请认真听我说，你们这群自命不凡的人。我将告诉你们奥斯丁·韦纳，1989年生于迈阿密，这位艺术家用她色彩爆炸和炽烈的笔触震撼你们画廊洁白的墙壁。终于有了一个像生命般绘画，仿佛每一笔都是对平庸世界的抗争的人。
第一个令我震撼的主题是：她对绘画的身体性、近乎舞蹈的处理方式。韦纳不只是绘画，她与画布共舞。她的大幅画布不是审美选择，而是生命的必需。她怎能将她那爆发的能量局限在明信片大小？她那幅宽自由的动作，令人联想到抽象表现主义行动画派的波洛克的表演，但有着显著不同：波洛克试图通过笔触淡化自我，而韦纳则彰显自我，宣示身体作为主要创作工具。此方法呼应了莫里斯·梅洛-庞蒂关于知觉现象学的理论，认为身体不仅是工具，更是我们与世界关系的媒介。在洛杉矶的工作室里，她有时连续工作11小时，将绘画变为真正的身体表演。这不禁让人想起西蒙娜·德·波伏娃关于身体作为情境、作为理解并投射世界手段的思考。
她的巨幅画布不仅是简单的覆盖面，而是争夺的场域，每平方厘米都被争夺、协商和征服。她用油棒如剑，刷子如指挥棒。她的作品完美体现了尼采所称的”伟大健康”，即把痛苦转化为创造力量的能力。
她作品中展现出的第二个主题，是她与美籍犹太遗产及战后艺术史的那种内心深刻的关系。Weiner不仅仅是绘画，她还在与Lee Krasner、Joan Mitchell以及所有那些必须付出双倍努力，才能在男性主导的艺术世界中存在的女性们的幽灵对话。她的抽象形态、她标志性的符号并非仅仅是装饰性图案，而是源自她个人历史与文化的一套深刻私人的绘画语法元素。
她的创作呼应了Walter Benjamin关于光环（aura）与艺术作品机械复制的论述。Weiner强调了绘画的物质性，强调了其不可削减的实体存在。她的画作不能被简化为Instagram上的JPEG图像，它们需要观众直接面对，身体上投入。这种对作品实体存在的强调令人想起Roland Barthes关于”punctum”的理论，那是图像中令我们震撼、令我们受伤的细节。
她的构图有时看似混乱，但这种混乱是精心编排的。正如Theodor Adorno所称的”解放的形式”，一种从表面上的无序中涌现出的组织形式。在《Big Sister, Little Brother》中，她玩味家庭动力，在画布上创造出形态相互吸引又排斥的明显张力。这些颜色, , 电光黄、血红、深蓝, , 的选择并非为了和谐，而是为了激发、扰乱感受。
我已经能听见纯粹主义者对她拒绝传统规范、混合高低文化以及以Bruce Springsteen的音乐作为灵感源泉感到愤慨的声音。但这正是她作品的力量所在。她毫不在意你们的分类和精心贴上的标签。她的艺术如同我们的时代一样混合多元，像当代身份一样复杂。
她的创作过程充满了反复的音乐痴迷和对亲近之人的不断呼唤，这揭示出她把创作视为一种持续对话而非孤立行为。她将工作室变成仪式空间，绘画成为一种积极的冥想形式，一种探寻Julia Kristeva所说的”符号学”（le sémiotique）, , 一种超越语言、却能在艺术中表达的前语言体验维度。
在她最近的系列《Blood on Blood》中，她更进一步探讨家庭关系和亲密性的纽带。漂浮在鲜艳羊水中的胚胎状形态不仅是家庭的隐喻，而是试图描绘人际关系中复杂情感空间的图谱。这正是Georges Bataille所说的”内在体验”，一种深入生活体验深处的潜入。
她的画作不讲故事，而是将故事具象化。每一次笔触，每一道绘画的流淌，都代表一个决定，一个真理时刻。她不求取悦，而是想激发反应，创造Susan Sontag所说的”艺术的情欲”而非诠释学。她的作品抵抗简单解读，不愿被某些评论家强加单一含义。
对于那些指责她放纵的表现力的人，我回应说恰恰是当代艺术所需要的：少些无效的概念化，多些对物质的内心投入。当我们的艺术界常被自身的历史意识束缚时，Weiner依然勇敢地相信存在着真实、紧迫且必需的绘画的可能性。
如果你不理解奥斯廷·韦纳的重要性，可能是因为你太习惯于一种不会让人不安、不颠覆、满足于装饰你墙壁的艺术。她的作品是一个有益的提醒，艺术仍然可以是一种变革的力量，一片绝对自由的空间。你们懂的，我非常喜欢这个。
