Hört mir gut zu, ihr Snobs. Wir leben in einer Zeit, in der zeitgenössische Kunst sich oft in schillerndem Narzissmus verliert, wo Werke mehr Ego-Demonstrationen als echte Erkundungen sind. Und dann taucht ein Künstler wie Justin Caguiat auf, dieser philippinisch-japanische Maler, der die Leinwand in ein Tor zu einer anderen Dimension verwandelt. Seine riesigen ungespannten Leinwände entführen uns in ein kaleidoskopisches Universum, in dem Figuren und organische Formen am Rande unserer Wahrnehmung zu tanzen scheinen.
Die Werke von Caguiat erzeugen einen chromatischen Wirbel. Seine schichtweise aufgetragenen Ölfarben und gelegentlich Gouache rufen ferne Echos von Odilon Redon hervor, als hätte dieser in einem anderen Leben, unter Psychopharmaka, weitergemalt. Diese Resonanz ist kein Zufall: Caguiat schöpft offen aus dem symbolistischen Erbe jener Künstler des späten 19. Jahrhunderts, die sich wie er den Quellen von Zauber und Geheimnis in einer von rücksichtlosem Kapitalismus dominierten Welt zuwandten.
Die Arbeit von Caguiat hat etwas zutiefst Kinohaftes. Seine Gemälde funktionieren wie ein Zeitlupenkino, ein “slow cinema” im Sinne einer kürzlich gezeigten Ausstellung [1]. Es ist kein Zufall, dass der Künstler auch andere Medien wie Video erforscht hat, insbesondere in seinem Werk “Carnival”, das vor etwa zehn Jahren mit einer VHS-Kamera aufgenommen wurde. In seinen Gemälden oxidieren die Pigmente langsam, die Farben entwickeln sich subtil im Laufe der Zeit und schaffen so ein visuelles Erlebnis, das der Reproduktion entgeht und eine lange Kontemplation erfordert. Die fotografische Reproduktion seiner Werke ist zum Scheitern verurteilt, man muss sie persönlich sehen und die Farbkonstellationen mit den Augen verfolgen, die sich über die ungespannten Leinwandflächen ergießen.
Caguiats Strategie ist brillant: Er nutzt Abstraktion als Methode, um das Interpretationspotenzial zu reduzieren. Der Künstler selbst gibt zu, die Sprache, insbesondere die Beschreibung, von seiner Atelierpraxis zu trennen, um sich von der Verpflichtung zu befreien, ein Werk erklären oder beschreiben zu müssen, bevor es fertiggestellt ist. Dieser Widerstand gegen die Narrativität ist paradox, da seine Gemälde reich an Bedeutung sind und dennoch die Sprache herausfordern. Wie die Künstlerin Charline von Heyl so treffend formuliert hat: “Über Malerei nachzudenken bedeutet immer, zu diesem Kern der Dummheit zu gelangen, wo man etwas weiß, aber es nicht benennen kann” [2].
Was Caguiat von vielen zeitgenössischen Malern unterscheidet, ist seine Fähigkeit, ein erstaunlich breites Spektrum an Einflüssen zu verarbeiten, ohne jemals in einfache Zitate zu verfallen. Er schöpft aus den flachen Formen von Manga und japanischen Druckgrafiken, verschmilzt die hybride barock-folkloristische Ästhetik philippinischer katholischer Ikonen mit dem kostbaren Modernismus der Wiener Secession. Das Ergebnis ist gleichzeitig zeitgenössisch und zeitlos, als hätte er kulturelle und historische Grenzen durchquert, um eine einzigartige visuelle Sprache zu schaffen.
Die Beziehung von Caguiat zur Literatur ist besonders interessant. Als veröffentlichter Dichter begleitet er seine Ausstellungen oft mit Texten, die nicht als Erklärungen dienen, sondern als Erweiterungen des visuellen Universums. Für seine Ausstellung “Permutation City 1999” in der Galerie Modern Art in London schrieb er einen Text, der fragmentarische, fiktive Erinnerungen an Tokio, Manila und die Bucht der Kalifornischen Region evoziert. Dieser Titel, entlehnt aus einem Science-Fiction-Roman von Greg Egan aus dem Jahr 1994, bietet einen Schlüssel zur Interpretation: Die “Permutation”, definiert als “eine Menge oder Zahl von Dingen, die geordnet oder arrangiert werden können”, erlaubt es, jedes Gemälde in abstraktem Zusammenhang mit dem Text von Caguiat zu lesen. Diese Verwendung von Science-Fiction als konzeptionellen Rahmen offenbart das Interesse des Künstlers an multiplen Temporalitäten und alternativen Realitäten.
In seinen Werken wie “The saint is never busy” oder “to the approach of beauty its body is fungible” werden Figuren diffus durch einen Schleier von Punkten dargestellt, der an die Fragmente von Erinnerung im Text erinnert. Die lebendigen Farben ordnen sich zu detaillierten kaleidoskopischen Mustern. Von Zeit zu Zeit breiten sich Flecken von dunklem Grau oder Schwarz aus wie Lichtflächen über die Oberfläche. Aus diesem Ensemble tauchen Gestalten, Landschaften und Szenen einer anderen Welt auf, die beginnen, sich zu materialisieren, zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit pendelnd und sich Zeit nehmend, sich zu offenbaren.
Die Gemälde von Caguiat besitzen eine Qualität, die an das Konzept des “toxischen Sublimen” erinnert. Seine inneren Landschaften verbinden visuelle Verführung mit unheimlicher Fremdheit. In “Gretel in Pharmakon” (2022) kann eine Figur das unschuldige Kind oder die Hexe sein, die es quält. Caguiats Neigung zur Unbestimmtheit zeigt sich in seiner Verwendung des Begriffs “pharmakon”, einem theoretischen Konzept, das sowohl Gift als auch Heilmittel bedeutet, etwas, das seine eigene Zerstörung akzeptieren kann.
Interessant an Caguiat ist sein tiefes Verständnis der Mechanismen des Gedächtnisses. Seine Gemälde sind keine Darstellungen, sondern Prozesse, die die Funktionsweise unseres Geistes nachahmen. Wie Sophie Ruigrok schreibt, lesen sich seine Gemälde “wie eine Ur-Suppe”, deren Schichten ineinander übergehen und sich zu Mustern und Formen aufbauen. Die Übertragung von Malerei, Ideen, Informationen, Figuren und Ornamenten ist fragmentiert, wie das Auflösen der Erinnerung.
Was mir an der Arbeit von Caguiat gefällt, ist seine Beziehung zur Zeit. In seiner Ausstellung “Triple Solitaire” an der Wesleyan University präsentiert er Gemälde, die mit Pigmenten hergestellt wurden, die sich in Reaktion auf die chemische Zusammensetzung der Umgebungen, in denen sie sich befinden, oxidieren, während sie sich vom Atelier zur Galerie bewegen. Er zeigt dort auch ein Spiegelbild-Gemälde, bei dem das Silberblatt auf Farbe und Leinöl aufgetragen wurde, die im Laufe der Zeit wiederum das Silberblatt oxidieren und seine reflektierenden Eigenschaften aufheben werden. Wie Molly Zuckerman-Hartung hervorhebt: “Malerei ist eine Tätigkeit, die sich im alltäglichen Zeitverlauf vollzieht und die Fähigkeit hat, die Uhrzeit über den Alltag hinaus in die Ewigkeit zu erweitern und zu transformieren” [3].
Das Werk von Caguiat stellt die mechanische Reproduzierbarkeit in Frage, die unsere Zeit auszeichnet. Seine Gemälde erfordern eine physische Präsenz, ein körperliches Engagement. Sie erinnern uns daran, dass authentische ästhetische Erfahrung nicht auf ein Bild auf einem Bildschirm reduziert werden kann. In “Hysteresis Loop” (2022) verwendet er thermo-chronische Pigmente und einen strahlungsempfindlichen Sensor, der auf der Rückseite eines Metallträgers befestigt ist, so dass das Werk eine Reihe langsamer, aber dramatischer Farbveränderungen durchläuft, wenn seine Temperatur in einer programmierten Schleife steigt und fällt.
Was die Arbeit von Caguiat so fesselnd macht, ist, dass er es schafft, Werke zu erschaffen, die gleichzeitig archaisch und futuristisch wirken. Wie okkulte Wandteppiche oder Fresken einer zukünftigen Ruine sind seine Gemälde bedeutungsschwer, widerstehen jedoch der Anziehungskraft einer Erzählung und regen zu einer Unmittelbarkeit der sinnlichen Erfahrung an, die der Sprache fremd ist.
Ich glaube, wir erleben das Aufkommen eines Künstlers, dessen Bedeutung in den kommenden Jahren nur wachsen wird. Caguiat ist es gelungen, ein einzigartiges visuelles Universum zu schaffen, das einfache Kategorien und reduktive Etiketten übersteigt. Sein Werk lädt uns ein, langsamer zu werden, zu betrachten und uns in Welten zu verlieren, die an der Grenze zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, Bekanntem und Unbekanntem existieren.
In einer Zeit, in der so viele Künstler verzweifelt versuchen, durch spektakuläre Gesten oder provokative Aussagen Aufmerksamkeit zu erregen, wählt Caguiat den Weg der Kontemplation und Tiefe. Und genau das brauchen wir heute: eine Kunst, die sich nicht mit der bloßen Abbildung unserer zersplitterten Welt zufrieden gibt, sondern uns neue Wege bietet, sie zu sehen und in ihr zu leben. Wenn Sie seine Arbeit noch nicht entdeckt haben, sehen Sie sie sich unbedingt an. Sie werden es nicht bereuen.
- Ausstellungshandzettel: “Justin Caguiat Triple Solitaire”, 17. September bis 8. Dezember 2024, Ezra and Cecile Zilkha Gallery, Center for the Arts, Wesleyan University.
- Zitat von Charline von Heyl in der Ausstellung “Triple Solitaire”, Wesleyan University, 2024.
- Molly Zuckerman-Hartung, “Die 95 Thesen zur Malerei,” in Molly Zuckerman-Hartung und Tyler Blackwell, Hrsg. Molly Zuckerman-Hartung: COMIC RELIEF. Inventory Press und Blaffer Art Museum an der University of Houston, 2021.
