Слушайте меня внимательно, кучка снобов, современное искусство только что нашло свой самый уникальный голос в лице Allison Katz. Эта художница из Монреаля, проживающая в Лондоне с тех пор, как училась в Колумбийском университете, сегодня разрушает правила живописи с провокационным умом, делая каждое полотно территорией исследования, где встречаются интимное и универсальное, обыденное и возвышенное.
Перед лицом современной живописной продукции, часто плененной реакционным сентиментализмом или невротическим перфекционизмом, Allison Katz предлагает радикальную альтернативу. Ее работа действует как необходимое пробуждение, спасительный шлепок, нанесенный художественной среде, слишком уверенной в своих убеждениях. Выставка “Artery” в Camden Art Centre в 2022 году была своего рода манифестом: тридцать произведений, превращавших пространство галереи в лабораторию значений, где каждая картина вступала в диалог с другими по поэтической логике, выходящей за рамки традиционных категорий.
Подпись как подвижная территория
Подход Katz напрямую ставит под вопрос саму концепцию “стиля-подписи”, которая до сих пор преследует рынок современного искусства. Там, где другие художники культивируют успокаивающую стилистическую целостность, она практикует форму контролируемой шизофрении, переходя от гиперреалистического тромплейля до самых карикатурных композиций. Эта изменчивость не случайна: она задает вопрос о механизмах самого художественного признания, о той экономике узнаваемости, которая слишком часто сводит искусство к брендингу.
В Akgraph (Tobias + Angel) (2021) буквы M, A, S и K составляют каллиграфическое лицо над призрачным изображением Tobie et l’Ange Верроккьо. Мс. Allison Sarah Katz буквально становится MASK, раскрывая, что художественная идентичность построена как на маске, так и на откровении. Это произведение идеально синтезирует подход художницы: автобиография смешивается с историческим искусством, подпись становится мотивом, интимное универсализируется.
Игра с собственным именем проходит красной нитью через все ее творчество, как навязчивая идея. AK становится AKA (“псевдоним”), Allison превращается в “All Is On”, раскрывая эту первичную увлеченность актом называния, которую признает художница. Эта практика анаграмм и каламбуров не случайна: она проявляет глубокое понимание лингвистических механизмов, управляющих нашим отношением к миру.
Периодическое использование рисовых зерен, приклеенных к живописной поверхности, является еще одной, парадоксальной, подписью. Эти текстурные элементы разрушают автономность иллюзионистской картины, постоянно напоминая о материальности живописного объекта. В The Other Side (2021) эти зерна посыпают изображение желтого петуха в движении, создавая эффект посыпки, который напоминает одновременно корм для птиц и блестки кабаретного шоу.
Литература и нарративные стратегии
Влияние Вирджинии Вулф глубоко пронизывает практику Катц, которая регулярно цитирует это вульфовское определение поэзии: “голос, отвечающий голосу” [1]. Эта диалогическая концепция художественного творчества структурирует весь её подход. Как и модернистская писательница, Катц отвергает чистоту монолога и воспринимает каждое произведение как вовлечённый разговор с историей искусства, поп-культурой и собственной биографией.
Это литературное измерение проявляется в её манере “рисовать, как она пишет”, по её собственным словам, строя вокруг визуальных цитат. Её картины функционируют как романы по фрагментам, где каждый повторяющийся мотив, петухи, капусты, рты и лифты, развивает личный словарь, обогащающийся от полотна к полотну. Эта семантическая аккумуляция напоминает повествовательные техники Геритруд Стайн или Джеймса Джойса, где повторение постепенно создаёт смысл.
Выставка “Artery” прекрасно иллюстрировала этот литературный подход к пространству. Пять картин с изображениями ртов, представленные в форме ёлочки на специальных стендах, превращали галерею в сложное повествовательное устройство. Каждая “эпиглоттальная перспектива”, по выразительному выражению Брайана Диллона, обрамляла разрозненные сцены: декоративного петуха, кота с цифровыми отблесками и саму художницу в рекламе Miu Miu, создавая эффект фрагментарного повествования, где смысл возникал из промежутков.
Этот повествовательный приём достигает апогея в систематическом использовании самоуничижения и анти-гумора. The Cockfather (2021) представляет собой яйцедержатель в форме петуха, гордо стоящего в тёмной пещере, концентрируя в одном образе абсурдность мужского художественного эго. Название, отсылающее как к хипстерским ресторанам, так и к Фрэнсису Форду Копполе, демонстрирует способность превращать тривиальное в эпическое, характерную черту самой изобретательной современной литературы.
Серия Cabbage (and Philip) (2013-2020) также иллюстрирует это литературное измерение. Каждая капуста, написанная с маниакальной тщательностью, соседствует с силуэтом Филипа, спутника художницы. Эти “натюрморты-портреты” переосмысливают традиционные жанры живописи, создавая при этом личную мифологию, где интимное становится универсальным. Анекдотическое превращается в архетипическое, раскрывая “невозможность быть достойным живописи”, которую утверждает Катц и которая парадоксально является источником её выразительной силы.
Влияние Кларис Лиспектор, другой литературной ссылки художницы, проявляется в этом загадочном подходе к повседневности. Цитата бразильской писательницы, которую особенно ценит Катц: “Я не расшифровала её. Но она тоже не расшифровала меня”, могла бы служить эпиграфом всему её творчеству. Как сфинкс Лиспектор, картины Катц сопротивляются однозначной интерпретации, постоянно приглашая к поиску смысла.
Временное измерение, первостепенное у Вулф, получает у Катц оригинальное художественное выражение. Её “беглые пигменты”, отсылка к экспериментам Джошуа Рейнолдса с нестабильными красками, ставят под вопрос постоянство искусства. Эта увлечённость контролируемой деградацией раскрывает понимание времени в живописи, выходящее за пределы простой репрезентации и касающееся самой онтологии образа.
Психоанализ и субъективное конструирование
Работы Katz поразительно резонируют с теориями Лакана о зеркальной стадии и субъективном построении. Ее многочисленные автопортреты, никогда не фронтальные, всегда косые, демонстрируют интуитивное понимание механизмов идентификации, описанных Жаком Лаканом. Эго, по мнению французского психоаналитика, формируется через идентификацию с внешним образом, фундаментально отчуждающий процесс, который тем не менее структурирует доступ к субъективности [2].
Это конститутивное отчуждение получает у Katz особенно выразительное пластическое воплощение в ее “ротовых” картинах. Эти внутренние перспективы, вдохновленные Андре Дереном, превращают орган речи в рамку зрения. В M.A.S.K. (2021) художница изображает себя изнутри собственного рта, создавая устройство, в котором смотрящий субъект и смотримый субъект сливаются в головокружительном зеркальном отражении. Эта радикальная инверсия традиционной перспективы напрямую отсылает к анализам Лакана о формировании Я через взгляд Другого.
Повторяющийся мотив лифта в её творчестве особенно интересен в этой психоаналитической перспективе. Elevator III (Camden Art Centre) (2021), этот поразительный обман зрения, открывающий выставку “Artery”, функционирует как идеальная метафора идентификационного процесса. Совершенная иллюзия приглашает зрителя проникнуть в пространство, существующее лишь в представлении, имитируя тем самым первичный опыт зеркальной стадии, когда ребёнок идентифицирует себя с образом, который он принимает за реальность своего существа.
Эта психоаналитическая составляющая также проявляется в трактовке фрагментации тела, центральной темы у Лакана. Керамические скульптуры носов, эти “Nose/Ass”, которые объединяют в одном объекте органы дыхания и выделения, напрямую отсылают к “фрагментированному телу”, описанному психоанализом. Эти произведения материализуют страх фрагментации, предшествующий воображаемому объединению Я, раскрывая инстинктивные основания любой идентификационной конструкции.
Отношение к Другому, ключевое понятие теории Лакана, также структурирует кураторский подход Katz. Ее выставка “In the House of the Trembling Eye” в Aspen Art Museum в 2024 году прекрасно иллюстрировала этот аспект. Смешивая свои собственные работы с фрагментами фресок из Помпей и предметами из местных частных коллекций, она создавала временной диалог, который показывал, как современный субъект формируется через идентификацию с образами, пришедшими из других мест и времен.
Этот кураторский подход логично продолжает её живописную практику. Так же, как она “рисует цитируя”, она организует экспозиции, создавая созвездия смыслов, которые выходят за рамки простой соседности. Организация пространства по плану римской домус раскрывала тонкое понимание механизмов проекций и идентификаций, управляющих нашим отношением к образам. Каждая комната, атриум, триклиний и таблинума функционировали как театр субъективности, где произведения вступали в диалог согласно бессознательной логике.
Повторяющееся использование подписи как визуального элемента, смещённого с традиционного места в центр изображения, воплощает эту проблему идентификации. В нескольких работах буквы её имени буквально составляют лицо, показывая, что идентичность возникает как из символической записи, так и из зеркального признания. Эта практика напрямую соотносится с анализами Лакана о символическом отчуждении, предшествующем любой субъективной конституции.
К поэтике неопределенности
Оригинальность Кац заключается в её способности сохранять загадку, создавая при этом смысл. Её произведения сопротивляются однозначной интерпретации, не переходя при этом в неоправданный герметизм. Это продуктивное напряжение напоминает лучшие достижения концептуального искусства, но обогащено живописной чувственностью, которая часто отсутствует в чисто интеллектуальных практиках.
Её обращение с историческим искусством прекрасно иллюстрирует этот подход. Вместо прямых цитат она действует посредством аллюзий, наложений и тонких переосмыслений. Posterchild (2021), эта переинтерпретация афиши лондонского метро 1930-х годов, сочетает личные и культурные отсылки по ассоциативной логике, навевающей воспоминания Фрейда и Варбурга. Оригинальная афиша, восхваляющая прелести Хампстеда, превращается в носитель личной мифологии, где сталкиваются детство в Монреале, современный Лондон и итальянское искусство Кватроченто.
Эта поэтика неопределённости находит своё наилучшее выражение в серии с изображениями ртов. Невозможные кадры, превращающие орган речи в окно в мир, создают постоянное перцептивное замешательство. Мы смотрим через рот, говорим глазами, чувства смешиваются в контролируемой синестезии, которая раскрывает сложность наших сенсорных отношений с реальностью.
Использование “улетучивающихся” материалов, этих нестабильных пигментов, которые меняются со временем, участвует в эстетике неопределённости. Как цвета Рейнольдса, которые в конце концов белеют, произведения Кац включают в себя своё собственное становление, отвергая успокаивающую фиксированность традиционного искусства. Эта открытая темпоральность превращает каждую картину в процесс, а не в готовый объект.
Повторяемость некоторых мотивов, петухи, капуста, носы и лифты, создаёт личный словарь, который постоянно развивается. Каждое повторное появление обогащает мотив новыми значениями, создавая постоянно расширяющуюся семиотическую систему. Петух из The Other Side ведёт диалог с петухом из The Cockfather, капусты Филипа общаются с капустами с предыдущих выставок, создавая сеть соответствий, которая структурирует всё творчество.
Этот подход демонстрирует глубокое понимание механизмов культурной памяти. Как архетипические символы Юнга, мотивы Кац накапливают слои смысла, сохраняя способность к немедленному вызову ассоциаций. Эта личная символическая экономика ведёт диалог с большими иконографическими системами западного искусства, не сводясь к ним.
Юмор, вездесущий, действует как растворитель уверенности. Эти визуальные каламбуры, иконографические переосмысления, культурные подмигивания создают критическую дистанцию, которая препятствует сакрализации. Искусство Кац серьёзно, но не серьёзничает, глубоко, но без тяжести, сложно, но без усложнений.
Экспозиция как полное произведение
Архитектурное и сценографическое измерение работы Кац также интересно. Её выставки не ограничиваются демонстрацией произведений: они создают значимые среды, где само пространство становится носителем смысла. Этот подход раскрывает расширенное понимание живописи, выходящее за традиционные рамки полотна, охватывая весь эстетический опыт.
Монтаж “Artery” прекрасно иллюстрировал это измерение. Самонесущие стены второго зала, построенные ровно по ширине полотен, превращали пространство в оптический лабиринт, где зритель поочерёдно открывал для себя картины с изображениями ртов и капусты Филипа. Эта пространственная хореография обнаруживала неожиданные соответствия между произведениями, создавая метаречь о взаимоотношениях между видимым и скрытым, лицевой и обратной стороной, публичным и приватным.
Этот сценографический замысел достигает апогея в произведении “In the House of the Trembling Eye”. Перенося структуру помпейской домус в современное музейное пространство, Кац создавала головокружительное временное устройство, где античность и современность вступали в диалог. Эта археология настоящего обнаруживала постоянство некоторых символических структур сквозь тысячелетия, ставя под вопрос наши предпосылки относительно художественной современности.
Повторное использование плакатов как элементов выставки отражает сложные размышления о временных рамках искусства. Эти объявления, созданные для каждой выставки, функционируют как самостоятельные произведения, которые продлевают опыт за пределами официальной продолжительности. Экспонируемые в пространстве галереи, а затем сохраняемые как коллекционные объекты, они ставят под вопрос границы между искусством и коммуникацией, между произведением и документацией.
Практика создания плакатов также отражает острую осознанность механизмов художественного продвижения. Создавая собственные коммуникационные материалы, Кац берет под контроль аспект, часто игнорируемый художниками. Эти плакаты, декодирующие её визуальный язык в соответствии с кодами графического дизайна, раскрывают взаимосвязи между искусством и культурной индустрией.
Критическая современность
В современном художественном контексте, отмеченном проблематичным возвратом к традиционной фигурации и растущей коммерческой стандартизацией, работа Кац предлагает альтернативный путь. Её отказ от живописных упрощений и бессмысленных провокаций демонстрирует редкую художественную зрелость. Она доказывает, что можно быть доступной без потворства, сложной без закрытости, современной без оппортунизма.
Эта критическая позиция особенно проявляется в её отношении к арт-индустрии. Её участие в рекламной кампании Miu Miu, которую она затем трансформирует в живописный материал в M.A.S.K., демонстрирует способность играть с кодами шоу, сохраняя при этом критическую дистанцию. Эта стратегия внедрения, заключающаяся в принятии игры для её переосмысления, напоминает лучшие достижения критического искусства 1960-х годов.
Её международный успех, участие в Венецианской биеннале 2022 года, выставки в самых престижных институтах и представительство международными галереями не отвлекли её от основных вопросов. Это сопротивление соблазнам рынка свидетельствует о художественной целостности, вызывающей восхищение в среде, часто коррумпированной коммерческой логикой.
Недавняя эволюция её творчества, отмеченная усложнением выставочных механизмов и расширением концептуальной палитры, демонстрирует художницу на пике её зрелости. Эллисон Кац достигла редкой зоны, где техническая виртуозность и концептуальная глубина взаимно питаются, создавая по-настоящему личный художественный язык.
Её способность постоянно обновлять подход, сохраняя глубокую внутреннюю согласованность, отражает исключительное понимание современных проблем живописи. В мире, насыщенном образами, она умеет создавать визуальные объекты, которые останавливают взгляд и стимулируют размышления. Эта способность останавливать, приостанавливать текущий визуальный поток, возможно, её наибольшее достижение.
Интеллект Кац проявляется в умении превращать ограничения в творческие возможности. Границы живописного медиума становятся поводом для изобретения, коды традиционной выставки переосмысливаются для создания новых впечатлений, культурные отсылки перерабатываются для порождения нового смысла. Эта преобразующая алхимия отражает темперамент подлинной художницы, способной постоянно обновлять свой подход, не теряя нить повествования.
Артерия и сердце
Перед работами Эллисон Кац мы осознаём дистанцию, отделяющую истинное искусство от его многочисленных современных подражаний. Там, где другие довольствуются иллюстрированием своих намерений, она изобретает язык. Там, где другие повторяют проверенные формулы, она рискует неизведанным. Там, где другие стремятся соблазнить, она выбирает задавать вопросы.
Название “Artery” сегодня звучит как идеальная метафора её художественного подхода. Артерия орошает, питает, поддерживает жизнь. Она соединяет сердце с конечностями, обеспечивает жизненно важное кровообращение, позволяет обмен и обновление. Эту циркуляционную функцию Кац полностью принимает в современном художественном ландшафте. Её произведения обеспечивают циркуляцию смысла между прошлым и настоящим, личным и универсальным, банальным и sublime.
Эта способность к циркуляции отражает глубоко щедрое понимание искусства. Отказываясь как от надменного элитизма, так и от популистской демагогии, Эллисон Кац создаёт произведения, которые одновременно говорят как с просвещённым любителем, так и с любопытным новичком. Эта доступность никогда не дана просто так: она является результатом технического и концептуального мастерства, которое позволяет обращаться с самыми сложными темами с кажущейся простотой.
Её влияние на молодое поколение художниц уже начинает ощущаться. Этот гибридный подход, сочетающий живописную виртуозность и концептуальную изысканность, автобиографию и теоретическое размышление, юмор и глубину, открывает новые пути для современного живописного искусства, слишком часто запертого в редукционистских альтернативах. Она доказывает, что возможно одновременно быть укоренённой в традиции и решительно современной, личной и универсальной, доступной и требовательной.
Произведения Кац также раскрывают решающую важность интеллекта в современном художественном творчестве. В условиях художественного рынка, часто доминируемого модными эффектами и маркетинговыми стратегиями, она напоминает, что истинное искусство рождается как из мысли, так и из чувствительности. Этот интеллектуальный аспект, далеко не иссушающий эмоции, их питает и обогащает, создавая произведения, устойчивые к времени и визуальной насыщенности.
В мире, где образы множатся, не создавая смысла, где коммуникация слишком часто заменяет общение, где мгновенность стирает продолжительность, искусство Эллисон Кац напоминает нам о добродетелях медлительности, размышления, постепенного углубления. Её картины требуют времени, времени взглянуть, времени понять и времени позволить действовать их тонким чарам. Эта специфика временности, не сводимая к современной мгновенности, возможно, является её самым ценным вкладом.
Канадская художница предлагает нам в конечном счёте гораздо больше, чем собрание замечательных произведений: она предлагает урок творческой свободы. Её способность постоянно изобретать новые пластические решения, постоянно обновлять свой формальный словарь, удивлять, сохраняя при этом глубокую согласованность, раскрывает бесконечные возможности, ещё доступные современному живописному искусству. В контексте, часто отмечаемом пессимизмом и повторением, эта творческая энергия является драгоценным стимулом.
Потому что речь идёт именно об энергии. Энергии тех, кто отвергает проторённые пути, энергии тех, кто превращает ограничения в свободу, энергии тех, кто продолжает верить в специфические возможности живописи в мире, насыщенном цифровыми изображениями. Эту энергию Эллисон Кац щедро передаёт тем, кто умеет её принять, создавая вокруг своей работы сообщество свободных духов, истинную аудиторию современного искусства.
Работы Эллисон Катц напоминают нам, что искусство на своём высшем уровне остаётся той самой “секретной сделкой”, о которой говорила Вирджиния Вулф, тем “голосом, что отвечает голосу”, проходящим сквозь века и объединяющим сознания. В современном визуальном шуме она умудряется донести этот уникальный голос, который трансформирует каждого, кто умеет его слушать. Эта способность к трансформации, как индивидуальная, так и коллективная, возможно, является самым прекрасным обещанием её искусства: мир, где разум и чувствительность, традиция и инновация, личное и универсальное могут наконец гармонично диалогировать.
- Вирджиния Вулф, Орландо, 1928 год. Эта цитата, которую часто использует Катц, взята из места: “Was not writing poetry a secret transaction, a voice answering a voice?”
- Жак Лакан, “Стадия зеркала как формирующая функция Я”, Écrits, Seuil, 1966 год.
