请认真听我说，你们这群自命不凡的人：Herbert Brandl 不是那种可以在两杯香槟之间懒散翻阅展览目录就能理解的画家。这位1959年出生于格拉茨，今夏早逝的奥地利人，强制要求与绘画性质及其无限的意义可能性进行直接甚至是激烈的对抗。他那些宏伟的画作，永远在抽象与具象之间摇摆，展开了一种视觉语言，坚决拒绝当代装饰艺术的便捷手法。
Brandl 属于1980年代那些重新与维也纳宏大绘画传统接轨，同时又摆脱现代主义教条的奥地利艺术家一代。在维也纳应用艺术大学师从 Herbert Tasquil 和 Peter Weibel 的指导下，他从一开始就形成了独特的绘画观，将绘画视为概念探索的领域，而非仅仅是表现媒介。他早期参与国际大型展览，1985年巴黎双年展、1992年文献展九届及2007年代表奥地利参加威尼斯双年展，证明了其艺术路径的即时认可。
情感的建筑
理解 Brandl 作品的首要关键在于他与维也纳分离派建筑和装饰遗产的复杂关系。正如 Pier Luigi Tazzi 准确指出的，他最近的作品”仍与分离派相关”，并且强调”对绘画表面的优先权”[1]。这一渊源并非偶然：它揭示了他将绘画视为空间建构、感官建筑，而非仅仅是记录表面的理念。
由奥托·瓦格纳及其弟子代表的维也纳世纪末建筑，寻求现代功能性与装饰美的和解。Brandl 在绘画领域进行了类似的转换：他最抽象的作品保留了功能性，即创造可居住的情感空间。他的格罗斯格罗克纳山脉与喜马拉雅山景，绝非单纯的再现；它们构成了色彩与动作的建筑，是观众可以实际投入的心理空间。
这种建筑特质尤为体现在他对系列作品的构想中。Brandl 从不绘制孤立的画布，而是建构连贯的整体视觉”居所”。他2020年代的单版画系列，于格拉茨”24/7”展览中展示，作为同一概念建筑的各个部分运作。每件作品相互对话，创造出一个整体环境，呼应了瓦格纳建筑师对于纯粹绘画领域抱有的野心。
Brandl 的色彩按照与维也纳分离派大师们的装饰原则相同的方式运作：它不仅装饰空间，还结构空间。他那些晶莹剔透的蓝色或炽热的红色不只是给表面着色；它们组织感知，分层视觉平面，创造出类似于瓦格纳立面节奏变化的视觉节奏。这种方法显示了对空间作为整体感知的深刻理解，直接继承了维也纳世纪末的传统。
这位艺术家还延续了分离派关于艺术与工业关系的探讨。他的混合媒介技术，融合了摄影与传统绘画，质疑了手工制作与机械复制之间的界限。正如1900年的建筑师将新工业材料融入其创作，Brandl 在其绘画实践中融合了数字影像和当代复制技术。这种综合体现出了一种真实的现代性，摆脱了任何审美纯粹主义的束缚。
过程的诗学
Brandl 作品的第二个基本维度涉及他与诗歌的关系，这里诗歌并非指文学体裁，而是一种特定的现实感知方式。艺术家发展出所谓的”过程诗学”，绘画行为凌驾于最终结果之上。这种方法使他与当代诗歌中最先进的研究相关联，尤其是在表演性维度和对模拟再现的拒斥方面。
Brandl 明确宣示了这一过程优先权：”我不必见过山才能画它；我不必亲临现场感受空气或看到光线。这一切都发生在绘画中，氛围、光线，是一种内在过程。我根据运动、笔触、画笔尺寸、颜料来绘画我的画作”[2]。这一声明揭示了他对绘画创作的理念, , 作为一种自主生成意义的过程，独立于任何直接外部参照。
这一创作过程的自主性让人联想到当代实验诗人对语言物质性的探索。像他们一样，Brandl 探索其媒介固有的表现潜力，揭示出从对绘画物质的直接对抗中浮现的意义。他的笔触动作如同塑造自主词汇的”词语”，创造出超越任何最初再现意图的意义效果。
艺术家还发展出一种特定的时间性，类似于诗意时间。他的作品不讲述线性故事，而是在绘画动作瞬间展开集中的强度时长。每一笔触都蕴含完整的时间性，一个”扩展的现在”，逃脱传统叙事时间的限制。这种创作时间的概念使 Brandl 贴近那些关注瞬间和显现（epiphany）的诗歌研究，即从语言直接对抗中突然显现的意义。
他作品的隐喻维度运作方式与现代诗歌隐喻相似。他那些雕塑或绘制的”鬣狗”并非现实中的动物，而是作为浓缩的隐喻实体，即”辩证图像”，凝结了当代存在的张力。这些混合的生物，融合了原始的凶猛与技术的复杂，唤起了我们与自然和文明关系的矛盾情感。
“明日”（TOMORROW）展览在格拉茨艺术馆（Kunsthaus Graz）特别揭示了作品的诗意维度。标题本身就像一句诗，开启了一个语义不确定的空间，作品在其中栖息，却从未将其饱和。Brandl 自称为”激情的悲观主义者”，这一说法唤起了现代诗歌中典型的辩证张力，即批判的清醒与创造的冲动之间的张力。
紧迫感的美学
Brandl 的作品发展出了我们可以称之为”紧迫美学”的概念，这在他与艺术市场复杂关系中体现得尤为明显。当被问及他与艺术经济的关系时，这位艺术家自称是”经济的敌人” [3]，拒绝他认为与创作特定时间性不兼容的持续增长逻辑。这一立场显示出他对艺术价值与市场价值间紧张关系的深刻认识，而这种紧张直接滋养了他的创作实践。
这种紧迫感首先体现在他的技法上。Brandl 注重动作的自发性，拒绝经常出现在学院派绘画中的修正和反悔。他的画布保留了创作过程中的原始痕迹，揭示了一种追求表现即时性的创作过程。他称这种”禅”式的方法，旨在捕捉创作行为的纯粹能量，避免理性思考削弱这种能量。
紧迫感同样体现了他与当代世界的关系。他的”后末日”景观并非科幻，而是展现了对生态的深刻清醒。Brandl 表示他因环境破坏而痛苦：”我一直关心的是在一个完全工业化和商品化的世界中，人与环境之间荒谬的关系” [4]。这种痛苦直接滋养了他的视觉想象，产生了在纯美与预示灾难之间摇摆的视觉意象。
这位艺术家发展出了一套贯穿其作品的生存图像学。他雕刻的鬣狗、山晶和凄凉的风景都是这一快速变化世界的”见证者”。这种图像学从不流于简单的灾难主义，而是在毁灭与再生、死亡与重生之间保持辩证张力。穿越他最暗色调作品的灼热色彩彰显了不可磨灭的生命力、一种抵抗整体熵增的创造力量。
他作品的雕塑维度特别展现了这种紧迫美学。他那些混合生物诞生于持续变形的过程：用于刮除油漆的印尼猫逐渐变成神话生物，继而成为长久的青铜雕像。这种炼金术体现了艺术作为象征性生存过程的理念, , 将原始物质转化为能抵抗时间的有意义形式。
一位大师的遗产
Herbert Brandl 留下了丰富的作品，重新定义了当代绘画的可能性。他从2004年到2019年在杜塞尔多夫学院的教学培养了一代又一代艺术家，他们延续着他对于绘画动作自主性的研究。他于2025年7月的早逝，突然中断了这一仍处于发展中的创作轨迹，正如他最近在维也纳和格拉茨的展览所展示的那样。
这位艺术家成功地实现了将传统绘画与当代实验相结合的壮举，而从未屈服于模仿的简单或无故的挑衅。他的作品保留了Otto Wagner早已在分离派艺术家身上识别出的那种”焦虑的不安全感”，这些艺术家面对着他们时代的快速现代化。Brandl在当代全球化背景下更新了这种世纪末的忧虑，创造出能够凝聚我们集体焦虑，同时开放纯粹美感空间的图像。
他将色彩视作”生活质量的提升”，展现了一种超越当代美学争论的人文主义艺术观。Brandl证明了在一个充斥数字图像的世界中，绘画依然具备独特生成意义和情感的能力。他的画作如同感性强度的”仓库”，是在当代世界普遍加速中抵抗的空间。
Brandl的作品被视为我们时代最完整的重新思考绘画基础的尝试之一。通过拒绝纯抽象与叙事具象之间的无果替代，他开启了一条中间路线，揭示了绘画媒介无尽的潜力。他的创作表现出对艺术转变我们与世界关系的坚定信念, , 这不是通过预设论点的阐述，而是通过直接产生前所未有的感性体验。
Herbert Brandl的遗产在于他精彩的论证，即绘画仍是一个无限探索的领域，能生成其他表达方式无法触及的认知形式。他的作品是对艺术自主性及其揭示现实隐藏维度能力的强有力辩护。在一个痴迷于效率和即时盈利的世界里，Brandl提醒我们，某些真理只有通过沉思的慢节奏和对感官感知最微妙细节的关注才能显露。
- Pier Luigi Tazzi，《Herbert Brandl》，刊登于Artforum，评论发表在1990年维也纳Krinzinger画廊展览期间。
- Herbert Brandl，摘自维也纳nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder画廊网站的引用。
- Herbert Brandl，采访Sandra Baierl，《Herbert Brandl，经济敌人》，Kurier，2013年12月5日。
- Herbert Brandl，采访Susanne Rakowitz，《感到一切都像是麻痹》，Kleine Zeitung，2021年。
