Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit zu erkennen, dass wir einem Künstler gegenüberstehen, der etwas gewagt hat, was nur wenige auch nur in Erwägung ziehen: den Osten und den Westen zu versöhnen, ohne in malerische Klischees zu verfallen oder in exotischen Kitsch abzugleiten. An Qibang, geboren 1956 in Changwu, Shaanxi, verkörpert diese seltene Künstlerfigur, die es verstanden hat, zwischen den jahrtausendealten chinesischen Traditionen und den westlichen Avantgarden zu navigieren, um eine wahrhaft hybride Bildsprache zu schaffen.
Sein Werdegang beginnt in Armut und Widrigkeiten. Gezwungen, in jungen Jahren seine Heimatregion zu verlassen, um zu überleben, widmet er sich zunächst dem Schmuckhandel, bevor er sich der Kunst zuwendet. Diese Erfahrung der materiellen Welt, weit entfernt von Anekdoten, prägt ein taktiles Verständnis von Schönheit, das sich später in seinen Gemälden wiederfindet. Denn An Qibang ist kein Kunsttheoretiker: Er ist ein Mann, der Stein berührt, Jade bearbeitet und den Widerstand der Materialien verstanden hat.
Seine künstlerische Ausbildung wurzelt in der Lehre von He Haixia[1], jenem Landschaftsmeister, der Schüler von Zhang Daqian war und einer der Gründer der Chang’an-Schule. Diese Abstammung ist nicht zufällig: Sie verortet An Qibang in einer Linie, die immer danach strebte, die chinesische Malerei durch direkte Naturbeobachtung und technische Innovation zu erneuern. He Haixia, der in der Lage war, mehr als zweihundert verschiedene Baumarten zu malen, besaß diese Fähigkeit zur minutiösen Beobachtung der Realität, die später auch seinen Schüler auszeichnen sollte.
Die Chang’an-Schule und die Bildung einer Sensibilität
Die Chang’an-Schule, eine in den 1960er Jahren unter dem Einfluss von He Haixia und seinen Kollegen entstandene künstlerische Bewegung, propagierte eine Rückkehr zu den Quellen der chinesischen Landschaftsmalerei, während sie die Lektionen der Moderne integrierte. Diese Schule brach im Gegensatz zu den zeitgenössischen westlichen Kunstbewegungen nicht mit der Tradition: Sie erfand sie neu. An Qibang erbt diesen dialektischen Ansatz, der darin besteht, aus dem Alten zu schöpfen, um Neues zu schaffen.
Der Einfluss von He Haixia ist in der Art und Weise spürbar, wie An Qibang die Darstellung der Natur angeht. Seine frühen Werke, die in der Tradition des Shan Shui verwurzelt sind, zeigen bereits eine besondere Sensibilität für Lichteffekte und chromatische Variationen. Das Landschaftsgemälde “Shan Shui” aus dem Jahr 2018 zeugt von dieser technischen Meisterschaft, die von der Chang’an-Schule überliefert wurde: Die Komposition respektiert die traditionellen Codes von Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund, aber die chromatische Palette offenbart eine Kühnheit, die über die Konventionen hinausgeht.
Diese anfängliche Ausbildung erklärt, warum An Qibang niemals in die Falle der oberflächlichen Westernisierung tappen wird. Als er die westliche Kunst entdeckt, imitiert er sie nicht: Er hinterfragt sie aus seiner eigenen Kultur heraus. Diese intellektuelle Haltung, selten bei chinesischen Künstlern seiner Generation, ermöglicht es ihm, das zu entwickeln, was er selbst die Schule der Orientalischen Bildsprache nennt.
Die Schule von Chang’an hatte das grundlegende Prinzip, dass Kunst in der direkten Erfahrung der chinesischen Landschaft verankert sein sollte. An Qibang führt diese Überlegung weiter, indem er sie auf die Situation des zeitgenössischen Künstlers anwendet: Wie malt man, wenn man gereist ist, wenn man die westliche Kunst gesehen hat, wenn man in einer globalisierten Welt gelebt hat? Seine Antwort ist bemerkenswert ausgefeilt: Es geht nicht darum, zwischen Tradition und Moderne zu wählen, sondern eine Synthese zu schaffen, die beidem gerecht wird.
Diese Synthese manifestiert sich in seiner Maltechnik. An Qibang verwendet traditionelle chinesische Pigmente in Kompositionen, die Strukturen der westlichen Ölmalerei entlehnen. Diese technische Innovation, die weit über das rein Formale hinausgeht, drückt eine Weltanschauung aus, die Gegensätze versöhnt. In “Goldener Herbst” (2019) entlehnt die Konstruktion des Raumes die westliche Perspektive, aber die Qualität des Lichts und die Fluidität der Formen entsprechen der chinesischen Ästhetik.
Die Schule von Chang’an zeichnete sich auch dadurch aus, dass sie Emotion über reine technische Virtuosität stellte. An Qibang erbt diesen Ansatz in seiner Art, Farbe zu behandeln. Seine Leinwände vibrieren vor Energie, die über reine Handwerkskunst hinausgeht. Wenn er “Das Lied des Frühlings” (2020) malt, beschreibt er nicht nur eine Landschaft: Er überträgt die sinnliche Erfahrung der natürlichen Erneuerung in malerische Begriffe.
Dieser emotionale Ansatz der Malerei erklärt, warum es An Qibang gelingt, die Falle des Pastiche zu vermeiden. Seine Werke sind nie reine Stilübungen: Sie tragen die Spuren einer gelebten Erfahrung, einer Sensibilität, die durch jahrelange Beobachtung und Praxis geformt wurde. Die Schule von Chang’an lehrte ihn, dass Technik dem Ausdruck dienen muss und nicht umgekehrt.
Das Kabuki-Theater und die Kunst der Metamorphose
Wenn die Schule von Chang’an An Qibang die technischen und philosophischen Grundlagen seiner Kunst liefert, so offenbart sich sein tiefes Verständnis der Theatralität, die jeder künstlerischen Schöpfung innewohnt, in seiner Entdeckung des Kabuki-Theaters. Diese Begegnung, die während seiner Reisen nach Japan stattfindet, transformiert seine Vorstellung von Bild und Darstellung radikal.
Das Kabuki, eine Totalkunst, die Tanz, Musik, Gesang und visuelle Künste vereint, beruht auf dem Prinzip der extremen Stilisierung. Jede Geste, jedes Make-up, jedes Kostüm ist Teil eines strengen Codes, der die Realität in ein Schauspiel verwandelt. Diese Ästhetik der Metamorphose findet einen tiefen Widerhall in der Sensibilität von An Qibang, der erkennt, dass die Malerei nicht die Welt reproduzieren, sondern sie verklären sollte.
In seinen Werken aus der Zeit 2018-2020 beobachtet man diesen Einfluss des Kabuki in der Behandlung der menschlichen Figur. “Die Leiter” (2018) enthüllt Figuren, die aus einer theaterhaften Welt zu entspringen scheinen, in der die realistischen Konventionen aufgehoben sind. Diese Figuren, die mit einer weiten und stilisierten Gestik behandelt werden, erinnern an die Kabuki-Schauspieler in ihrer Fähigkeit, Emotionen durch die Verstärkung der Geste auszudrücken.
Das Kabuki lehrt auch, dass Schönheit aus der Spannung zwischen Zurückhaltung und Ausdruck entsteht. Diese Lektion findet sich in der Art und Weise wieder, wie An Qibang seine Kompositionen strukturiert. Seine erfolgreichsten Landschaften, wie “Am Teich” (2018), wechseln zwischen Zonen großer Farbintensität und visuellen Ruhepunkten. Dieser rhythmische Wechsel, charakteristisch für das Kabuki, verleiht seinen Gemälden eine musikalische Dimension, die über die bloße Darstellung hinausgeht.
Die Kunst des Kabuki offenbart An Qibang auch die Bedeutung des schöpferischen Prozesses. Im traditionellen japanischen Theater bilden die Vorbereitung des Schauspielers, sein Make-up, seine allmähliche Verwandlung in eine Figur ein Schauspiel an sich. An Qibang überträgt diesen Ansatz in seine Malerei, indem er eine Technik durch Übereinanderlagerung von Schichten entwickelt, die die Leinwand allmählich in ein Kunstwerk verwandelt.
Diese Technik, die er insbesondere in seinen abstrakten Werken anwendet, zeigt den Einfluss des Kabuki in seiner Auffassung von kreativer Zeit. Jede Farbschicht entspricht einem Moment der Schöpfung, und die endgültige Leinwand trägt die Spuren all dieser Schritte. „Hingabe” (2019) veranschaulicht diesen Ansatz perfekt: Das endgültige Werk ist das Ergebnis einer Ansammlung von malerischen Gesten, die die Oberfläche allmählich in einen dramatischen Raum verwandeln.
Das Kabuki lehrt schließlich, dass wahre Kunst aus der Beherrschung von Konventionen und deren gleichzeitiger Überwindung entsteht. An Qibang wendet diese Lektion in seiner Herangehensweise an die Malerei an. Seine Landschaften respektieren die Codes der traditionellen chinesischen Malerei, während sie sie durch die Einführung von chromatischen und kompositorischen Elementen, die der westlichen Kunst entlehnt sind, subvertieren.
Dieses Verständnis des Kabuki erklärt, warum es An Qibang gelingt, Werke zu schaffen, die sowohl tief chinesisch als auch universell verständlich sind. Wie der Kabuki-Schauspieler, der spezifische kulturelle Codes verwendet, um universelle Emotionen auszudrücken, verwendet An Qibang die Bildsprache seiner Kultur, um zu allen Publikum zu sprechen.
Die Kunst von An Qibang: Zwischen Figuration und Abstraktion
Das Werk von An Qibang zeichnet sich durch eine ständige Suche nach einem Gleichgewicht zwischen Figuration und Abstraktion aus, was eine künstlerische Reife zeigt, die die Einfachheit der Zeit ablehnt. Seine vollendeten Leinwände, wie „Adler des Gletschers”, der ihm eine Goldmedaille in Japan einbrachte, zeigen einen Künstler, der zwischen den Codes der traditionellen Darstellung und den Anforderungen der zeitgenössischen Kunst navigieren kann.
Diese Synthesefähigkeit zeigt sich zunächst in seiner Maltechnik. An Qibang entwickelt einen Ansatz, der darin besteht, traditionelle chinesische Pigmente in Kompositionen zu verwenden, die Strukturen der westlichen Ölmalerei entlehnen. Diese Innovation, die weit mehr als nur formal ist, spiegelt eine Weltanschauung wider, die Gegensätze versöhnt, ohne sie zu opponieren.
„Frühlingswiese” veranschaulicht diesen Ansatz perfekt. Das Werk entlehnt der chinesischen Tradition seine Fluidität und Evokationsfähigkeit, aber die Konstruktion des Raumes und die Behandlung des Lichts zeigen ein tiefes Verständnis der westlichen Malerei. Das Ergebnis übersteigt die Einflüsse und schafft eine autonome Bildsprache.
Diese Autonomie zeigt sich auch in seiner Herangehensweise an die Farbe. An Qibang entwickelt eine Palette, die aus den chinesischen chromatischen Traditionen schöpft und gleichzeitig die Errungenschaften des westlichen Impressionismus integriert. „Warten auf den Frühling” zeugt von dieser Meisterschaft: Die Grün- und Ockertöne sind nach einer Logik organisiert, die an traditionelle Tuschezeichnungen erinnert, aber ihre Intensität und Interaktion schaffen Tiefeneffekte, die zur westlichen Kunst gehören.
Der Künstler versteht, dass zeitgenössische Kunst eine kritische Haltung gegenüber Erbschaften erfordert. Seine abstraktesten Werke, wie „Traum” (2018), zeigen einen Künstler, der die Grenzen der Darstellung hinterfragt, ohne jemals in willkürliche Abstraktion zu verfallen. Jede Form, jede Farbe, jede malerische Geste bewahrt eine Verbindung zur sinnlichen Erfahrung der Welt.
Dieser kritische Ansatz zeigt sich in seiner Serie von Werken auf Papier, in die er kaligraphische Elemente in seine malerischen Kompositionen integriert. Diese Werke, die Schreiben und Malen nach chinesischer Tradition verbinden, zeigen einen Künstler, der sich der literarischen Dimension seiner Kunst bewusst ist. Die Orakel-Kalligraphie, eine Technik, die er entwickelt und die bis zum Royal College of Art begeistert, zeugt von dieser Fähigkeit, traditionelle Codes neu zu erfinden.
An Qibang lehnt auch den einfachen Gegensatz zwischen Volkskunst und Hochkunst ab. Seine zugänglichsten Werke wie “Paradies” bewahren eine technische Raffinesse, die Jahre der Ausbildung und Reflexion offenbart. Diese Fähigkeit, künstlerische Ansprüche mit der Kommunikation mit dem Publikum zu vereinen, zeugt von einer Reife, die vielen zeitgenössischen Künstlern fehlt.
Seine ehrgeizigsten Kompositionen wie “Vom Wasser zum Herbst” (2018) enthüllen einen Künstler, der versteht, dass die zeitgenössische Malerei die Frage des Bildes in einer von Darstellungen gesättigten Welt angehen muss. Seine Antwort besteht darin, Werke zu schaffen, die eine visuelle Erfahrung bieten, die sich nicht auf fotografische oder digitale Reproduktion reduzieren lässt.
Diese Irreduzibilität entsteht aus seiner Beherrschung der Material- und Textureffekte. An Qibang entwickelt eine Technik, die die taktilen Qualitäten der Malerei nutzt, um Oberflächen zu schaffen, die sich je nach Beleuchtung und Betrachtungswinkel verändern. Diese Aufmerksamkeit für die Materialität des Werks zeugt von einem Kunstverständnis, das die direkte Erfahrung gegenüber der Reproduktion bevorzugt.
Internationale Anerkennung und kritische Positionierung
Die internationale Anerkennung von An Qibang wirft grundlegende Fragen zur Rezeption der zeitgenössischen chinesischen Kunst im Westen auf. Seine Ausstellungen im Louvre, die Ankäufe seiner Werke durch die britische Königsfamilie, seine von der thailändischen Königsfamilie verliehene Medaille zeugen von einer Rezeption, die geografische und kulturelle Gräben überwindet.
Diese Anerkennung ist weder Zufall noch Mode. Sie offenbart einen Künstler, der eine bildnerische Sprache geschaffen hat, die in der Lage ist, mit den westlichen Kunsttraditionen zu dialogisieren, ohne seine eigenen Quellen zu verleugnen. Die Tatsache, dass König Charles III. persönlich Werke von An Qibang erworben hat, zeugt von dieser Fähigkeit, Liebhaber zu verführen, die in der westlichen Tradition ausgebildet wurden.
Die Veröffentlichung von “Melodie des Denkens”[2] bei Xlibris, einem der wichtigsten amerikanischen Verlagshäuser, bestätigt diese Anerkennung. Diese Monografie, die vollständig in Englisch verfasst und weltweit vertrieben wird, zeugt vom wachsenden Interesse an einem Künstler, der eine Alternative zur vorherrschenden westlichen Kunst bietet.
Diese Anerkennung wirft jedoch kritische Fragen auf. Vermeidet An Qibang die Falle des Exotismus? Widerstehen seine Werke der Versuchung, ein beruhigendes Bild der chinesischen Kunst zu bieten? Die Untersuchung seiner Gemälde enthüllt einen Künstler, der sich dieser Gefahren bewusst ist und sie durch die Raffinesse seines Ansatzes vermeiden kann.
Seine jüngsten Werke, wie die auf der Ausstellung “Melodie des Denkens” an der Nationalen Akademie der Malerei Chinas 2022 gezeigten, enthüllen einen Künstler, der seine Position als Mittler zwischen den Kulturen voll und ganz annimmt. Diese Position, die alles andere als bequem ist, verpflichtet ihn zu ständiger Anspruch und ständiger Selbsthinterfragung.
An Qibang versteht, dass die zeitgenössische chinesische Kunst die Frage der Universalität angehen muss, ohne ihre Spezifität zu opfern. Seine erfolgreichsten Werke gelingen es, diese schwierige Synthese zu schaffen, indem sie auf die Ressourcen seiner Herkunftskultur zurückgreifen, um Lösungen für die Fragen zu bieten, die sich die zeitgenössische Kunst stellt.
Dieser Ansatz erklärt, warum seine Werke in den anspruchsvollsten internationalen Sammlungen ihren Platz finden. Das Kanto-Kunstmuseum in Japan, die britischen Königssammlungen, die thailändischen Institutionen erkennen in An Qibang einen Künstler, der das weltweite Kulturerbe bereichert, ohne es zu verfälschen.
Seine Position auf dem Kunstmarkt bestätigt diese Anerkennung. Als einer der zwanzig führenden zeitgenössischen Künstler im chinesischen Artron-Index, regelmäßig in den Auktionen von Poly, Hanhai und Rongbaozhai vertreten, etabliert sich An Qibang als sicherer Wert auf dem Markt für zeitgenössische chinesische Kunst.
Dieser kommerzielle Erfolg könnte beunruhigen, aber eine Betrachtung der Werke enthüllt einen Künstler, der sich weigert, den einfachen Weg zu gehen. Seine am höchsten bewerteten Gemälde bewahren eine formale und konzeptionelle Strenge, die von einer seltenen künstlerischen Integrität zeugt. Der Erfolg korrumpiert die Kunst von An Qibang nicht: er bestätigt sie.
Der Künstler versteht endlich, dass internationale Anerkennung Verantwortung mit sich bringt. Seine wohltätigen Aktionen, insbesondere seine Spenden während der Covid-19-Epidemie, zeugen von einem sozialen Bewusstsein, das über die reine künstlerische Praxis hinausgeht. Diese humanistische Dimension verleiht seiner Kunst eine Tiefe, die ihren positiven Empfang erklärt.
Erbe und Perspektiven
An Qibang etabliert sich heute als unverzichtbare Figur der zeitgenössischen chinesischen Kunst, nicht durch Provokation oder um jeden Preis Originalität, sondern durch die Tiefe seiner Reflexion und die Qualität seiner Ausführung. Sein Werk zeugt von einer seltenen Fähigkeit, die Widersprüche seiner Zeit zu tragen, ohne sie durch Einfachheit zu lösen.
Die Schule des Orientalischen Bildes, die er gründet und entwickelt, bietet einen alternativen Weg zu den Sackgassen der zeitgenössischen Kunst. Angesichts der unfruchtbaren Opposition zwischen Tradition und Moderne schlägt An Qibang eine Synthese vor, die beiden Termen gerecht wird, ohne sie zu verraten. Dieser dialektische Ansatz eröffnet neue Perspektiven für die zeitgenössische chinesische Kunst.
Seine Schüler und Anhänger, die in seinen Ateliers ausgebildet oder von seinen Werken inspiriert wurden, beginnen, die Wege zu erkunden, die er eröffnet hat. Der Einfluss seines Ansatzes misst sich weniger an der Nachahmung seiner Methode als an der neuen Freiheit, die er chinesischen Künstlern gegenüber westlichen Modellen verleiht.
Dieser Einfluss zeigt sich auch in der erneuerten Begeisterung für Mischtechniken und die Hybridisierung von Praktiken. An Qibang hat gezeigt, dass es möglich ist, eine authentisch zeitgenössische Kunst zu schaffen, indem man auf die Ressourcen der eigenen Kultur zurückgreift. Diese Lektion geht über den chinesischen Rahmen hinaus und inspiriert alle Künstler, die mit der Frage der kulturellen Identität konfrontiert sind.
Die Zukunft wird zeigen, ob dieser Weg in einer zunehmend globalisierten Kunstwelt gangbar bleibt. Aber das Werk von An Qibang zeugt bereits von einer Möglichkeit: der Schaffung einer universellen Kunst ohne den Verlust ihrer Spezifität. Diese Lektion, in einem Moment, in dem sich die zeitgenössische Kunst über ihre eigenen Grundlagen befragt, verdient es, meditiert zu werden.
An Qibang erinnert uns daran, dass wahre Kunst aus der Spannung zwischen Treue und Innovation, zwischen Verwurzelung und Offenheit entsteht. Sein Werk zeugt durch seinen Reichtum und seine Kohärenz von dieser ewigen Wahrheit, die jede Epoche neu entdecken muss. In diesem Sinne ehrt er sowohl die Tradition als auch die Zukunft.
- China Daily, “Works by acclaimed painter on display“, 24. April 2018
- Xlibris Publishing, “Melody of Thought“, 2020
