Hört mir gut zu, ihr Snobs: Ben Sledsens malt das Gegenmittel zu eurem Zynismus. In seinen monumentalen Gemälden verwandelt der dreißigjährige Antwerpener die Banalität des Alltags in farbenfrohe Epen, in denen Kindheitsfabeln und malerische Erinnerungen verschmelzen. Wenn ihr zeitgenössische Kunst sucht, die eure urbanen Neurosen und existenziellen Ängste schmeichelt, zieht weiter. Sledsens erschafft etwas anderes: ein Paralleluniversum, in dem Schönheit nicht ihre Scham kennt.
Ausgebildet an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen schöpft Sledsens aus der Bildsprache von Henri Rousseau, Henri Matisse und Pieter Bruegel dem Älteren, um seine persönliche Mythologie aufzubauen. Seine Kompositionen mit kalkulierter Naivität entführen uns in Wälder mit geometrischen Bäumen, Interieurs voller unmöglicher Farben, Jagdszenen, in denen Frauen die traditionellen Männer ersetzen. Der Künstler gesteht selbst: “Ich arbeite nie auf eine Ausstellung hin, sondern von einem Werk zum nächsten; so inspiriert mich ein bestimmtes Werk, ein anderes zu beginnen” [1]. Dieser organische Ansatz erzeugt einen kohärenten Corpus, in dem jedes Gemälde mit den anderen in Dialog tritt und eine fiktive Welt schafft, die die Grenzen des Bildformats überschreitet.
Der belgische Maler entwickelt eine visuelle Sprache, die sich bei den Meistern bedient und gleichzeitig eine beunruhigende Eigenart bewahrt. Seine monochromen zitronengelben Landschaften oder seine Porträts mit rosigen Hauttönen erinnern an die Kühnheiten der Fauves, doch hier wirkt noch etwas anderes. Sledsens manipuliert die Perspektive mit der Lässigkeit eines mittelalterlichen Buchmalers und der technischen Raffinesse eines Postimpressionisten. Seine Figuren bewegen sich in Kulissen, in denen die räumliche Logik der reinen Emotion weicht. Wenn er “Im gelben Wald” (2022) malt, verwandelt er ein einfaches Unterholz in eine leuchtende Kathedrale, in der die Farbe fast halluzinogen wird.
Diese Ästhetik des Zaubers wurzelt in einer Kindheit, die von Märchen und Legenden geprägt wurde. Der Künstler erklärt: “Der narrative Aspekt ergibt sich unbeabsichtigt aus meiner Kindheit, in der Fabeln und Mythologie eine Rolle spielten. Ich habe lebhafte Erinnerungen daran, wie mein Großvater mir abends Geschichten vorlas, was einen bleibenden Eindruck hinterließ” [2]. Dieses Geständnis erhellt sein Gesamtwerk: Sledsens malt mit der Aufrichtigkeit eines Kindes, das die Welt entdeckt, und der Technik eines Virtuosen, der sein Medium perfekt beherrscht. Seine Füchse, Raben, Jägerinnen bewegen sich in einem vermenschlichten Tierreich, in dem jedes Tier eine symbolische Bedeutung aus Äsops Fabeln trägt.
Der interessanteste Aspekt dieser Malerei liegt in ihrer Fähigkeit, eine kohärente Kosmogonie zu schaffen, ohne in Hermetik zu verfallen. Sledsens entwickelt ein System wiederkehrender Figuren: den Vagabunden (der ihn selbst repräsentiert), die Jägerin (die seine Gefährtin Charlotte De Geyter verkörpert), die archetypischen Tiere. Diese Gestalten entwickeln sich von Bild zu Bild weiter und schaffen eine narrative Kontinuität, die jede Ausstellung zu einem Kapitel eines größeren visuellen Romans macht. Im Gegensatz zu zeitgenössischen Künstlern, die von Dekonstruktion und Ironie besessen sind, nimmt Sledsens das Vergnügen am Geschichtenerzählen voll an.
Der Einfluss der fantastischen Literatur durchdringt Sledsens’ Universum tiefgehend, insbesondere die europäischen Volksmärchen, die seit Jahrhunderten unser kollektives Vorstellungsbild prägen. Wie in den Erzählungen der Brüder Grimm oder von Charles Perrault beherbergen Sledsens’ Wälder Geheimnisse, in denen das Gewöhnliche ins Außergewöhnliche umschlägt. Seine Kompositionen erinnern an jene Momente narrativer Spannung, in denen alles kippen kann: die Ruhe vor dem Sturm, die unerwartete Begegnung am Wegesrand, der Moment vor der Offenbarung. Diese besondere Zeitlichkeit, die der Künstler selbst als “Climax-Momente” bezeichnet, verwandelt jedes Bild in eine potenzielle Erzählung.
In “Die Jägerin und der Vagabund” (2020) inszeniert Sledsens ein rätselhaftes Treffen seiner beiden Hauptalter Egos. Die Komposition erinnert unwiderstehlich an das Universum der wunderbaren Märchen: Zwei Figuren stehen sich in einer stilisierten Waldlandschaft gegenüber, ihre Haltungen deuten auf einen stummen Dialog voller Andeutungen hin. Wie in den besten Märchen verbirgt das Sichtbare das Unsichtbare, und der Betrachter wird zum Komplizen einer Geschichte, deren Hintergründe er erraten muss. Diese Fähigkeit, narrative Mehrdeutigkeit aufrechtzuerhalten, ohne in Dunkelheit zu verfallen, unterscheidet Sledsens von vielen zeitgenössischen Künstlern, die Geheimnis und Verwirrung verwechseln.
Der Künstler schöpft auch aus der literarischen Tradition des häuslichen Wunderbaren, jene Richtung, die die vertraute Umgebung in ein Theater außergewöhnlicher Ereignisse verwandelt. Seine farbgesättigten Innenräume, seine Gärten mit unmöglichen Perspektiven, seine Salons, die von üppiger Vegetation überwuchert sind, rufen die Ästhetik von Märchen hervor, in denen Magie in den banalsten Alltag eindringt. Diese Kontamination der Realität durch das Imaginäre vollzieht sich bei Sledsens mit bemerkenswerter Feinheit: Seine chromatischen Anomalien und perspektivischen Verzerrungen dringen allmählich ins Auge und schaffen ein Gefühl vertrauter Fremdheit, das besonders wirkungsvoll ist.
Die folkloristische Dimension seiner Arbeit wird durch ein tiefgehendes Wissen über traditionelle europäische Motive bereichert. Seine Tiere tragen die symbolische Ladung, die sich über Jahrhunderte mündlicher Überlieferung angesammelt hat: der listige Fuchs, der Rabe als Bote, der schützende Bär. Doch Sledsens vermeidet das Klischee des Pittoresken, indem er diese Archetypen in eine zeitgenössische bildliche Sprache aktualisiert. Seine hybriden Kreaturen zwischen Realismus und Stilisierung erinnern gleichzeitig an Volkskunst und museale Raffinesse und schlagen eine Brücke zwischen gelehrter Kultur und kollektiver Vorstellungskraft.
Sledsens’ Verhältnis zur Architektur offenbart eine zusätzliche Dimension seines schöpferischen Genies, die besonders in seiner Art, den Bildraum als bewohnbare Umgebung zu konzipieren, sichtbar wird. Im Gegensatz zu Malern, die die Leinwand als flache Fläche behandeln, baut Sledsens echte visuelle Architekturen, in die der Betrachter mental eintreten und umherwandeln kann. Seine Kompositionen organisieren sich nach einer räumlichen Logik, die sowohl den flämischen Meistern als auch zeitgenössischen Architekten verpflichtet ist.
Dieser architektonische Ansatz manifestiert sich zuerst in seiner Handhabung der Tiefenschärfe. Sledsens schichtet den Raum in aufeinander folgende Ebenen, die wie die Räume eines komplexen Gebäudes ineinandergreifen. Seine Vordergründe sind oft überreich mit dekorativen Elementen (Blumen, Gegenstände, Figuren) gefüllt, die als Eingangsschwellen in das Bild fungieren. Seine Hintergründe ordnen sich in berechneten Perspektiven, die den Blick zu wohlüberlegten Fluchtpunkten führen. Diese kunstvolle Raumkonstruktion erinnert an die gemalten Architekturen der Renaissance, bewahrt jedoch eine resolut zeitgenössische Freiheit der Behandlung.
Der Einfluss der traditionellen flämischen Architektur zeigt sich in seinen Innenräumen mit großzügigen Volumen und sorgfältig katalogisierten Details. Sledsens malt bürgerliche Salons mit farbigen Holzvertäfelungen, von Vegetation überwucherte Veranden, Schlafzimmer mit schillernden Tapeten, die das Anwerpsche Lebensgefühl evoziieren. Aber er verwandelt diese vertrauten Räume, indem er sie mit unmöglichen Farben sättigt und Traumelemente einführt, die die übliche dekorative Logik stören. Ein rosaroter Salon, ein Schlafzimmer mit elektrisches Blau an den Wänden, ein Wintergarten mit geometrischen Pflanzen: Sledsens verwandelt die häusliche Architektur in ein Märchendekor.
Diese architektonische Sensibilität zeigt sich auch in seiner Art, Landschaften zu komponieren. Seine Wälder organisieren sich nach einer strengen Geometrie, in der jeder Baum seinen Platz innerhalb eines harmonischen Ganzen findet. Seine Lichtungen zeichnen perfekt definierte Theaterräume, in denen seine erzählerischen Inszenierungen sich entfalten können. Seine Berge und Seen erschaffen Horizonte, die den Bildraum mit der Präzision eines Stadtplaners strukturieren. Diese Raumbeherrschung offenbart bei Sledsens ein intuitives Verständnis der architektonischen Gesetze, das seine expressive Palette erheblich bereichert.
Der Künstler verwandelt seine Leinwände auch in wahre immersive Umgebungen dank seiner monumentalen Formate. Seine großen Leinwände (oft über zwei Meter) erzeugen eine besondere physische Beziehung zum Betrachter, der buchstäblich vom Bild umhüllt wird. Diese umgebungsbezogene Dimension bringt Sledsens den zeitgenössischen Architekten näher, die Gesamträume entwerfen, um das sensorische Erlebnis der Besucher zu verändern. Seine Ausstellungen werden so zu architektonischen Rundgängen, bei denen jedes Werk mit dem Ausstellungsraum im Dialog steht, um eine globale Atmosphäre zu schaffen.
Der kommerzielle Erfolg von Sledsens ärgert einige Puristen, die darin einen Beweis für eine Kompromittierung mit dem Kunstmarkt sehen. Die bei Auktionen erzielten Preise seiner Werke (über 250.000 Dollar für “Two Bathers” im Jahr 2022) zeugen von einer Begeisterung, die den Kreis der Insidern bei weitem übersteigt. Aber diese Popularität spiegelt vielleicht einfach die Fähigkeit des Künstlers wider, Bilder zu schaffen, die zu unserer Zeit sprechen, ohne ihre ästhetischen Ambitionen aufzugeben.
Seine Sammler irren sich nicht: Sie kaufen Fragmente von Utopie, Stücke von Traum, die in der Malerei kristallisiert sind. Tim Van Laere, sein langjähriger Galerist, sagt nichts anderes, wenn er behauptet, dass “Ben seine eigene Welt erschafft: ein alternatives Universum, eine Art Utopie” [3]. Diese Ausflussdimension seiner Arbeit beantwortet ein tiefes Bedürfnis unserer ernüchterten Zeit. Sledsens bietet eine glaubwürdige Alternative zum vorherrschenden Pessimismus, ohne in Kitsch oder freiwillige Blindheit zu verfallen.
Die Technik von Sledsens ist besonders interessant. Er kombiniert Acryl, Öl und gelegentlich Sprayfarbe, um Texturen von erstaunlicher Reichhaltigkeit zu schaffen. Seine moosigen Grüntöne, pudrigen Rosatöne, elektrischen Blautöne scheinen direkt aus einem imaginären Farbmetrielehrbuch zu stammen. Diese Beherrschung des Handwerks, die er während seiner akademischen Ausbildung erworben hat, erlaubt ihm alle chromatischen Kühnheiten, ohne jemals in willkürliche Dekoration zu verfallen. Jede Farbe findet ihre Rechtfertigung in der Gesamtökonomie des Werks.
Die Langsamkeit seiner Produktion (ein Monat pro Leinwand) offenbart einen Perfektionisten, der Qualität über Quantität stellt. Dieser handwerkliche Ansatz kontrastiert mit der industriellen Produktion vieler zeitgenössischer Künstler. Sledsens malt wie ein mittelalterlicher Buchmaler, sammelt Details mit der Geduld eines Goldschmieds. Diese besondere Zeitlichkeit verleiht seinen Werken eine visuelle Dichte, die die verlängerte Aufmerksamkeit des Betrachters belohnt.
Die jüngste Entwicklung von Sledsens hin zur Keramikskulptur bereichert noch weiter sein plastisches Vokabular. Seine bemalten Vasen erkunden die Beziehungen zwischen Oberfläche und Volumen, zwischen Zweidimensionalität und Dreidimensionalität. Diese technische Diversifizierung zeugt von einer künstlerischen Neugier, die sich weigert, sich in eine bewährte Formel einzuschließen. Der Künstler erklärt: “Es gibt eine lange Geschichte der Form und Funktion der Vase in fast allen entwickelten Kulturen” [4]. Dieses historische Bewusstsein nährt seine zeitgenössische Suche nach einer persönlichen plastischen Sprache.
Ben Sledsens erfindet eine Malerei des Glücks, die dank ihrer technischen Raffinesse und kulturellen Bildung die Fallen von Kitsch vermeidet. Er beweist, dass man populäre Kunst schaffen kann, ohne populistisch zu sein, zugängliche Kunst ohne simpel zu sein. Seine Werke versöhnen endlich Schönheit und Intelligenz, ästhetisches Vergnügen und konzeptuelle Tiefe. In einer oft von Neurose und Selbstgeißelung dominierten Kunstlandschaft schlägt Sledsens einen alternativen Weg vor: den der bewussten Verzauberung und der Freude am Malen.
- Camilla Boemio, “Ben Sledsens”, Kuratorleitfaden, Januar 2024
- Ebd.
- “Buch der Woche: Ben Sledsens”, Imagicasa, März 2025
- “Ben Sledsens präsentiert neue Gemälde und Skulpturen in der Tim Van Laere Gallery”, Club Paradis, 2022
