请认真听我说，你们这群自命不凡的人。如果你认为你已见过当代艺术的所有风景，那是因为你从未接触过俞国元那些令人愉悦又扰乱感官的创作。这位1976年出生、曾在日本接受训练的韩国艺术家，构建了一个独特的世界，在那里童话的奇妙与现实的粗糙碰撞，展现出一种图像破坏的狂喜，这甚至会让格林兄弟脸红。
在他那些几乎具有雕塑感的人物画廊中，俞国元邀请我们进行一场童年神话的嘉年华式去神圣化。不要认为这只是简单的怀旧游戏，我们远远超越了造型练习。这位韩国艺术家的创造，更像是一场集体的视觉精神分析，一次深入我们共同文化无意识的探究，揭示深藏的焦虑。
因为童话虽然看似无害，包装华丽，俞国元提醒我们它们本质上是启蒙的故事，死亡、转变与失落在每一页徘徊。他的作品《再见彼得》(2022年)中写着一句揭示性的句子：”除一个外所有孩子都会长大。”这句对《彼得·潘》原始开头的改变，在他的画笔下成为一个无情的生存事实：无人能逃脱衰老，永恒的男孩也不例外。荣格的精神分析会将俞国元对扭曲童话的痴迷视为个体化过程[1]的体现，这一过程是与我们阴影面必要的对抗，以达成心理成熟。
他涂抹、去除、叠加的厚厚画层，创造出独特的物质感，增强了内心建构中的心灵印象，一个通过连续层叠逐步形成的自我。他作品的质地本身成为荣格所概念化的个人无意识的隐喻：经验、记忆、冲动的集合，这些积累却从未完全消失。
在《死亡阴影谷》(2024年)中，俞国元大胆地将千年圣经诗篇与《星球大战》的意象结合，描绘了卢克·天行者与达斯·维达在一座桥上的微小对决，背景是受日本浮世绘启发的风景。这种时间与文化的碰撞并非偶然，精准表现了现代伟大神话延续了始终组织我们世界观的原型结构。荣格会在这并置中认出他无意识集体概念的视觉表达，这个形象储存库超越了时代与文化。
在他作品中反复出现的蓝脸女性形象尤其引人注目。评论家们认为她是艺术家的阿尼玛，荣格理论中每个男人必须整合以达到心理平衡的女性部分。这个美丽且模糊的形象时而体现至高无上的自信，时而展现沉思的脆弱，反映了艺术家内心的波动。他的展览《嘉年华》(2022年)中，这一人物既作为炽热的主角出现，也作为普通的旁观者呈现，形象地展现了艺术家在阿波罗式视野与酒神式释放之间的内心冲突。
精神分析方法也使我们能够理解Woo对狂欢节图案的迷恋, , 这是一个暂时颠覆既定价值观的时期。在”Carnival”中，他借用洪水神话，探讨象征性死亡与再生如何在同一循环运动中交织。这一观点与荣格关于心理由不断发展演变的动态系统构成的理念相契合，其中破坏与创造密不可分。
超越精神分析的视角，Wookwon Woo的作品植根于艺术史中对奠基叙事解构已成为一种惯常手法的历史。自然让人联想到波普艺术的遗产，Woo重新激活了其中的一些机制，同时予以扭曲。正如沃霍尔机械地重复流行文化的图标以突显其空洞，Woo赋予它们存在的厚度，将引用的游戏转化为真正的形而上学追求。
他的绘画处理方式，通过厚重的颜料堆积，使画作具有几乎雕塑般的质感，也让人联想到美国抽象表现主义的某些探索，尤其是威廉·德库宁的晚期作品。但与德库宁趋向于越来越纯粹的抽象不同，Woo保持着具象的立足点，使他的材料实验拥有持续的叙事维度。
他的绘画风格演变尤其引人注目。他的早期作品呈现刮刻画，反映出身份探索的混沌状态。逐渐地，他的视觉语言趋于稳定，轮廓更为明确，形式更为结构化，同时保持了那种极具特色的丰富材质。这一艺术轨迹映照出内在历程，是心理成熟的体现，赋予其整体作品一种其同代艺术家中罕见的有机连贯性。
艺术史告诉我们，文化转型时期往往涌现出能够在创新视觉语言中综合其时代矛盾的艺术家。Wookwon Woo属于这一脉络。他的作品调和了西方先锋派的遗产与东亚情感，现代流行文化与古老神话叙事，幽默与存在的严肃性。这种融合看似不可调和的对立面的能力使他成为我们碎片化时代的重要见证者[2]。
在”Once Upon Her Time”（2023）中，Woo专注于取材于诸如《绿野仙踪》、《花木兰》、《彼得·潘》、《奥德赛》和《皮格马利翁》等文学杰作的女性角色。这种对重要女性形象的选择性借用传承了艺术史中文学经典再诠释的传统，同时带来了当代视角，质疑这些叙事核心中的性别建构。艺术史显示，这种对主流叙事的批判性再检视往往与深刻社会变革时期相吻合[3]。
他2024年的系列作品”My Universe”更进一步发掘了这个词的双重含义，这个词既指宇宙，也指他的女儿的名字（Wooju在韩语中意为”宇宙”）。此次展览融合了长期探讨的主题，如”对人类内心的探索”、”对生命的思考”以及”代际关系”。Woo尤其向他的父亲Woo Jaekyung致敬，强调了两代人之间的差异、理解与同理心。这件作品作为对下一代的沉思邀请，反映了艺术家探索自己内心宇宙的努力。这种代际对话使他的作品植根于超越当代个人主义的历史连续性。
从历史上看，对大叙事的质疑时期总是艺术的丰厚养分。从文艺复兴质疑中世纪遗产，到20世纪先锋派解构资产阶级的确信，艺术史正是在这些批判性重新审视的时刻推进的。Woo融入了这一动态，但具有显著的独特性：他并不像后现代者那样宣告大叙事的终结，而是试图重新编织不同叙事传统之间的联系，以在碎片化时代恢复一种存在的意义。
Woo在多个展览中探讨的狂欢节仪式性维度也是这一追求的一部分。从历史上看，狂欢节一直发挥着社会减压的作用，允许对既定等级结构的暂时颠覆。通过在当代语境中重新激活这一功能，Woo提醒我们，即使在世俗化社会中，艺术依然拥有重塑我们世界观的能力。正如策展人Park Soojeun在其展览”Carnival”中所写：”艺术继续作为恢复存在意义和质疑存在本质的最后手段而存在” [4]。
我喜欢Kukwon Woo的是他能够在讽刺与真诚、游戏性的解构与真实的灵性追求之间保持一种不稳定的平衡。当许多当代艺术家局限于无效的愤世嫉俗或天真的神秘主义时，他能将这些矛盾的姿态融合于一件作品中，使其显得更加生动和必要。
他的画作如同镜子，映照出我们时代的潜意识，邀请每位观众潜入其内心深处。这种镜像特性或许解释了他作品在韩国及国际上的日益受欢迎。在一个充斥着肤浅图像的世界里，他的作品提供了一种罕见的深度体验，邀请人们放慢脚步，沉思我们人类境遇的奥秘。
观察Kukwon Woo的艺术发展，评论家不得不被他行为的有机连贯性所震撼。从他早期的展览到最新项目，可以看到一种不仅是风格上的进步，更是存在层面的成长。他的艺术与他共成长，反映他的连续思考，从最初探索尚不稳定的自我，到后来的更为平静的代际传承冥想。
我们几乎可以将他的轨迹视为一种艺术生命的范式：非机械重复商业成功的公式，而是不断演变的视觉语言，服务于真实的内在追求。在当代艺术市场常被壮观和瞬时性主导的情况下，Woo提醒我们珍视长时间的积淀和个人视野的耐心成熟。
当我们凝视他最近的作品时，我们被邀请进行双重运动：深入我们自己的心理深处，同时将这一亲密的体验纳入更广阔的文化历史流中。或许这正是禹国元的真正力量所在：提醒我们最个人化的艺术也是触及普遍的艺术，我们的个人神话与塑造我们共同人性的宏大集体叙事相交汇。
在一个艺术世界中，往往容易被简单效果或激进姿态所诱惑，而禹国元探索的中间道路, , 介于传统与创新之间，东方与西方之间，幽默与庄重之间，可能是最大胆的道路。他的轨迹提醒我们，艺术的真实性不是以壮观的断裂为衡量标准，而是以一种独特的视角随时间深化的坚持为标志。
在许多艺术家似乎被社交网络所规定的即时性义务束缚之时，禹国元为我们呈现了一件在时间中展开、呼吸、生命力充盈的作品。这不正是我们最终对艺术的期望吗？不是一时的娱乐，而是在我们自身旅程中的陪伴，提供镜像以识别我们的焦虑与希望，我们的象征性死亡和重生。
- Jung, Gustav Jung. 人与其符号. 罗伯特·拉丰，巴黎，1964年。
- Kim, Youngna. 韩国现代与当代艺术. Hollym International Corp，伊丽莎白，新泽西，2005年。
- 戴卓群。策展文字《禹国元：行走于梦境》，展览从前的她的时光，当代唐人艺术， 北京，2023年。
- 朴受珍。禹国元展览狂欢节文字， 当代唐人艺术，香港，2022年。
