произведение прекрасно иллюстрирует то, что Мерло-Понти называл “плотью мира”, эту общую текстуру, которая связывает воспринимающего и воспринимаемое в единую чувствительную ткань.
Техника Хьюз так же сложна, как и глубокое её видение. Она использует разнообразные материалы, смешивая масла, акрилы и аэрозольные краски прямо на холсте. Этот мультимедийный подход создаёт текстуры и эффекты, обогащающие визуальную сложность её произведений. Потёки, брызги и спонтанные штрихи, не просто стилистические приёмы, они участвуют в создании живописного пространства, отражающего динамичную и плавную природу нашего перцептивного опыта.
В “Hot Coals” (2024) центральное солнце, которое, кажется, обжигает окружающую растительность, создает ощутимое напряжение между теплом и разрушением, между жизненной силой и угрозой. Эта двойственность не просто тематическая, она заложена в самой структуре живописи, где толстые мазки контрастируют с более жидкими зонами, создавая поверхность, которая приглашает не только взгляд, но и прикосновение.
Недавняя эволюция её творчества в сторону более вертикальных форматов особенно интересна. Эта нетрадиционная ориентация для классических пейзажей, не просто формальный выбор, а способ изменить наше привычное восприятие пейзажа. Отдавая предпочтение вертикальности, Хьюз заставляет нас отказаться от позиции отстраненного наблюдателя и вступить в более прямое и живое отношение с произведением.
Обращение с цветами в её последних работах раскрывает новое измерение её исследований. В “My Natural Nyctinasty” (2021) монументальный цветок закрывает свои лепестки в жесте, который одновременно напоминает защиту и заключение в тюрьму. Этот мощный образ напоминает нам, что наше восприятие природного мира всегда окрашено нашими собственными эмоциональными состояниями и психологическими проекциями.
Её цветовая палитра, которая на первый взгляд может показаться интуитивной, раскрывает сложное понимание феноменологии цвета. Создаваемые ею сочетания не произвольны, они служат для вызова определенных перцептивных переживаний. Глубокий фиолетовый может указывать на пространственную глубину и при этом вызывать эмоциональное состояние, тогда как электрический желтый создает ощущение немедленной близости.
В “Burn Out” (2024) Хьюз исследует пределы нашего восприятия тепла через цвет. Почти на трех метрах в ширину она создает симфонию красных и оранжевых оттенков, которая не просто изображает тепло, а заставляет нас ощущать его почти физически. Эта способность превращать тепловое ощущение в визуальный опыт прекрасно иллюстрирует природную синестезию нашего восприятия, которую Мерло-Понти считал фундаментальной.
Подход Хьюз к перспективе особенно ярко отражает её понимание пространственного восприятия. В её пейзажах часто присутствует несколько одновременных точек зрения, создавая невозможные пространства, которые бросают вызов нашему рациональному пониманию. Это многократное отображение перспективы, не просто формальная игра, а исследование фундаментально неоднозначной природы нашего пространственного опыта.
В “Swelling” (2024) она создает монументальную волну, которая, кажется, развивается в нескольких измерениях одновременно. Это произведение не просто изображает волну, оно передает живой опыт столкновения с мощной природной силой. Композиция заставляет нас физически чувствовать головокружение и нестабильность, показывая, как восприятие пространства неразрывно связано с телесным опытом.
Также заслуживает внимания значение пустоты в её композициях. Отрицательные пространства в её работах никогда не бывают по-настоящему пустыми, а вибрируют потенциальной энергией. В “Trust and Love” (2024) пространство между переплетёнными деревьями становится активным присутствием, которое структурирует всю композицию. Такой подход к пустоте напоминает мерло-понтийское понимание невидимого как неотъемлемой части видимого.
То, как Хьюз обращается с границами и рамками в своих произведениях, особенно значимо. Часто она создает нарисованные рамки, которые обрамляют основную сцену, создавая mise en abyme, которая приглашает нас ставить под вопрос саму природу восприятия и представления. Эти рамки функционируют как пороги восприятия, переходные пункты между разными уровнями реальности.
Её творческий процесс, который начинается без заранее определённого плана и развивается органично, отражает саму суть нашего восприятия мира. Каждое полотно становится путешествием открытий, исследованием бесконечных возможностей восприятия, возникающих постепенно через акт живописи.
В “I’m a Fan” (2024) она играет с нашим восприятием движения через изображение пальм, качающихся на ветру. Листья, которые, казалось бы, колышутся перед нашими глазами, не просто показаны в движении, они создают кинестетическое ощущение, вовлекающее всё наше тело. Эта способность преобразовывать визуальный опыт в телесное ощущение лежит в основе её практики.
Пейзажи Хьюз, это не просто места для созерцания, а пространства активного опыта, где зритель приглашён задействовать всё своё чувствительное существо. В “Float Along” (2024) рамки, обрамляющие композицию, создают эффект портала, который буквально приглашает нас войти в пространство картины. Это приглашение в перцептивное путешествие характерно для её подхода, который никогда не ограничивается простой репрезентацией.
Её недавняя серия “Tree Farm” (2024) ещё глубже погружается в исследование воплощённого восприятия. Деревья, которые она пишет,, это не просто естественные объекты, а живые присутствия, которые, кажется, дышат на холсте. В “Wits End” (2024) плакучая ива с извитой кроной становится метафорой нашего собственного чувствительного тела, её ветви напоминают нашу нервную систему.
Последние этапы её творчества включают также исследование керамики, где она переносит своё уникальное видение в третье измерение. Эти скульптуры, хоть и новые в её практике, естественно продолжают её исследования воплощённого восприятия, предлагая зрителю ещё более непосредственный физический опыт её органических форм.
Шара Хьюз сумела создать уникальный визуальный язык, который превосходит традиционные границы пейзажа, исследуя основы нашего перцептивного опыта. Её произведения не просто представляют мир, они приглашают нас воспринимать его заново, с новизной и интенсивностью, которые трансформируют наше понимание того, чем может быть живопись сегодня. Её работа напоминает нам, что истинное художественное новаторство заключается не в поверхностной новизне, а в способности обновить наш взгляд на мир и на самих себя.
