请认真听我说，你们这群自命不凡的人。我将向你们介绍一位颠覆你们对当代绘画固有认识的艺术家。武田哲平，1978年生于山形，绝非你们在社交晚宴上为显得聪明而常引用的典型禅宗极简主义日本艺术家。
十年来，这位天才如同武士僧侣般隐居于工作室，磨练出一种令人目眩神迷的技艺，让人怀疑自己的感知。在这个数字图像泛滥、艺术家自诩Instagram网红的时代，武田选择了极端苦行者的道路, , 痴迷重复与绝对掌控。
他的第一个主题是这种令人幻觉的错觉绘画技巧，让人误以为画面厚重堆砌，实际却完全平坦。这是一场绘画魔术，乔治·巴塔耶如果在世必将欣喜若狂，他曾看到艺术具备创造”不可思议体验”的能力。每一幅画都是一种变态的诱惑：远看是大胆的笔触，是似乎被抽象表现主义者激情抛洒的油彩块面；但走近却全部崩溃。平面的现实狠狠甩了你一巴掌，仿佛武田在说：”你们真的以为这么简单？”
这种伪装的执念不仅仅是技术练习。它呼应了让·博德里亚关于拟像的思考，但把它推到极致。博德里亚谈到超现实时，恐怕没想到艺术家会创造出同时是原创又是自我复制的作品。这是一种视觉悖论，打破了我们惯常的分类。
他作品的第二个特点，是其近乎神秘的重复方式。每件最终作品，武田会画二十至五十遍相同的图像。这不是沃霍尔式的大规模生产，而是一种精神追求，让人联想到禅僧的修行，只不过是迷幻版。瓦尔特·本雅明谈到艺术品在机械复制时代失去光环，而武田却通过痴迷复制，反其道而创造出了光环。
我已经能听到你们中有些人在低声说：”这只是技术上的炫技”。武田所做的远不止于此。他的每一幅无名肖像都是对数字时代身份的冥想。在一个被自拍照和Instagram滤镜轰炸的世界里，他创造出既存在又缺席、具体又抽象的面孔。这就像弗朗西斯·培根决定成为程序员，同时仍然握着他的画笔。
武田在山形的工作室中自我隔离，这不禁让人想起日本传统中的隐士，但有一个重大区别：他并非在通过冥想自然来寻求觉悟，而是在对绘画表现极限的执着探索中寻找启示。每一幅画都是幻象与现实、表面与深度之间激烈斗争的结果。
他的创作过程严谨得让NASA的工程师都自愧不如。他先从初步草图开始，随后结合模拟绘画和数字数据，精准计算他将创造的纹理效果。这就像维米尔拥有一台量子计算机一样。利用最初用于微缩画的画笔，他有条不紊地重构每一笔虚幻的笔触，创造出一个挑战我们对绘画真实理解的视觉悖论。
肤浅的批评家会说他的作品只是技术上的奇迹，但他们完全忽略了核心要点。武田所做的，是利用谎言作为主要材料，创造出一种新的绘画真理。这正如尼采所说：”艺术是生命最大的刺激物”。武田通过系统性地扰乱我们的感知来激发它。
他对绘画物质性的处理方式是革命性的。通过在完美平坦的表面上创造出厚重油彩的幻觉，他迫使我们重新审视与艺术物质性的关系。罗兰·巴特一定会喜欢分析这种真实与模拟、绘画所指与所指物之间的张力。每一幅画仿佛都是对我们关于绘画应为何物的假设的、活生生的解构。
武田直到2016年完全准备好才把作品展示给世界，这一点不是无关紧要的细节。在这个持续曝光和即时满足的时代，这种修道般的耐心是一种文化抵抗。当他最终在山形车站附近的Kuguru画廊展出作品时，就像一颗无声的炸弹在日本艺术界爆炸了。
我必须坦白：第一次通过照片看到他的作品时，我想”又是一个玩弄浓厚油彩的艺术家”。多么巨大的错误！这正是他想让我们陷入的陷阱。每一幅画都是一堂谦逊的课程，提醒我们初印象往往是错误的。这是对我们审美确定性的蚁穴的一脚形而上学的踢击。
他当前对花卉的创作更进一步探索了现实与幻象。他将传统题材转化为一种挑战轻易分类的视觉体验。这些花不是植物学意义上的再现，而是存在于抽象与具象、存在与缺席之间空间的绘画幻象。
如果你认为武田所做的简单，试着复制他的作品。你会彻底失败的。这不是纯粹的技术问题，而是视野问题。他创造了一种独特的视觉语言，同时讲述了绘画的历史和我们今天被图像饱和的数字时代。这是一个智力和艺术的壮举，重新定义了21世纪的绘画可能性。
