Die geheime Turbulenz in den Gemälden von Victor Man

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Victor Man ist kein Künstler, den man leichtfertig angeht, so wie man es bei einer Ausstellung mit Blumenmalerei in einer Viertelgalerie täte. Sein düsteres und mysteriöses malerisches Universum verlangt besondere Aufmerksamkeit, die Bereitschaft, sich in seinen visuellen Labyrinthen zu verlieren, in denen sich die menschliche Identität fragmentiert und sich in rätselhaften Gemälden neu zusammensetzt, die eine direkte Lesart verweigern.

Victor Man, geboren 1974 in Cluj, Rumänien, trat auf der internationalen Kunstszene hervor, als sich Osteuropa in der Welt der zeitgenössischen Kunst nach dem Fall der Mauer zu behaupten begann. Bekannt wurde er weithin 2007 bei der Biennale von Venedig; seit zwanzig Jahren erforscht seine Arbeit die virtuosen Obsessionen einer darstellenden Malerei, die ebenso sehr Fragen aufwirft wie sie behauptet. Aber erwarten Sie keine einfachen Erklärungen, Man pflegt die Ambiguität wie andere ihren Garten kultivieren.

Seine Malerei evoziert eine anhaltende Dämmerung, einen Zwischenzustand, in dem Formen in einer reduzierten Palette von Schwarz, tiefen Blau- und Dunkelgrüntönen auftauchen. Man könnte von einer Ästhetik des Geheimnisses sprechen, aber das wäre zu simpel. Vielmehr handelt es sich um eine visuelle Archäologie, in der jede Schicht ebenso viel enthüllt wie verbirgt, in der sich kollektives und persönliches Gedächtnis in einem Spiel ständiger Referenzen vermischen.

Der rumänische Künstler praktiziert eine subtile Kunst des Umdeutens, indem er Bilder aus verschiedenen Quellen, Medien, Kunstgeschichte, Popkultur, entnimmt, um sie ihrer ursprünglichen Bedeutung zu entkleiden. Wie er selbst erklärt: “Ich verwende oft Bilder, die in den Medien eine bestimmte spezifische Bedeutung haben. Sie zu entleeren bedeutet, dass ich sie nicht wegen ihres ‚Wertes‘ auswähle, sondern wegen ihres repräsentativen Potenzials als Bilder, um einen neuen Inhalt mit ihnen aufzubauen” ^[1]. Dieser Prozess der Kontextualisierung schafft ein visuelles Universum, in dem der Betrachter mit unvollständigen narrativen Fragmenten konfrontiert wird, mit unterbrochenen Geschichten, die die Vorstellungskraft anregen, ohne sie je vollständig zu befriedigen.

Bei seiner ersten Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten mit dem Titel “Black Hearts Always Bleed Red” setzte Man diese Strategie mit beeindruckender Effektivität um. Die Installationen, die hauptsächlich aus Gemälden und Drucke auf Acetat in atmosphärischen Grautönen bestehen, schwebten an den Wänden wie Reliquien geheimer Gesellschaften, losgelöst und treibend in den weißen Räumen der Galerie, undicht für den Blick der Betrachter. Mit anderen Worten, die Bilder von Man sind nicht geschichtslos, aber sie weigern sich, diese preiszugeben. Die meisten stammen aus Medienquellen, ausgewählt, um “den Betrachter zu provozieren, seine eigene Anerkennung zu suchen” und wegen ihres Potenzials, sich gegenseitig zu beeinflussen, eine Strategie, die von früheren Erzählungen abweicht, die am individuellen Bild ^[2] verweilen könnten.

Mans malerischer Stil ist zart und subtil und erinnert an die ähnlich traumhaften Bilder von Luc Tuymans. Für beide Künstler berühren feine Farbschichten sanft die Oberfläche der Leinwand, so dass das Motiv in seiner eigenen ätherischen Oberfläche eingebettet bleibt. Doch Mans Arbeiten lehnen die Definition ab, die die Sujets Tuymans in eine größere historische Erzählung einbettet. Stattdessen trifft er genau den Punkt, an dem Bedeutung zu kristallisieren beginnt ^[3].

Diese Spannung zwischen Enthüllung und Verbergung zieht sich durch Mans gesamtes Werk. Sie entspricht dem, was Jacques Lacan in seinem Aufsatz auf dem 16. Kongress der Internationalen Psychoanalytischen Vereinigung 1949 als den Gründungsmoment der Ich-Bildung im Spiegelbild identifizierte. Identität, wie Lacan sie verstand, entsteht in der Anerkennung des Bildes als das Selbst. Wesentlich folgt die Darstellung der menschlichen Form in der Kunst demselben Muster: Als Spiegel fungierend, spielt das Kunstwerk den Moment der Anerkennung in einem Austausch nach, der letztlich den Betrachter beruhigt ^[4].

Die lacan’sche Psychoanalyse bietet einen relevanten Schlüssel für die Betrachtung von Victor Mans Werk. Wenn Identität in der Anerkennung des Spiegelbildes entsteht, was geschieht, wenn dieses Bild fragmentiert, verdunkelt, teilweise unsichtbar gemacht wird? Die menschlichen Figuren in Mans Gemälden sind oft enthauptet, maskiert oder teilweise sichtbar, wie in der Serie “The Chandler” (2013), in der eine Frau, deren Kopf oben im Bild absichtlich abgeschnitten wurde, einen Kopf, wahrscheinlich ihren eigenen, auf dem Schoß hält, wobei sie durch subtile Variationen in anderen Gemälden ihre Position geheimnisvoll verändert. Man erweitert diese surreale Tradition der Kopflosigkeit auf ebenso düstere Höhen, wie in ähnlichen Werken wie “Untitled” (2012), in denen der Kopf eines jungen Mannes großteils von der Faust bedeckt ist, auf die er sich stützt, eine Faust, die gleichzeitig als Sockel für einen schwarzen Schädel dient, der dem jungen Mann teilweise die Sicht nach vorne versperrt ^[5].

Diese Störung des Spiegelbildes schafft einen Riss im Identifikationsprozess, einen Raum, in dem die Identität instabil, fließend und offen für vielfältige Interpretationen wird. Gerade in diesem Raum liegt die Kraft von Mans Werk, nicht in der Behauptung einer festen Identität, sondern in der Erkundung der unendlichen Möglichkeiten, die sich eröffnen, wenn Identität infrage gestellt wird.

Aber die Psychoanalyse ist nur eine der vielen möglichen Interpretationsebenen von Mans Werk. Seine heideggerianische Tendenz ist wohl kein Zufall, wenn man das Dasein als ein “Da-Sein” auf einer horizontalen Ebene betrachtet, deren Parallelität zu den anderen diesmal eine vertikale Verschiebung seiner Horizontlinie unterlegt. Die Silhouetten und Gesichter überlappen sich, stimmen überein und vervielfältigen sich in den Zügen anderer, die das Gedächtnis verwechselt, und zwar bestimmt weniger unabsichtlich als erwartet. Die Versuchung entsteht, ein mentales und persönliches Erbe zu rekonstruieren, indem der Betrachter eingeladen wird, in die Schichten der Darstellungen einzutauchen, hinter die Schatten und vor die Schleier die vielfältigen Mischungen zu lesen, die jede der Figuren, jede der Erinnerungen des Künstlers zu einer Chimäre machen, die weiterhin die Gegenwart heimsucht ^[6].

Die existenzialistische Philosophie von Martin Heidegger mit ihrem Konzept des In-der-Welt-Seins und ihrer Analyse der Angst als Offenbarung unserer grundsätzlichen Existenzbedingung findet in Mans Gemälden ein visuelles Echo. Die einsamen Figuren, eingetaucht in dämmrige Atmosphären, verkörpern diesen existenziellen Zustand, in dem der Mensch seiner Endlichkeit und der Absurdität seiner Existenz gegenübersteht. Aber im Gegensatz zu Heidegger sucht Man nicht, diese existenzielle Angst zu lösen, sondern er erforscht sie, seziert sie, verwandelt sie in ästhetische Erfahrung.

Mans Werke sind von einer dunklen, melancholischen Atmosphäre durchdrungen, in der sich grundlegende Anliegen hinsichtlich der persönlichen Identität, des kollektiven Gedächtnisses und des Heiligen mit Gewalt, Mystik und Erotik vermischen ^[7]. Diese thematische Komplexität spiegelt sich in einem malerischen Ansatz wider, der einfache Kategorisierungen herausfordert. Sein Stil, komplex und schwer zu kategorisieren, offenbart zahlreiche Bezüge zur Kunstgeschichte und stellt gleichzeitig eine einzigartige Position in der zeitgenössischen Malerei dar.

Einzeln betrachtet oder als Ganzes entlassen die Werke von Victor Man Bruchstücke unvollendeter Geschichten, die freie Assoziationen der Betrachter anregen und eine gewisse Orientierungslosigkeit hervorrufen. Wie der Künstler selbst erklärt: “Ich vermeide es, meinen Werken einen endgültigen Status zu verleihen. Ich mag die Idee, die Dinge sanft zu durchdringen und eine gewisse Distanz zu wahren. Wenn die Dinge zu explizit werden, füge ich ein weiteres Element hinzu, das ihre Kohärenz durcheinanderbringt” ^[8]. Diese Zweideutigkeit zeigt sich in Victor Mans Beziehung zu den Bildern, die als Ausgangspunkte seiner Werke dienen. Aus ihrem Kontext gerissen, werden diese Bilder von ihrer ursprünglichen Bedeutung „entleert” und nehmen andere, subliminalere Bedeutungsebenen an.

Aber täuschen Sie sich nicht, diese Verweigerung eines expliziten Sinns ist keine nihilistische Geste. Es ist vielmehr eine Einladung zu einer tieferen, engagierteren Aufmerksamkeit. Wie Neville Wakefield in seinem Interview mit dem Künstler für Flash Art bemerkte: “Es ist interessant, was in einer Unterschrift enthalten ist, die Menge an Informationen. Ich denke daran, wie die künstlerische Identität verdichtet wird. Wie vielleicht die Leute Victor Mans Werk als zugehörig zu oder repräsentativ für eine bestimmte Art von Malerei oder Installation verstehen. Es ist interessant, in welchem Maße all diese Informationen in der Unterschrift enthalten sind, selbst wenn die Unterschrift ein Stil ist” ^[9].

Diese Idee der Signatur als Stil ist besonders relevant, um das Werk von Man zu verstehen. Seine dunkle Farbpalette, seine fragmentierten Figuren, seine kryptischen Anspielungen auf Kunstgeschichte und Literatur bilden eine sofort erkennbare visuelle Signatur. Doch diese Signatur ist keine einfache persönliche Markierung, sondern eine komplexe visuelle Sprache, die dem Künstler erlaubt, grundlegende Fragen zu Identität, Erinnerung und Darstellung zu erforschen.

Die Ausstellung “The Lines of Life” im Städel Museum in Frankfurt, die rund zwanzig Werke des rumänischen Künstlers aus den letzten zehn Jahren zeigt, widmet sich dem künstlerischen Fokus von Man: den Porträts. In tief dunklen Grüntönen, Blau und Schwarz schafft er Porträts, die sowohl sensibel als auch rätselhaft sind, dominiert von einem existenzialistischen, dunklen und introspektiven Ton. Subtile Einflüsse der Vorrenaissance, voller Metaphern, treten in Mans melancholischer Bildsprache hervor ^[10]. Diese Porträts sind keine getreuen Abbildungen realer Personen, sondern eher Erkundungen der menschlichen Existenz, visuelle Meditationen darüber, was es bedeutet, ein Subjekt in einer Welt zu sein, in der Gewissheiten zusammenbrechen.

Der Titel der Ausstellung, „The Lines of Life”, ist ein Zitat aus dem Gedicht „An Zimmer” von Friedrich Hölderlin (1812) und verweist auf die enge Verbindung von Victor Man mit Poesie und Literatur. Diese Bezüge sowie die Verbindungen zu seiner eigenen Lebensrealität finden sich regelmäßig in seinen Gemälden, zum Beispiel stammen die in den Porträts der Hauptausstellung dargestellten Personen aus seinem familiären Umfeld und Freundeskreis. Eingetaucht in hauptsächlich dunkle Szenarien und mit einem kontemplativen Blick sind die Modelle von einer existenziellen Schwere umgeben. Die Gemälde zeugen von einer intensiven Erforschung der menschlichen Existenz und sprechen von der poetischen und tragischen Ambivalenz des Lebens ^[11].

Diese literarische und poetische Dimension ist wesentlich, um Mans Ansatz zu verstehen. Seine Gemälde funktionieren wie visuelle Gedichte, bei denen jedes Element mit mehreren Bedeutungen geladen ist, die miteinander in Resonanz treten. Wie in der Poesie wird die Bedeutung nicht direkt gegeben, sondern entsteht allmählich durch einen aktiven Interpretationsprozess, der den Betrachter in die Sinngebung einbezieht.

Ich sehe in Victor Man einen Künstler, der die zeitgenössische figürliche Malerei erneuert, indem er sie in das trübe Wasser des kollektiven Unbewussten eintaucht. Seine malerische Technik, trotz der Dunkelheit, die seine Kompositionen durchdringt, fast chirurgisch präzise, zeugt von einer Beherrschung des Mediums, die weit über die bloße technische Virtuosität hinausgeht. Jeder Pinselstrich trägt zur Konstruktion eines kohärenten Universums bei, in dem Sichtbares und Unsichtbares sich vermischen, um eine visuelle Erfahrung zu schaffen, die unsere Wahrnehmungsgewohnheiten herausfordert.

Seit zwanzig Jahren hinterfragt Victor Mans Arbeit die virtuosen Obsessionen einer darstellenden Malerei. Die Galerie Max Hetzler präsentierte im Pariser Raum die erste Einzelausstellung des Künstlers ^[12]. Ohne Einführungstext, stattdessen mit einem Text von Georg Trakl anstelle einer Beschreibung seiner Arbeit, bewahrt Victor Man das Geheimnis, indem er seine Dissonanz in Tradition und historischen Referenzen verankert, wo Ergänzungen und Transformationen in geteilten Figuren verschmelzen ^[13]. Diese Strategie des Geheimnisses ist kein bloßes Marketingmanöver, sondern eine ästhetische und ethische Position, die übermäßige Vereinfachung und schnelle Kunstkonsumation in Zeiten der Überproduktion von Bildern ablehnt.

Wenn die spirituelle Dimension in den Vordergrund tritt, sind der Fleisch und der Teint dennoch ebenso prägnant in seiner Arbeit und zeugen von einem Denken, das der Poesie nähersteht, offener für das Bild und die Sprache ist als im Mystischen eingeschlossen. Die Einschließung ist jedoch immer ein Thema bei diesem Künstler, der wenig geneigt ist zur Werbung und in seiner Jugendzeit fundamental von der Figur Van Goghs geprägt wurde; eine befreiende Sackgasse in den Jahren des Zusammenbruchs der Sowjetunion, als sein Land 1989 eine Revolution erlebte ^[14]. Diese biografische Referenz beleuchtet das Werk von Man aus einem neuen Blickwinkel; seine Vorliebe für dunkle und melancholische Atmosphären kann als Antwort auf die historischen und politischen Umwälzungen gelesen werden, die seine Jugend geprägt haben.

Victor Mans Verschiebung, die das Paradigma des Symbolismus umstürzt und gleichzeitig aus dessen Repertoire schöpft, zeigt sich in einer wesentlichen Umkehrung; die Transmigration der Organe zugunsten der der Seelen zu unterwandern. Durch die Begegnung der Körper und die Macht der Objekte wird das Fleisch zum Behälter von Attributen, die auf ihm lasten und nicht mehr im Geheimnis des Blicks, in der unsichtbaren Schwere der Emotion gelesen werden können, sondern im Ungleichgewicht, das die Erinnerung auferlegt, in diesem Auftreten des “Schiefen”, das durch die Wahrnehmung unsere eigene Haltung in der Welt kontaminiert ^[15].

Diese Idee der Wahrnehmungsverunreinigung ist ausschlaggebend, um die Wirkung von Mans Werk auf den Betrachter zu verstehen. Seine Gemälde sind nicht einfach Objekte, die aus der Distanz betrachtet werden; sie involvieren uns, bringen uns aus dem Gleichgewicht und zwingen uns, unsere eigene Position in der Welt neu zu überdenken. Wie der Kritiker und Kurator Mihnea Mircan in seinem Essay “Eyes Without a Head” bemerkte, stören Mans Einschnitte und räumlichen Zergliederungen den Aufbau der perspektivischen Regelmäßigkeit: Sie enthüllen seine Künstlichkeit durch eine andere Künstlichkeit ^[16].

Nach der Argumentation von Stephanie Boluk und Patrick LeMieux verbindet die Anamorphose die ultimative Fremdheit der Materialität der Malerei mit den mathematischen Gesetzen der Perspektive selbst und zeigt damit an, dass auch naturalistische mimetische Bilder einen kognitiven Sprung erfordern, um die Beziehung zwischen einem mathematischen Darstellungssystem und der verkörperten Sichtweise zu lösen. Die Perspektive ist eine nicht natürliche mathematische Methode zur Simulation von Licht und kein praktisches Modell des Sehens. Indem sie ausdrücklich die “korrekte” Betrachtungsposition vor einem Bild verweigert, und im Falle von Man die Erläuterung dessen, was dargestellt wird, schließt die Anamorphose die Möglichkeit aus, den menschlichen Blick vollständig mit den geometrischen Parametern eines Bildes in Einklang zu bringen ^[17].

Diese Verwendung der Anamorphose als strukturierendes Prinzip seines Werks stellt Man in eine lange Tradition von Künstlern, die die Grenzen der visuellen Darstellung erforscht haben. Von Hans Holbein über Marcel Duchamp bis hin zu Salvador Dalí wurde die Anamorphose als Mittel genutzt, um unsere Wahrnehmung der Welt infrage zu stellen und die Konventionen aufzudecken, die unser Verständnis der Wirklichkeit bestimmen. Doch Man geht weiter, indem er diese Technik mit einer Erforschung der dunklen Bereiche der menschlichen Psyche verbindet und damit eine Kunst schafft, die sowohl intellektuell anregend als auch emotional beunruhigend ist.

Der Kunstkritiker Tom Morton bezeichnete Man als “shape shifter” (Gestaltwandler), was seine Fähigkeit hervorhebt, seinen Ansatz ständig zu transformieren und dabei eine erkennbare stilistische Kohärenz zu bewahren ^[18]. Diese ständige Metamorphose ist kein Zeichen von Unentschlossenheit oder Orientierungslosigkeit, sondern vielmehr eine bewusste Strategie, künstlerische Verfestigung zu vermeiden und die Offenheit zu bewahren, die seine Arbeit kennzeichnet.

Die Werke von Man erfassen Atmosphären und bieten dem Betrachter lediglich mehrdeutige und vage Hinweise, die ihn im Unklaren lassen. Sie vermitteln auch eine Erinnerung an Bilder und Objekte, bestehend aus verschiedenen Zeitschichten, die zwischen Verschwinden und Reminiszenz zu schwanken scheinen. Die sehr persönliche Poetik von Victor Man und die illustrative Vielfalt seiner Produktion zeichnen die Konturen einer künstlerischen Welt, in der historische Fakten und subjektive Eindrücke aus verschiedenen Welten und Epochen verankert sind ^[19].

Victor Man bevorzugt die Malerei in dunklen Farben, die an die Landschaftsmaler des 18. Jahrhunderts erinnert, die schwarze Spiegel verwendeten, auch bekannt als “Claude-Spiegel”, um die Farben in Grautöne zu verwandeln. Diese Technik schafft einen Distanzierungseffekt, der den Betrachter in die Position eines losgelösten Beobachters versetzt und somit den rätselhaften und introspektiven Charakter seiner Werke verstärkt.

Mans äußerst sorgfältige Arbeit spielt mit Symbolen und legt viele Fallen in seinen Zwischenräumen, die die anfängliche Lesart stören und eine Malerei bieten, die der Prüfung durch sich selbst und andere widersteht, sich dem Erhabenen nähert und definitiv zeitgenössisch ist ^[20]. Diese technische Gründlichkeit, kombiniert mit einem konzeptuellen und referenziellen Reichtum, macht Man zu einem der bedeutendsten Künstler seiner Generation.

Victor Man erscheint somit als ein Künstler, der geschickt zwischen Tradition und Innovation, zwischen historischen Bezügen und zeitgenössischer Sensibilität navigiert. Sein Werk, tief verwurzelt in Fragen von Identität und Erinnerung, bietet eine visuelle Reflexion über die menschliche Condition in einer Ära der Fragmentierung und Unsicherheit. Wie er selbst in seinem Gespräch mit Neville Wakefield erklärte: “Das Werk ist eher wie ein Spiegel; es kann nur fortbestehen, solange man hineinschaut. Es ist das Beste, was ‚Zeit totschlagen‘ bieten kann, sein Spiegelbild, und man kann sich jederzeit umdrehen” ^[21].

In einer Welt, die von sofort konsumierbaren und sofort vergessbaren Bildern übersättigt ist, laden die Gemälde von Victor Man uns ein, langsamer zu werden, genau hinzusehen und sich in ihren rätselhaften Tiefen zu verlieren. Sie erinnern uns daran, dass Kunst in ihrer besten Form nicht nur Dekoration oder Unterhaltung ist, sondern eine transformative Erfahrung, die uns mit uns selbst und der Welt um uns herum konfrontiert, in all ihrer Komplexität und Mehrdeutigkeit.

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1. Victor Man, Mudam Luxemburg, 2012.
2. “Victor Man”, Frieze, Ausgabe 2008.
3. Ebd.
4. Jacques Lacan, “Le stade du miroir comme formateur de la fonction du Je”, 1949.
5. Javier Hontoria, “Victor Man”, Artforum, 2013.
6. “Victor Man, Galerie Max Hetzler, Point de vue”, Slash-Paris, 2022.
7. “Victor Man”, Mudam Luxemburg, 2012.
8. Ebd.
9. Neville Wakefield, “Victor Man”, Flash Art, 2016.
10. “Victor Man : The Lines of Life”, e-flux, 2023.
11. Ebd.
12. “Victor Man, Galerie Max Hetzler, Point de vue”, Slash-Paris, 2022.
13. Ebd.
14. Ebd.
15. Ebd.
16. Mihnea Mircan, “Eyes Without a Head”, in “Victor Man: Luminary Petals on a Wet, Black Bough”, Galeria Plan B, 2016.
17. Ebd.
18. Tom Morton, “Shape Shifter”, Frieze, 2008.
19. “Victor Man”, Mudam Luxemburg, 2012.
20. “Victor Man, Galerie Max Hetzler, Point de vue”, Slash-Paris, 2022.
21. Neville Wakefield, “Victor Man”, Flash Art, 2016.