请认真听我说，你们这群自命不凡的人。如果你认为抽象艺术已死，那是因为你从未真正凝视过马塞洛·洛·朱迪切（Marcello Lo Giudice）的画作。这位1957年出生在陶尔米纳的西西里艺术家，呈现给我们的画作完全不同于那些充斥当代画廊的乏味且过度理性的抽象。洛·朱迪切带给我们一种感官的、几乎原始的旅程，追溯物质的起源。
他的作品曾在罗马MAXXI博物馆、米兰皇宫及其他重要艺术殿堂展出，巨幅画布为我们开启通往平行世界的窗口。他称之为”伊甸（Eden）”，将我们带往遥远星球，在由纯色颜料构成的荒漠风景中，灵感源自宇宙中无形的声音。每一种颜色都被视为独立个体，这些个体的组合创造出耀眼的光爆，宛如宇宙大爆炸之日。
洛·朱迪切并非仅仅追求画面美观，他的作品蕴含了近乎地质学的深度，且他确实曾在博洛尼亚大学研修地质学，随后进入威尼斯美术学院深造。这段科学背景绝非徒劳，使他发展出独特的绘画方法，使物质不单是被涂抹，而是被转化与变形。
仔细观察他的画作会揭示一个复杂的层次宇宙，这些层次中叠加的沉积物和颜料经过刮擦、侵蚀和磨蚀，露出下层。这种创作工作不禁让人联想到地质过程本身，如侵蚀、沉积和板块运动。但仅仅将他的作品视为科学知识的美学应用是片面的。
因为Lo Giudice首先是一位画家，以最具肉体感的意义来说。他与材料之间有一种近乎感性的关系。”我与材料的关系可比拟为渔夫与鱼之间深厚而强烈的关系”[1]，他透露道。如果不了解他的作品，这句话或许显得荒谬。但面对他的画布，我们便能理解。在这些带纹理的表面上，有着某种有机且生机勃勃的东西。
群青蓝讲述了海洋脊和辽阔的大海，黄色成为被太阳炙烤的土地，炽热的红色和黑色唤起熔岩流和火山口的意象。无法不联想到这位艺术家生于的西西里，那是火山与对比的土地。但再次将他的绘画仅限于景观的唤起也是狭隘的。
在他的抽象作品中，Lo Giudice邀请我们进行一种几乎冥想般的体验。色彩不仅仅是一种媒介，它成为一个独立的实体，几乎是宇宙力量的体现。人们可以在这种方法中看到一种精神性，但这是一种扎根于物质和实在的精神性。
还应注意他作品中的生态维度。Lo Giudice致力于环境保护，尤其是在摩纳哥阿尔贝二世亲王参与的”拯救地中海项目”（”Save Mediterranean Sea”）中。他的画作不仅是对我们星球美丽的颂扬，更是呼吁保护的号召。在这项努力中透着深刻的感动，这是一种面对环境的伟大与脆弱时的谦卑。
但别弄错了，Lo Giudice并非天真的艺术家。他属于欧洲非形式主义艺术传统，这一运动在二战后兴起，强调艺术的形式特征，特别注重颜料的处理。我们可以看到杜布菲（Dubuffet）或克莱因（Klein）等大师的影响，但他的声音独具一格。
我喜欢Lo Giudice的是他能够创作出既极具物质感又深邃冥想的作品。在他的作品中，绘画者施加材料、刮擦和转化的动作与观者面对这些唤起原始现实的抽象景观时的沉思之间存在一种张力。
以他的”Eden”系列为例，那里蓝色常常占主导地位。这些作品不仅美丽，而且富有启示意义。它们诉说着无限的空间、深邃的海洋和无尽的天空。这些画作中带有康德式的崇高美，一种超越理解、令我们面对自身渺小的美。
首次接触他的作品可能会引发怀疑。又一位玩弄材料和色彩的抽象画家，人们可能会这么想。但Lo Giudice身上具有一种真诚和真实，超越了潮流和流派。他不追随时尚，而是坚持自身道路，展现了非凡的恒心和一致性。
围绕他的作品的争议具有启示性。一些评论家在他的画作中看到一种倒退，回归到过时的抽象表现主义。而另一些人则认为这是一种对物质和色彩探索的必要延续。这两种观点都忽略了本质。Lo Giudice既不是怀旧者，也不是革命者。他只是一个找到了自己语言并以令人钦佩的热情和严谨探索它的艺术家。
他艺术历程中有趣的地方在于从概念主义向物质的转变。1970年代，Lo Giudice采用概念风格，使用混合材料如蜡、草莓和烟雾。随后他发展出自己的风格，结合其地质学知识，创造出大型有机地貌。这一演变体现了真正的追寻，是一位持续深挖其艺术实践的艺术家的体现。
作为艺术灵感的地质学并非新鲜事。像罗伯特·史密森（Robert Smithson）和迈克尔·海泽（Michael Heizer）这样艺术家在他们的土地艺术作品中探索艺术与土地的关系。但Lo Giudice为这一探索带来了不同的维度。他并未直接以土壤作画，而是捕捉其本质、过程和转变。
这种方法让我想起克洛德·列维-斯特劳斯（Claude Lévi-Strauss）对自然与文化关系的思考[2]。在《野性的思维》中，这位法国人类学家探讨了人类社会如何诠释和转化自然元素以创造意义。Lo Giudice的做法类似，他将自然过程如侵蚀、沉积、岩石变质转化为艺术动作，转化为文化创造。
列维-斯特劳斯展示了神话是组织和理解自然世界的尝试。同样，Lo Giudice的画作也可被看作视觉神话，试图赋予超越我们的自然力量以形式。他的作品中存在一种野性的思维，这种智慧不是通过抽象概念，而是通过物质和感官来体现。
这种人类学维度在他的”图腾”(“Totem”)系列中特别明显。自1989年以来，Lo Giudice创作了这些不寻常的雕塑：被烧毁、撕裂和掏空的床垫，随后涂上多层厚实的颜料（颜料和搪瓷）。这些图腾象征了战争的残暴，灵感来源于海湾战争的电视画面：一幢民用住宅误中火箭弹，瓦砾、肢解的尸体以及各种被毁的普通物品如床垫。
这些图腾让人联想到列维-斯特劳斯研究的传统社会中的仪式物品。它们具有相似的功能：驱除暴力，纪念逝者，建立生者与亡者世界的联系。Lo Giudice借此重新激活了艺术的原始功能，即赋予暴力与死亡以意义。
这种仪式维度也体现在他的”从波提切利的春天开始”(“Dalla Primavera del Botticelli”, 取自波提切利的《春》)系列中，床垫被完全掏空，其原始结构承载了大量来自阿尔比索拉的陶瓷蝴蝶，象征”摆在暴力与战争上的美”。蝴蝶是普遍认可的象征，是春天、重生和演变的标志，代表了人类对年轻一代及其新意识寄予的希望。
我们可以看到，Lo Giudice如何融入艺术传统的同时，对其进行了创新。他借鉴了意大利文艺复兴大师波提切利的作品，却将其意象转变为一件当代表达我们时代及其暴力的装置艺术。正是这种能够在过去与现在、自然与文化之间架设桥梁的能力，成就了他的作品的丰富内涵。
Lo Giudice的作品也可通过精神分析学的视角来解读，尤其是Melanie Klein关于攻击与修复的理论[3]。Klein指出，在心理发展的过程中，破坏性冲动和修复性冲动相互平衡。在Lo Giudice的艺术创作过程中，这种破坏表面的方式以便更好地重建，对材料的攻击以便更好地升华，正是这破坏与修复辩证法的一种体现。
被撕裂后再覆盖上鲜艳色彩的图腾完美地展现了这种动态。最初的暴力（撕裂、灼烧）转化为创造性的行为（色素的涂抹）。同样地，在他的绘画中，通过去除上层涂层来展示下层内容，可以视为一种受控的攻击，紧随其后的是揭示与修复。
这种精神分析的解读帮助我们理解Lo Giudice作品强烈的情感力量。它们触动我们，因为它们表现了我们都经历过的基本心理过程和张力：破坏与创造，暴力与美，混乱与秩序之间的张力。
Klein还谈及抑郁位置，这是儿童意识到他在幻想中攻击的对象同时也是他爱慕的对象的时刻。这种认知产生了内疚和焦虑，但也激发了修复的欲望。难道这不是我们在Lo Giudice的生态作品中所见吗？正是这种意识到我们破坏的地球同时滋养着我们，同时也有修复和保护的渴望？
这总是让我们回到他的”Eden”系列，这些想象中的乐园，正如他自己所说，是对当今时代暴力的回应：”我画乐园是因为今天我们生活在战争和毁灭之中，生活让我们都受了伤，但我们并未以应有的勇气作出反应。今日社会是狂热享乐主义的产物，缺乏理想和道德价值。我画乐园，因为通过绘画，我想带来和平、幸福与美” [4]。
如果没有如此强烈的作品支撑，这种声明可能显得幼稚。Lo Giudice并未为我们呈现一个轻易得来的天堂或廉价的伊甸园。他的乐园是复杂且充满矛盾的空间，美丽从暴力的过程诞生，光明源于黑暗。这是一种不忽视恶与毁灭现实，却提出转化与蜕变的理想境界。
Marcello Lo Giudice的作品之所以珍贵，在于他能够创作既根植于最基本的自然过程，又对当代问题保持开放的作品。他的绘画诉说材质、大地、色彩，但也涉及我们与环境的关系，我们破坏与创造的能力，以及我们在混乱世界中寻找意义的需求。
或许这正是Lo Giudice真正的成功之处：提醒我们艺术，即使是最抽象的艺术，也从未完全脱离现实世界。他的画作不是通向一个无法触及他处的窗户，而是我们可以在其中凝视自身与物质、自然、生命关系的镜子。
因此，下次当我们面对他那些宏大的画作时，必须花时间真正去观察。让自己沉浸于那些抽象的风景、虚构的地质中。也许能在那里发现的，不仅仅是对技术熟练的简单展示，而是一种对我们在世界中的位置及对它的责任感的深刻沉思。
毕竟，这正是最终的意义所在：不仅仅是美，而是觉悟。对我们环境脆弱性和力量的觉悟，对我们摧毁与创造能力的觉悟，对我们对未来世代的责任的觉悟。难道这不是艺术应该带给我们的东西吗？
- 马切洛·洛·朱迪切，接受百老汇世界新闻部采访，2015年5月，庆祝纽约UNIX画廊的”伊甸：遥远的星球”展览。
- 克洛德·列维-斯特劳斯，《野性的思考》，普隆出版社，巴黎，1962年。
- 梅兰妮·克莱因，《爱、罪疚与修复及其他作品1921-1945》，自由出版社，纽约，1975年。
- 马切洛·洛·朱迪切，接受朱丽叶艺术杂志朱莉娅·鲁索采访，2017年6月，庆祝罗马MAXXI博物馆的”伊甸：遥远的星球”展览。
