请认真听我说，你们这群自命不凡的人。克里斯蒂娜·夸尔斯（Christina Quarles，1985年生）绘画仿佛埃贡·席勒和弗朗西斯·培根的孩子被Adobe Illustrator算法养育，吸收了大卫·霍克尼酸甜的色彩，沉浸在奥德丽·洛德的诗意中。在加利福尼亚奥尔塔迪纳的她的工作室里，这位女艺术家正在策划一场绘画革命，击碎我们关于身体与身份的固有认知。她那巨大的画布将我们带入一个由暧昧主导的绝对空间，身体不断变形，身份逐渐消解，继而重新创造。
夸尔斯的作品围绕两个主要轴线展开，这两者如同她所绘的身体般交织在一起：一方面，是对我所称的”身体过度审美”的激进探索；另一方面，是通过绘画的碎片化对身份表现的大胆重新发明。这两个维度相互丰富，创造出一种当代艺术中罕见的视觉语言力量。
让我们以《紧紧抓住同样放手》(2020)为例，这幅画完美诠释了这种过度审美。在构图中心，身体交织成一支感性而纠结的舞蹈，它们的肢体伸展至画布的极限，仿佛在挑战画框本身的约束。肌肤以介于透明薰衣草色和暮光橙色之间的色调绘制，仿佛拥有自己的生命，在我们眼前变幻成一幅肢体可能性的万花筒。
这种对身体的处理令人深刻地呼应了哲学家莫里斯·梅洛-庞蒂关于知觉现象学的思想。在他的《知觉现象学》(1945)中，他写道：”身体是我们拥有世界的普遍方式”。夸尔斯更进一步，暗示我们的身体不仅是我们在世界中的锚定点，更是抵抗社会试图强加给我们的僵化分类的场所。在她的画作中，身体成为一片战场，上演着规范力量与逃脱固定定义欲望之间的持续斗争。
那些分割她构图的几何图案，锋利的网格、幻觉般的花卉图案、如光刃般切割空间的色彩平面，绝非简单的装饰元素。它们作为社会结构的视觉隐喻，试图包容、定义并限制我们的身份。在《永远不要相信这不是真的（永远不要相信/这不是真的）》(2019)，一件由三个面板组成的宏大作品中，这些图案构建出复杂的视觉束缚网络，身体在其中穿梭、扭曲并自我重塑。
夸尔斯的技术本身体现了这一限制与自由之间的张力。她从手势绘画开始，让身体引导画笔，与画布进行直觉的舞蹈。随后，她拍摄作品，在Adobe Illustrator中数字处理，创造出图案，接着通过乙烯基模板将这些图案重新引入绘画中。这种触觉与数字化、有机与几何的混合体创造出视觉上的张力，使观者的目光始终保持警醒。
在《当它向我们揭晓时，那时它才会揭晓》(2018)中，这种张力达到令人震撼的顶峰。身体似乎从色彩的雾霭中浮现，纠缠在一场挑战重力的拥抱中。用薰衣草和桃色描绘的肌肤彼此融合，形成模糊地带，无法确定一个身体从哪里开始，另一个身体又在哪里结束。这种刻意的混淆不是风格上的技巧，而是一种哲学策略，逼迫我们质疑关于身体和身份界限的预设。
这个质疑与吉尔·德勒兹关于无器官身体的思想产生了深刻共鸣，该概念暗示身体并非固定的实体，而是一个不断演变的可能性场。Quarles的形象，其多重肢体和变形的肉体，完美体现了身体拒绝任何固定和等级组织的理念。每一幅画作因此成为一个实验室，在这里尝试一种摆脱传统解剖束缚的新身体观念。
在《Tha Nite Could Last Ferever》(2020)中，Quarles将这一探索推向更深。她创造的夜间空间成为福柯意义上的异托邦，一个常规身体规律被暂停的地方。肉体以深蓝色和暮光橙色绘制，融入周围的黑暗氛围，同时保持强烈的物理存在感。身体似乎漂浮在时间的悬浮状态中，摆脱了重力和社会规范的约束。
Quarles对颜色的使用尤为引人注目。她故意拒绝现实的肤色，而选择在朦胧的粉彩与几乎带电的饱和色调之间摇摆的调色板。这一选择不仅是美学上的，更具深刻的政治意义。通过绘制超越传统种族分类的色调身体，她创造了一个视觉空间，使身份成为一种感受，而非表象。
这种颜色的处理反映了艺术家个人经历滋养下对种族身份更广泛的思考。Quarles出生于黑人父亲和白人母亲家庭，亲身体验传统种族分类的局限。她的绘画为这种二元分类提出了激进的替代方案，表明身份始终比试图将其囿于的框架更复杂、更流动。
在《Bad Air/Yer Grievances》(2018)中，这种身份流动性表现得尤为引人注目。身体似乎在几何图案穿插的构图中同时解构与重组。解构与重组之间的张力，唤起我们身份在个人经历与试图定义我们的社会结构之间不断协商的方式。
她作品中的情色维度不可忽视，但远远超越了单纯的感官描绘。在《Feel’d》(2018)中，交缠的身体形成挑战传统解剖学及我们对亲密关系常规认知的构型。这些纠缠暗示了超越身体层面的连接，触及人类体验的更根本层面。
她作品的标题常以一种戏谑语言惯例的方言音标书写，增加了额外的意义层次。故意歪曲标准拼写，Quarles在语言上创造了一种类比，类似于她的形象扭曲解剖习俗的方式，暗示语言和身体同为可被重新发明的社会建构。
这种不断的自我重塑也体现在她的绘画技巧中。通过将传统的动作绘画与数字干预相结合，她创造了一种视觉语言，既反映了我们这个高度互联的时代，又保持了与绘画触觉的深厚联系。她通过模板融入的几何图案在画面表面创造出断裂，如同对当代体验碎片化的评论。
例如，在《Casually Cruel》（2018）中，这些断裂达到了尤为戏剧性的层面。人体仿佛被穿越构图的几何平面切割成片，如同刀刃。然而，这些人物并非视觉暴力的受害者，反而将其视为转变的契机，肉体按照挑战解剖学逻辑的新构型重新组织。
她创作过程中数字技术的影响值得强调。与许多将技术视为传统绘画威胁的艺术家不同，Quarles有机地将其融入实践中。Adobe Illustrator的使用不仅仅是技术工具，还是她对身份的构建性和可操作性反思的重要组成部分。这种技术维度在《Don’t They Know? It’s the End of tha World》（2020）中表现尤为鲜明, , 作品中的人体呈现出肉体与数字代码之间的混合实体。穿透他们的几何图案既暗示计算机故障，也像是建筑碎片，营造出虚拟与实体交织的绘画空间。
Quarles的作品延续了从毕加索到德·库宁再到贝肯的长久传统，画家们一直试图突破身体表现的界限。但她的男性前辈往往从支配或他者视角扭曲女性身体，而Quarles创造的人物拒绝任何拥有或目光归类的尝试。这种对归类的抵抗也表现在她处理绘画空间的方式上。她画布的背景在幻觉纵深与现代主义平面之间不断摇摆，营造出模糊环境，人体似乎既漂浮又被挤压。这种空间张力强化了她作品所特有的不稳定和持续转变感觉。
在《Peer Amid (Peered Amidst)》（2019）中，这种空间模糊达到了令人眩目的复杂程度。人体似乎同时存在于多个维度，他们的四肢穿越不同现实层面，仿佛在平行宇宙间穿行。这种空间的多重性呼应了莱布尼茨的可能世界理论，暗示每个身份本身包含无限潜能。
她作品中反复出现的图案, , 窗户、格栅、有花纹的织物, , 象征试图约束和定义我们身份的社会结构隐喻。但她所描绘的身体系统地拒绝屈从于这些框架。它们溢出、扭曲、寻找逃逸口，创造了我所称的”抵抗的舞蹈编排”。
这种抵抗在她的装置艺术中展现得尤为强烈，她将绘画探索延伸到三维空间。在这些作品中，观众身体被物理地卷入界限与边界的质疑中，其自身成为艺术体验的重要组成部分。
她作品的政治维度绝不能被低估。在一个身份问题成为许多社会辩论核心的世界里，Quarles的作品提出了一种对二元分类的激进替代方案。她暗示我们的真实本质或许正是在于我们超越僵硬定义、存在于不断流动状态中的能力。这一政治主张在她最新作品中表现得尤为强烈，那里的束缚与自由之间的张力达到了新的高度。在《Gone on Too Long》(2021)中，人体似乎字面上在反抗画布的界限，四肢伸展至极限，拼命试图逃脱加诸于他们的束缚。
但使Quarles的作品真正卓越的是她将这场斗争转化为可能性的庆典。尽管某些身体变形隐含着暴力，她的画作却散发着猛烈的快乐，一种生命力的宣言，彰显了成为真实自我、以其复杂性自由存在的自由。Christina Quarles的作品远非简单的身份探索或绘画技术创新。它构成了对人类存在本质的激进主张，暗示我们真正的本质或许正是我们超越那些试图定义我们的类别的能力。她的作品为自由提供了一个空间，其中模棱两可不是混乱的源头，而是无限可能的源泉。
