请认真听我说，你们这群自命不凡的人。安东尼奥·若泽·德·巴罗斯·卡瓦略·埃·梅洛·莫朗（Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourão），即通加（Tunga）（1952-2016），远不止是一位时尚的巴西雕塑家。这位艺术家成长于70年代的知识激荡时代，浸润于其父亲格拉多·梅洛·莫朗（Gerardo Melo Mourão）的诗歌和其母亲作为社会活动家的政治抵抗之中，他以一种仍让当代博物馆的无菌墙壁颤抖的大胆方式，重新定义了我们对物质和空间的关系。
我们先从他对炼金术及物质转化的迷恋说起，这不仅仅是一种风格效果，而是他艺术实践的根基。当通加在其宏大的装置中组合铅、玻璃、头发和晶体时，他不仅仅是创造雕塑，而是编排了堪比最伟大炼金术著作的变形。他在2005年卢浮宫展出的杰作《À la Lumière des Deux Mondes》，作为首件进入这一古典艺术圣殿的当代作品，不仅是一种制度挑衅，更是他炼金探索的终点，将玻璃金字塔转化为一个坩埚，让各种异类材料在不可能的合成中融合。这种方法呼应了加斯顿·巴舍拉（Gaston Bachelard）在《科学精神的形成》中的思想，哲学家探讨了炼金思想向科学理性的过渡。正如巴舍拉所理解的，通加明白物质的想象先于并滋养理性的知识。他的作品不是科学理论的说明，而是物质摆脱传统物理限制，探索前所未有潜能的实验室。
比如他2011至2014年的系列《La Voie Humide》，标题明确指向炼金传统。在这些作品中，通加不仅仅是并置材料，而是创造了连锁反应，每个元素互相影响并转化。支撑其雕塑的钢制三脚架不仅是支架，而是能量导体，连接物质的不同状态。填充晶体和海绵的陶土容器成为实现象征性转化的母体。这种方法体现了对炼金思想的深刻理解，不把它视为幼稚的伪科学，而是作为一个复杂的转化体系，物质与精神不可分割。
这种变革性的维度在他的表演中表现得尤为突出，尤其是在《Xifópagas Capilares》（1984）中，两位双胞胎通过头发连接，进行一场神秘的舞蹈。这部标志性作品不仅探索了个体身体与集体身体之间的界限，更是字面体现了安托万·阿尔托（Antonin Artaud）提出、后被吉尔·德勒兹（Gilles Deleuze）采纳的”无器官身体”理论。在这一革命性的哲学视角中，身体不再被视为具有预定功能的生物机器，而是一个充满强度和生成的场域。Tunga表演者交织的身体成为转化的媒介，是实验的空间，在这宇宙般的舞蹈中，自我与他者、有机与无机的界限开始模糊，挑战了我们惯常的思维范畴。
这场表演并非孤立个案，而是他系统性探索身体作为艺术媒介可能性的组成部分。在1997年于第十届卡塞尔文献展（documenta X）展出的《Inside Out, Upside Down》中，Tunga将这一思考推向更深，创造了一件装置表演作品。身着西装、携带公文包的男子们沿着粒子加速器启发的精确轨迹移动。当他们的路径交汇时，公文包中的果冻身体碎片洒落地面，形成一场精心策划的舞蹈。这件作品在量子物理与日常生活剧场之间建立了惊人的平行，暗示我们最平凡的现实中蕴含着只有艺术才能揭示的神秘力量。
Tunga创作的作品如同连续的系统，无尽的循环，每个元素都指向链条中另一个元素，构成无尽的意义链。他的装置电影《Ão》（1981）是完美的范例。此作投影于里约热内卢的Dois Irmãos隧道，将建筑空间转化为数学圆环，并配以弗兰克·辛纳屈演唱的科尔·波特作品《Night and Day》的循环声轨。这是纯正的Tunga：非欧几何、城市建筑和大众文化的惊心融合。他不只是并置这些元素，而是让它们像超现实诗歌中的词语那样融合，创造出挑战理性理解、激发想象的概念混合体。
这种系统化方法同样体现在他对绘画的独特关系上。不同于许多当代艺术家将绘画视为简单的预备工具，Tunga将其作为实践的核心。他的素描作品，特别是《Vê-Nus》系列（1976-1977），并非草图，而是自主的艺术品，线条似乎拥有自己的生命。从这些线条中显现的仿生形态，有时像神秘的器官，有时如想象的星座，构建出一个微观与宏观在宇宙舞蹈中交织的视觉世界。
他1974年在里约热内卢现代艺术博物馆的首次个展，挑衅性地命名为”Museu da Masturbação Infantil”（儿童自慰博物馆），已显露其独特的绘画观。在展出的抽象与具象形态中，并非意图再现现实，而是探索在线描绘行为本身所固有的情色张力。早期的这个展览已预示了将贯穿Tunga整个职业生涯的主题：物质的转化，对立的融合，理性与非理性界限的探索。
这种对变形的痴迷不仅仅是一个简单的审美狂热，而是植根于深厚的哲学传统，追溯到赫拉克利特及其”panta rhei”（万物流动）的概念。但当这位希腊哲学家看到的是一个普遍的宇宙学原理时，图加发现的是一个创造性原理，他将其应用到艺术实践的各个方面。他的作品不是代表变化，而是变化的行动。每一个装置，每一次表演都成为一个微观世界，物质、空间和时间都服从于另一种物理法则，一种想象力的物理学，让我们看到存在的意想不到的可能性。
这种方法达到高潮体现在位于巴西亚马逊丛林中的 Instituto Inhotim 的两个专门展馆。这些空间不仅仅是展览场所，而是沉浸式环境，图加的作品彼此对话，也与自然环境对话。例如，在《True Rouge》（1997年）中，装满玻璃瓶、珍珠和红色布料的网状结构悬挂形成装置，既暗示了一种科学体验，也象征着神秘的仪式。作品似乎有自己的生命脉动，像是在不断变形，挑战我们对时间和空间的常规感知。
他对材料的使用同样革命性。图加不仅使用高贵或传统材料，他还探索了当代艺术常被忽视的表达性物质：明胶、化妆品、阿拉伯胶，天然海绵。在《Cooking Crystals》（2010年）中，他甚至将正在形成的水晶用作雕塑元素，创造了一件在安装后仍然真正生长和变形的作品。这种方法呼应了哲学家吉尔伯特·西蒙东关于个体化的理论，认为形态不是从外部强加于物质，而是从材料本身固有的潜能中产生。
图加的作品之所以在当今具有重要意义，是因为它超越了自然与文化、科学与魔法、理性与想象这类传统二元对立。当我们的世界被僵硬的分类和严格的边界困扰时，他的艺术提醒我们，现实比我们的分类系统所暗示的更加流动和神秘。他不试图解决这些矛盾，而是让它们繁衍，创造一个不确定成为创造力而非需克服的弱点的空间。
图加对巴西及国际当代艺术的影响深远，尽管这一点并不总被公正认可。像埃内斯托·内托和雅克·莱尔纳这样艺术家承认他们对他那种将艺术视为转化过程的激进视角的负债。但图加的遗产不仅限于其风格或理念影响，而在于他让我们以不同的眼光看世界，提醒我们所认为理所当然的现实，不过是在不断变形的宇宙中的一种临时配置。
走访今天位于 Instituto Inhotim 的图加永久装置时，会被其现实意义所震撼。在一个面临前所未有生态、社会与认知危机的世界，他关于艺术不仅能转化物质，还能改变我们对现实认知的看法的理念显得尤为重要。他的作品告诉我们，真正的艺术创造不在于复制已知，而在于探索未知，不在于确认我们的确定性，而在于激进地质疑它们。
如果你认为我是在用夸张的抒情手法，那我向你挑战，在Inhotim展厅前面站一小时，观看他的装置作品”True Rouge”。你要么彻底被改变，要么完全迷失。不管哪种情况，Tunga都赢得了他的赌注：让你怀疑对艺术本质和现实本身最根深蒂固的信念。或许这正是他最大的成就：创造了一种不仅仅是表现世界，而是重新发明世界的艺术，这是一场打破我们习惯分类的掷骰游戏，开启了对艺术可能性的令人眩晕的视角。
