请认真听我说，你们这群自命不凡的人。是时候谈谈Derek Fordjour（生于1974），这位艺术家将不稳定转化为诗意，将报纸变成黄金。不是什么投机者的黄金，而是炼金术士的黄金，懂得真正价值存在于转化中的人。在他的艺术世界中，每一层材料都成了一层意义，每一处撕裂都是一种启示，每一次表现都是对我们共同处境的沉思。
Fordjour 不仅仅是一个简单的画家，他是脆弱性的建筑师，是不确定性的编舞者。在他位于布朗克斯的工作室里，他指挥着一场视觉交响曲，将纸板变得珍贵，将报纸变为敏感的皮肤。他的技法如巴赫的赋格曲般复杂：他在画布上积累多达十层材料，创造出一种崎岖的地形，挑战传统绘画的平面性。《金融时报》，这本以其标志性的鲑鱼色调著称的报纸，成为他首选的媒介，这并非偶然。这份全球资本主义的圣经被回收、转化、颠覆，成为对价值、表现和不稳定性的反思底物。
让我们看看他的最新展览《SCORE》（2023），在彼岑画廊举办。这个标题本身就是一个多入口的语义乐谱：记分、计数、作曲、挖掘表面。这种多义性与Fordjour多维度的艺术方法产生共鸣。在这个展览中，他创造了一个完整的艺术生态系统，绘画、雕塑、装置与表演相互呼应、相辅相成。
装置作品《Wunderkammer》尤为揭示他的思考。在两个楼层上，它展现了一种微妙但尖锐的制度批评。在上层，豪华的展柜中陈列着精致的雕塑，气氛安静且受控。地下室里，表演者辛勤操纵着驱动上面立体模型的机制。这种空间分割让人联想到马克思主义关于基础设施和上层建筑的理论，但Fordjour将其重新演绎以适应我们这个持续展演的时代。
在《CONfidence MAN》（2023）中，一位衣着得体的黑人男子手持多彩气球。作品在词语”confidence”的歧义上游走：信任与欺诈交织成复杂的舞蹈。人物的笔挺西装呼应着1940年代的”zoot suits”，这类华丽的服饰既是一种风格宣示，也是一种文化抵抗的行为。他手中的气球是向往的象征，还是救生圈？这种二元性令人联想起弗朗茨·法农关于被殖民者所带面具的思考，那些关于日常生存与抵抗的表演。
表演是Fordjour作品的核心，不仅仅作为主题，更是一种存在条件。在《Arena》（2023）中，他创造了一个圆形表演空间，配有压实的泥土地面和木质看台。每天两次，舞者们在编舞Sidra Bell的指导下，执行一套动作乐谱，探索个人脆弱性与集体力量之间的张力。此作品呼应了安托南·阿尔托关于残酷剧场的理论，在那里表演成为变革的仪式。
Hannah Mayree及其黑班卓再生项目的音乐伴随着这些表演，增添了声音维度，将作品植根于文化抵抗的传统中。班卓琴，这一原产非洲、被美国白人文化占用的乐器，在这里找回了其根源，同时创造出坚决当代的东西。正如斯图亚特·霍尔所言，这是文化结合的时刻，过去与现在碰撞，创造出新的意义可能性。
在他的画作中出现的运动员不仅仅是简单的动态人物。在《游泳课》（2023年）中，Fordjour 将学游泳的场景转化为对传承与生存的冥想。水，这一兼具危险和解放的复杂元素，成为变革的媒介。这件作品与 Gaston Bachelard 关于水的物质想象的理论相呼应，同时也提及了隔离制度下美国公共游泳池的复杂历史。
他关于黑人骑师的系列作品在将历史与当代寓言交织的方式上尤其有力。这些作品让人想起19世纪末非裔美国骑师的黄金时代，以及他们随后被美国赛马场系统性排除的历史。在《第二生产要素》（2021年）中，骑师们处于永恒运动中，他们的身影如 Étienne-Jules Marey 的时间摄影作品般叠加。这种节奏性的重复唤起了德勒兹关于差异与重复的概念，其中每一次重复都带来细微但意义深刻的变化。
Fordjour 的创作过程本身就是一种受控的脆弱表演。他叠加的每一层都可能掩盖下面的内容，他所做的每一处切割都可能威胁到表面的完整。这种建设与破坏之间的紧张关系让人联想到日本的金缮艺术，在那里物体的裂缝用金粉强调，而非掩藏。在 Fordjour 的作品中，表面的撕裂和剥落成为揭示、更深层真理的入口。
在《母亲哀痛合唱》（2020年）中，他通过一系列丧子母亲的肖像, , 从 Mamie Till-Mobley 到 Tamika Palmer, , 探讨了集体哀悼的话题。该作品呼应了希腊悲剧中的哭丧女，这些女性的公开哀悼赋予了集体痛苦以声音。但 Fordjour 更进一步：他将这些痛苦的形象转变为抵抗与尊严的象征。
Fordjour 的色彩调色板充满近乎幻觉的强烈感，创造出意想不到的色彩和声，挑战传统的色彩规范。在《音爆》（2023年），他为洛杉矶当代艺术博物馆创作的宏伟壁画中，色彩如视听军乐团般爆发，将博物馆正面转变为对历史黑人大学军乐团传统的庆典。
他的空间处理同样具有创新性。在《庇护所》（2020年），他在圣路易斯当代艺术博物馆的装置中，创造了一个由波纹铁皮和夯实泥土构成的沉浸式环境，雨声通过巧妙的机械系统模拟。这件作品将博物馆的无菌空间转变成了一个受控的不稳定场所，迫使观众与地面的不稳定性进行身体上的互动。
他的作品中体现的教育维度不可忽视。作为耶鲁艺术学院教授及 Cooper Union 以前的 Alex Katz 教席持有者，Fordjour 理解传承的重要性。他最近的项目”孟菲斯当代艺术”旨在为来自弱势社区的年轻艺术家创造机会。该倡议呼应了 Joseph Beuys 关于艺术家社会角色及艺术作为社会变革力量的思考。
Fordjour与木偶的作品，尤其是在《Fly Away》(2020)中，为他对表演和控制的探索增添了另一层维度。与木偶师Nick Lehane合作，他创作了探讨权力和自主动态的表演。这些表演让人联想到Heinrich von Kleist关于木偶剧的理论，其中优雅矛盾地源自于放弃有意识的控制。
他最近在David Kordansky画廊举办的《Magic, Mystery & Legerdemain》(2022)展览，延续了对幻象与权力的思考。受美国黑人魔术师如Black Herman的历史启发，Fordjour将魔术作为社会特权的隐喻：谁有权在公众面前欺骗？谁能让观众暂停怀疑？这些问题与W.E.B. Du Bois对非裔美国人”二重意识”的分析产生共鸣。
在他最新的装置作品中，Fordjour进一步探索现实与幻象的界限。《Score》融合了现场表演，模糊了观众与参与者之间的界线。这种方法让人联想到包豪斯的实验，当时艺术、表演和建筑融合，创造出整体体验。但包豪斯追求现代主义乌托邦，而Fordjour则拥抱我们时代的复杂性和不确定性。
Fordjour的作品邀请我们从根本上重新思考我们对脆弱性的态度。在一个痴迷于力量与控制表象的世界里，他提醒我们，人性恰恰存在于承认并拥抱我们共同脆弱的能力中。正如Édouard Glissant所写，与世界的关系通过接受我们自身的不透明性、阴影区和不确定性而建立。
通过将平凡材料转化为复杂而耀眼的作品，通过编排脆弱为抵抗与庆典的舞蹈，Fordjour创造出既深刻个人又普遍共鸣的艺术。他的作品不是理想世界的窗户，而是映照我们自身形象的镜子，展现所有的裂痕与美丽。他的工作提醒我们，共享的脆弱可以成为我们最大的力量。
