请认真听我说，你们这群自命不凡的人。这是一位值得我们停下脚步、注视，并终于理解在2025年真正意味着绘画历史的艺术家。Lubaina Himid 不是普通艺术家。她是无形世界的地图绘制者，是一位重新发明表现规范的讲述者，以赋予那些被官方叙事抹去之人以形体。
1954年出生于桑给巴尔，四个月大时移居英国，Himid 身上带有这段根本性的迁移经历，这贯穿了她的全部创作。1976年毕业于温布尔登艺术学院戏剧设计专业，1984年获得皇家艺术学院文化史硕士学位，她发展出一种独特的方法，将舞台美术与历史绘画相结合。事实正是如此：Himid 重新定义了历史绘画这一西方艺术中高贵的类别，将非洲侨民被遗忘的身影纳入其中。
集体记忆的建筑
她在1980年代作为艺术家兼策展人的经历，展现出她对表现议题的强烈意识。凭借1985年在伦敦当代艺术研究所举办的”The Thin Black Line”展览，她不仅展示作品，更为英国黑人女性艺术家建立了一个能见度空间。她策展工作的这层意义并非附属，而是构成了她艺术思考的架构，犹如一个真正的建筑项目。
建筑，正是贯穿 Himid 作品的首条概念线索。但这里不是权力建筑的宏伟结构。Himid 着眼于亲密生活与日常的建筑，这种建筑组织着生存和生活空间。她的装置作品如”Naming the Money”（2004）将展览空间转化为记忆剧场，百余个剪影化的人物代表了18世纪欧洲庭院中被奴役的非洲人。每个人物都有一个名字、身份与角色：训犬师、玩具制造者、制图师、舞蹈老师、音乐家、画家。艺术家重新赋予这些被官方历史粉碎生命以叙事建筑。
这种记忆的建筑方法在她近期于2024年《Make Do and Mend》展出的”策略绘画”中得到最完整体现。这些画作描绘黑人人物围坐桌旁，操作象征资源、领地和整个族群的小物件。这里的建筑成为权力的建筑：谁有权坐在桌边？谁站立？谁决定他人的命运？在2023年创作的《Bitter Battles》中，置于桌面上的柠檬通过不同装置、笼子、底座和空白空间暴露了构成我们社会的无形等级。Himid 拆解权力的建筑结构，揭示其最险恶的机制。
家庭空间在这种建筑思考中也占据核心地位。她近期的绘画作品，如系列”How May I Help You?” (2025)，描绘了街头小贩与买家之间的日常互动。这些看似平凡的场景实际上揭示了社会关系的复杂地理，一种在公共空间中施加的隐形权力关系架构。艺术家坦言：”我对日常买卖普通物品的行为深深着迷” [1]。这种执着体现了她对社会建筑如何在最简单的动作中展开的深刻理解。
她的戏剧设计背景影响了她对空间的处理。Himid 将她的展览设计为舞台布景，使观众成为演员。2021年在泰特现代美术馆的展览明确被设想为”一系列场景，旨在将访客置于舞台中心及幕后” [2]。这种空间的戏剧性展现了她对艺术作为沉浸式、变革性体验的建筑理解。
但Himid的建筑不仅限于物理空间的组织。它同样构筑了她作品的时间性。她的绘画板块，这些垂直格式让人想起音乐中的测量棒，创造出一种视觉节奏，像乐谱一样组织展览空间。在”Aunties” (2023)系列中，六十四块在她工作室附近发现的木板构成了一组女性形象星座，重新定义了传统画廊的建筑结构。这些 “姨妈”，作为许多非欧洲文化中的守护形象，在艺术机构的中心创造了亲密和保护的空间。
漂浮的诗歌领地
Himid作品中贯穿的另一个概念源自诗歌，不是作为文学体裁，而是一种独特的语言与图像关系的方式。Himid发展出一种视觉诗学，通过凝缩、隐喻和移位，这三种写作诗歌的基本操作，应用于视觉艺术领域。
首先是凝缩。在她的画作中，每个元素都承载着最大程度的象征意义。她融入画作中的织物绝非纯粹装饰：它们承载着家族记忆、纺织传统和文化代码。她在谈及”Between the Two my Heart is Balanced”时解释：”图案与服饰在我的画作中至关重要。服装是女性向彼此及观众展示个性的方式” [3]。这种诗意的凝缩将每一块织物片段转化为整个文化的提喻。
其次是隐喻。Himid的作品通过不断的隐喻滑移运作。在”The Carrot Piece”中，一名白人男子举起的胡萝卜面对远离的黑人女性，成为对白人艺术家虚假承认承诺的隐喻。在”Le Rôdeur” (2016)系列中，奴隶船转变为抵抗和创造的空间。这些隐喻的移位展现出一种拒绝字面意义，偏好多义性的诗意思维。
最后是移位。Himid在她的作品中不断进行时间上的移位。她指出：”人物并不总处于相同的时间或历史区间”。”他们跨越时间互相交汇并对话（也与你们对话），讨论过去如何包含着对现在的线索，并且是潜在行动的场所” [4]。这种漂浮的时间性体现了诗意思维，拒绝线性时间顺序而倾向于多层时间性。
这种诗意的表达在她与伴侣及艺术合作者马格达·斯塔瓦尔斯卡合作中得到了最精致的体现。他们在凯特尔雅庭举办的装置作品《Slightly Bitter》(2025) 探索了20世纪初作家索菲·布热斯卡与艺术家妮娜·哈姆内特之间的片段式通信。这件作品通过诗意的拼接，将声音、绘画、寻获物品和明信片组合起来，复活了一段被历史抹去的关系。”这个装置不是纪录片，它关乎对话、翻译和交流，”希米德指出。这种痕迹与片段的诗学揭示了对断裂的历史体验深刻现代的敏感性。
她与斯塔瓦尔斯卡合作的声音维度极大丰富了希米德的视觉诗学。斯塔瓦尔斯卡的声音作品不仅仅作为伴奏，而是与绘画图像形成诗意的对位。在《Naming the Money》中，念出被描绘人物非洲和欧洲名字的声音创造出记忆的复调，极大增强了装置的情感张力。声音与图像的这种协同展现了对艺术作为整体艺术的诗意理解。
希米德的诗学也源于她对通过绘画转化的日常物品的迷恋。她在《Swallow Hard: the Lancaster Dinner Service》(2007)系列中绘制的陶瓷将家用餐具转变为历史记忆的载体。这些装饰有暗示奴隶贸易图案的盘子颠覆了瓷器的装饰功能，成为一种批判媒介。转化的诗学体现了她对艺术魔法维度的特殊敏感。
希米德对颜色的使用同样体现了独特的诗学。她鲜亮的黄色、深沉的红色和浓烈的蓝色并非追求逼真，而是追求表达的强烈性。正如评论家弗雷德·莫滕指出，她的”色彩庆典”成了”终极的庄严”。这种色彩诗学将绘画转化为抵抗与自我肯定的颂歌。
可见策略
希米德近期作品展现了其艺术成熟，能够综合这些不同的表达方式。她2023年的”策略画”在权力、表征与抵抗关系的思考上达到了高峰。这些画作描绘了黑人人物在桌上操纵象征性物品的谈判场景。构图结构、人物空间排列、桌子的几何形状和物品分布揭示了政治经济权力的隐秘机制。
在《Predicting Positions》(2023)中，桌上的模型形似太阳系，讽刺地暗指当代某些寡头的殖民野心。这件作品是对统治阶级及其去人性化被管理者倾向的尖锐批判。希米德提出根本问题：当我们接受被简化为策略桌上的可操作数据时，我们失去了什么？
《Aunties》(2023)系列展现了她艺术成熟的另一面。64幅绘画板将展览空间转变为守护人物的集会。每位”姑妈”都有其独特性，表现为木纹、彩色织物和绘画图案，同时又构成一个连贯的整体。此作品成功实现了个体性与集体性、独特性与社区的统一。
对她工作的迟到但辉煌的认可, , 2017年获得特纳奖，2018年被授予英帝国司令勋章（CBE），2021年在泰特现代美术馆展出，并将在2026年威尼斯双年展代表大不列颠, , 不应掩盖她批判态度的坚持。在七十多岁高龄时，Himid依然以与早年同样的敏锐度质问权力关系。她坦言关于1980和1990年代：”我们错过了一个机会。我们的目标是让尽可能多的人看到我们的作品。但我们并没有想着去卖它。我们根本没想到过这点” [5]。
对艺术市场机制的这份清醒批判揭示出一位毫不失去政治分析能力的艺术家。她为2026年威尼斯双年展所做的装置作品预示着，这是一个在当代地缘政治背景下检验她观点相关性的决定性时刻。
Himid对新一代艺术家的日益影响证明了她视野的准确。她将政治参与与美学卓越相结合的能力，在当代艺术界极为罕见。她证明了，表达强烈政治立场同时不牺牲形式与观念复杂性是可能的。
她与普雷斯顿的关系, , 自1991年以来她一直居住在这里, , 也揭示出她参与的地域维度。她解释：”这是个小城，但它适合我们。”这种她艺术实践的地方性，远离伦敦艺术中心，表现出一种与她整体美学方向相呼应的去中心化意愿。
Lubaina Himid的作品是过去四十年英国当代艺术中最重要的贡献之一。她成功地调和了形式创新与政治参与、美学追求与历史意识。她的绘画、装置和合作展现出一位不断重新发明其艺术语言以质问其时代问题的艺术家。
她能够在保持高水平形式要求的同时表达激进政治观点，使她成为国际艺术界独一无二的人物。她装置的构成和绘画的诗意为当代表现开辟了未知领域。Himid提醒我们，艺术绝非中立，它始终参与构建我们所生活的世界。通过赋予历史中的无形者以形态，她助力建构一个更公正、更人性化的世界。正因为如此，她的作品远远超越了艺术范畴，触及我们时代最紧迫的政治及伦理问题。
- Wallpaper，”Lubaina Himid和Magda Stawarska在Kettle’s Yard的新展将揭示日常生活故事中缺失的叙事”，2025年6月
- 泰特现代美术馆，”Lubaina Himid”，展览目录，2021年11月
- 泰特儿童项目，”Lubaina Himid是谁？”，2021年
- Greene Naftali画廊，”Lubaina Himid”，艺术传记，2024年
- 卫报，”艺术家Lubaina Himid：’YBAs热衷于艺术销售。我们根本不知道那才是办法'”，2025年3月
