Hört mir gut zu, ihr Snobs, während ihr alle den neuesten leeren Konzeptinstallationen nachjagt, bot uns eine australische Frau, bewaffnet nur mit einem Stück Holz, Meißeln und Aquarellen, eine Lektion über die offenbarende Kraft des Intimen. Cressida Campbell, diese Alchimistin des Banalen, hat mehrere Jahrzehnte damit verbracht, häusliche Szenen in Gemälde von erschütternder Schönheit zu verwandeln, die ihre scheinbare Einfachheit transzendieren.
In einer Epoche, die von durchschlagender Neuheit besessen ist, hat Campbell den Weg des stillen Widerstands gewählt. Ihre Stillleben, Hafenansichten und Interieurs sind mit einer fast schmerzhaften Detailgenauigkeit zu betrachten und verlangen eine Aufmerksamkeit, die unsere digitale Gesellschaft scheinbar nicht mehr aufbringen kann. Jedes Werk, sei es ein bemaltes, graviertes Holzbrett oder ein Unikat-Druck, repräsentiert Wochen, manchmal Monate an Arbeit. Dieser zeitliche Luxus ist an sich schon politisch.
Campbells Werk konfrontiert uns mit unserer eigenen Ungeduld. Ihre Aquarelle auf graviertem Holz, die anschließend als Unikatauflage gedruckt werden, ein Verfahren, das sie seit ihren Studien perfektioniert hat, verlangen ein kontemplatives Engagement, das unsere Kultur der Schnelligkeit als suspekt betrachtet. Ihre hybride Technik, irgendwo zwischen Malerei und Druckgrafik, stellt das genaue Gegenteil unserer Gesellschaft der sofortigen Befriedigung dar.
Campbells Einzigartigkeit liegt in dieser paradoxen Beziehung zur Zeit. Wie der Philosoph Henri Bergson uns lehrt, gibt es eine wesentliche Unterscheidung zwischen der von der Uhr gemessenen Zeit und der “reinen Dauer”, jener subjektiven Zeiterfahrung, die sich der Quantifizierung entzieht [1]. Campbells Werke verkörpern diese bergsonsche Dauer. In “Night Interior” (2017) schafft das durch die Vorhänge gefilterte Licht eine schwebende Atmosphäre, in der Alltagsgegenstände, ein Tisch, ein Stuhl, ein Buch, zu Akteuren eines intimen zeitlichen Theaters werden.
Bergson betonte die Bedeutung der “Intuition” als Mittel, diese gelebte Dauer zu erfassen, im Gegensatz zum analytischen Verstand, der nur den gefrorenen Moment erfassen kann. Campbell scheint in ihrem kreativen Vorgehen diesen intuitiven Zugang zu wählen und lädt uns zu einer direkten sinnlichen Erfahrung ein statt zu einer intellektualisierten Lesart. Ihre Stillleben sind keine statischen Kompositionen, sondern Lebensmomente, eingefangen in ihrer kaum wahrnehmbaren Bewegung.
Nehmen wir “Poppies” (2005), wo eine Vase mit Blumen zu vibrieren scheint, fast greifbar von einem inneren Leben. Es ist nicht einfach eine botanische Darstellung, sondern eine visuelle Meditation über den Verstreichen der Zeit. Bergson schrieb, dass “die Dauer der kontinuierliche Fortschritt der Vergangenheit ist, die die Zukunft zehrt und beim Voranschreiten anschwillt” [2]. Die Blumen von Campbell tragen in ihrer zarten Fülle bereits die Zeichen ihres unausweichlichen Welkens, während sie gleichzeitig ihre gegenwärtige Schönheit feiern.
Was Campbell von ihren zeitgenössischen Künstlern unterscheidet, ist gerade dieses ausgeprägte Bewusstsein für die Zeitlichkeit, die in jedem Objekt eingeschrieben ist. Ihre häuslichen Interieurs sind nie starr, sondern scheinen von einem stillen Leben zu atmen. Das Licht, das “Interior with Red Ginger” (1998) durchflutet, ist nicht nur ein malerischer Effekt, sondern eine konkrete Manifestation der vergehenden Zeit, die den Raum durch ihre flüchtige Präsenz verwandelt.
Der Filmemacher Andreï Tarkowski spricht in seinem Werk “Die versiegelte Zeit” vom Kino als einer Kunst, die “die Zeit formt”. Campbell gelingt es mit ihren statischen Mitteln paradoxerweise zu einem ähnlichen Ergebnis. Ihre Kompositionen fangen das ein, was Tarkowski “den Druck der Zeit” nennt, diese undefinierbare Präsenz, die den Objekten ihre besondere Aura verleiht [3]. Schauen Sie sich “The Verandah” (1987) an und Sie werden fast die Meeresbrise spüren, das leise Klimpern der Gegenstände hören, die langsame Verwitterung des Holzes unter dem Einfluss von Salz und Sonne wahrnehmen.
Jahrelang wurde sie von Institutionen und Kritikern als “dekortive” Künstlerin abgestempelt, ein herablassender Begriff, den das Establishment oft Künstlerinnen zuteilt, die grandiose Haltungen ablehnen. Sie haben nicht erkannt, dass unter der scheinbaren Sanftheit ihrer Kompositionen eine stille Radikalität verborgen liegt, eine Bestätigung des Werts des aufmerksamen Blicks in einer Welt ständiger Ablenkungen.
Campbells Werk resoniert besonders mit den Überlegungen des Soziologen Georg Simmel über die Erfahrung der urbanen Moderne. In seinem Essay “Die Großstädte und das Geistesleben” analysiert Simmel, wie die Intensivierung der nervösen Reize in der modernen Metropole eine gleichgültige Haltung, ein Abstumpfen der Sensibilität als Abwehrmechanismus hervorbringt [4]. Angesichts dieser sensorischen Betäubung schlägt Campbell eine Wiedererziehung des Blicks vor.
Ihre Gemälde wirken wie Gegenmittel gegen das, was Simmel als “Intensivierung des nervösen Lebens” bezeichnet, kennzeichnend für unsere Zeit. Indem sie uns einlädt, eine Anordnung von Muscheln, einen leeren Stuhl im Licht oder einen Garten nach dem Regen zu betrachten, schenkt sie uns das, was die moderne Stadt uns raubt: die Fähigkeit zur nachhaltigen Aufmerksamkeit, die Wahrnehmung von Nuancen, die Wertschätzung langsamer Rhythmen.
Simmel beobachtete, dass “das Wesen der gleichgültigen Haltung in der Abstumpfung der Unterscheidungsfähigkeit besteht”. Campbell kämpft genau gegen diese Tendenz, indem sie uns zu einer minutiösen Beobachtung zwingt. Ihre Holzschnitte, mit ihren unendlichen Details und subtilen Farbnuancen, fordern und belohnen einen differenzierenden Blick. Sie stellen unsere Fähigkeit wieder her, die Unterschiede wahrzunehmen, die Bedeutung haben.
In “Eucalypt Forest” wird der australische Wald nicht auf einen Gesamteindruck reduziert, sondern in der Einzigartigkeit jedes Stammes, jedes Blattes, jedes Schattenspiels enthüllt. Diese mikroskopische Aufmerksamkeit auf das Besondere ist die ästhetische Manifestation dessen, was Simmel “qualitativen Individualismus” nannte, diesen Widerstand gegen die Homogenisierung, die moderne Gesellschaften kennzeichnet.
Campbell praktiziert eine Form der visuellen Soziologie, indem sie nicht nur zeitgenössische australische Wohnräume dokumentiert, sondern auch die Beziehungen, die wir zu diesen Räumen pflegen. Ihre Innenräume sind niemals neutral; sie sind voller sozialer Bedeutungen, persönlicher Geschichten und Spuren des Wohnens. Das Fehlen menschlicher Figuren macht diese Bedeutungen noch greifbarer.
Nehmen Sie “Bedroom Nocturne” (2022), dieses zirkuläre Werk, das ein ungemachtes Bett in der Dämmerung einfängt. Es ist nicht einfach ein technisches Meisterwerk, sondern eine Meditation über Intimität, über die Grenze zwischen öffentlichem und privatem Raum, über die täglichen Rituale, die unser Leben strukturieren. Simmel hätte in diesem Werk eine Erforschung dessen erkannt, was er “die Formen der Sozialisation” nannte, jene räumlichen Konfigurationen, die unsere sozialen Beziehungen ausdrücken und beeinflussen.
Was in Campbells Gemälden auffällt, ist ihre Art, gewöhnliche Gegenstände in Embleme einer subtilen Australität zu verwandeln. Ihre Ansichten des Sydney Harbour, ihre Blumenkompositionen mit einheimischer Flora, ihre Innenräume, die von einem spezifisch australischen Licht durchflutet sind, all diese Elemente bilden eine poetische Kartographie der zeitgenössischen australischen Identität, fernab von touristischen Klischees.
In ihrem Werk zeigt sich eine auffallende Parallele zu den japanischen Ukiyo-e-Drucken, die sie stark beeinflusst haben. Wie die Meister Hokusai oder Hiroshige, die die “Bilder der fließenden Welt” einfingen, hält Campbell flüchtige Momente und vorübergehende Realitätskonfigurationen fest. Doch während die japanischen Künstler das städtische Vergnügen feierten, findet Campbell ihr Material in der Poesie des Häuslichen, in den Zwischenräumen, in denen das Leben ohne Pathos sich entfaltet.
Betrachten Sie genau “Shelf Still Life” (2012), in dem Vasen und Kapuzinerkresse vor Fragmenten von Ukiyo-e-Drucken arrangiert sind. Diese Mise-en-abyme offenbart Campbells scharfes Bewusstsein für ihre künstlerische Herkunft und zugleich ihre Differenz. Die japanischen Künstler verwendeten für ihre Farbdrucke mehrere Blöcke; sie nutzt nur einen, bemalt ihn aber mit einer Sorgfalt, die deren Techniken ebenbürtig ist.
In diesem Werk wie in anderen spielt Campbell mit den Konventionen des Bildausschnitts, der Asymmetrie und der Perspektive. Sie übernimmt von den Japanern ihr Gespür für Komposition, passt es jedoch ihrer tief australischen Sichtweise an. Diese kreative Aneignung bildet einen faszinierenden transkulturellen Dialog, der beide Traditionen bereichert, ohne sie zu verfälschen.
Campbells mediale Zurückhaltung steht im Gegensatz zu ihrer Popularität bei privaten Sammlern. Ihre Werke erzielen mittlerweile schwindelerregende Preise, mehr als 500.000 australische Dollar für “The Verandah” im Jahr 2022. Diese späte Anerkennung durch den Markt hat ihre Herangehensweise nicht verändert. Sie produziert weiterhin fünf oder sechs Werke pro Jahr und weigert sich, ihren kreativen Prozess zu beschleunigen, um der Nachfrage gerecht zu werden.
Diese bewusste Langsamkeit ist vielleicht ihre größte Provokation in einer zeitgenössischen Kunstwelt, die von Produktivität und ständiger Neuerung besessen ist. Campbell erinnert uns daran, dass manche Dinge, geduldige Beobachtung, technisches Verfeinern, die Reifung einer Vision, nicht überstürzt werden können. Damit verkörpert sie eine Form des Widerstands gegen den dominierenden Kulturkapitalismus.
Ihre jüngsten Werke zeigen eine Entwicklung hin zu komplexeren Kompositionen, subtileren Lichtspielen und größerer Sicherheit im Umgang mit Räumen. Die Tondi (kreisförmigen Werke), die sie in den letzten Jahren zu schaffen begonnen hat, stellen eine neue kompositorische Herausforderung dar, die sie mit Bravour meistert. In diesen perfekten Kreisen erzeugen die geraden Linien der Innenräume faszinierende visuelle Spannungen, wie in “Book, Chair and Black Bamboo” (2021).
Wenn die Documenta und die Biennale von Venedig das Genie von Campbell noch nicht anerkannt haben, dann vielleicht, weil ihr Werk sich den einfachen Kategorisierungen widersetzt. Sie ist weder traditionell noch avantgardistisch, weder konzeptionell noch rein technisch. Sie nimmt diesen Zwischenraum ein, unendlich fruchtbar, in dem die rigorose Beobachtung der Realität auf die Freiheit formaler Erfindung trifft.
Die Retrospektive in der National Gallery of Australia (vom 24. September 2022 bis zum 19. Februar 2023), die mehr als 140 ihrer Werke präsentierte, markierte endlich eine bedeutende institutionelle Anerkennung. Es war an der Zeit, dass die Museen aufholten, was private Sammler schon lange wussten: Cressida Campbell ist eine der singulärsten und am besten etablierten Stimmen der zeitgenössischen australischen Kunst.
In einer Zeit, die von technologischer Innovation besessen ist, erinnert uns Campbell daran, dass einige alte Techniken, wie der Holzschnitt, noch unerforschte Möglichkeiten bergen. Ihr Werk zeigt, dass wahre Originalität nicht unbedingt in spektakulären Brüchen liegt, sondern manchmal im geduldigen Vertiefen eines persönlichen Weges.
Das Erstaunliche an ihrer Arbeit ist die Art und Weise, wie sie technische Präzision und atmosphärische Sensibilität miteinander vereint. Ihre Interieurs, wie “Night Interior” (2017), sind sowohl streng konstruiert als auch von einer Atmosphäre durchdrungen, die sich jeglicher Messung entzieht. Diese Spannung zwischen Exaktheit und Andeutung ist einer der stärksten Antriebe ihres Werks.
Campbell bietet uns eine wertvolle Lektion: In einer von Bildern übersättigten Welt besteht die wahre Subversion nicht darin, zu schockieren, sondern darin, wieder lernen zu sehen. Ihre Gemälde schreien nicht nach Aufmerksamkeit; sie warten darauf, dass wir uns die Zeit nehmen, sie zu entdecken, so wie man eine Landschaft in der Morgendämmerung still und aufmerksam entdeckt.
Wenn Sie immer noch denken, dass Campbell einfach eine “dekatorische” Künstlerin ist, haben Sie nichts verstanden. Ihr Werk ist eine visuelle Meditation über Zeit, Erinnerung, die Schönheit des Alltäglichen und ein meisterhafter Beweis dafür, was Kunst noch mit den traditionellsten Mitteln erreichen kann. Sie hat eine hybride Technik in eine persönliche Sprache verwandelt, die die subtilsten Nuancen der zeitgenössischen Erfahrung auszudrücken vermag.
In einer von Haltungen und Diskursen dominierten Kunstwelt erinnert uns Campbell an eine fundamentale Wahrheit: Kunst ist vor allem eine Frage des Blicks. Und was für ein Blick ist ihrer! Aufmerksam, geduldig, liebesvoll der sichtbaren Welt in all ihren Manifestationen zugewandt. Ein Blick, der das Banale in das Außergewöhnliche verwandelt, nicht durch Zauberei, sondern durch die Gnade wahrer Aufmerksamkeit.
- Bergson, Henri. Versuch über die unmittelbaren Daten des Bewusstseins. Presses Universitaires de France, 1889.
- Bergson, Henri. Die schöpferische Entwicklung. Presses Universitaires de France, 1907.
- Tarkovski, Andreï. Die versiegelte Zeit. Cahiers du cinéma, 1989.
- Simmel, Georg. “Die Großstädte und das Geistesleben” in Philosophie der Moderne. Payot, 1989 (Originaltext stammt aus einem Vortrag, der 1902 an der Gehe Stiftung in Dresden gehalten und ein Jahr später in der Zeitschrift Jahrbuch der Gehe-Stiftung veröffentlicht wurde).
