Hört mir gut zu, ihr Snobs. Hier haben wir eine Künstlerin, die das Kunststück vollbringt, uns glauben zu lassen, dass die Malerei uns noch unerforschte Gebiete erschließen kann, obwohl die meisten von uns dachten, seit Pollock sei alles gesagt. Francesca Mollett, geboren 1991 in Bristol und jetzt in London ansässig, entwickelt seit ihrem Abschluss am Royal College of Art 2020 eine bildsprachliche Raffinesse, die die Beobachtung des Alltags in fast mystische Erfahrung verwandelt. Ihre abstrakten Gemälde, genährt von einer minutiösen Beobachtung des Lichts auf Oberflächen, konfrontieren uns mit dieser beunruhigenden Wahrheit: Wir verbringen unsere Zeit abseits des Wesentlichen, blind für die schimmernden und irisierenden Erscheinungen um uns herum.
Molletts Werk ist tief phänomenologisch ausgerichtet, im Sinne der Erforschung, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen und uns mit ihr verbinden. Im Gegensatz zu traditionellen Ansätzen dieser philosophischen Disziplin versucht die britische Künstlerin jedoch nicht, die Erfahrung zu theoretisieren: Sie macht sie direkt auf der Leinwand sichtbar. Ihre Kompositionen entstehen aus genauen Beobachtungen, den Reflexionen auf den lackierten Türen Amsterdams, dem phosphoreszierenden Moos in dunklen Räumen, den uralten geologischen Formationen, die sie durch einen komplexen malerischen Prozess aus Intuition und technischer Genauigkeit verwandelt.
Dieser Ansatz wurzelt in der Tradition der kontinentalen Philosophie, insbesondere in den Arbeiten von Edmund Husserl über Wahrnehmung und Intentionalität des Bewusstseins. Husserl entwickelte die Idee, dass unser Bewusstsein stets Bewusstsein von etwas ist, dass es eine intentionale Beziehung zu den Objekten der Welt unterhält [1]. Bei Mollett wird diese Intentionalität zur Malerei: Jede Leinwand zeugt von einer spezifischen Begegnung zwischen dem Bewusstsein der Künstlerin und einem besonderen Lichterscheinungsphänomen. Ihre Werke wie Two Thistles (2021) oder Halves (2023) stellen nicht nur Objekte dar, sie verkörpern die besondere Qualität der Aufmerksamkeit, die diesen Objekten gewidmet wird. Die Künstlerin selbst drückt es mit beeindruckender Präzision aus: “Jedes Gemälde möchte seine eigene Art von Flimmern erzeugen, aber es stammt auch von einem Flimmern in der Welt. Das Flimmern ist zugleich ein sichtbarer visueller Effekt und ein immaterieller Moment, nahe an der Offenbarung” [2].
Molletts Methode zeigt ein tiefes Verständnis für das, was Husserl als Epoché bezeichnete, dieses Aussetzen des natürlichen Urteils, das den Zugang zur Essenz der Phänomene ermöglicht. Indem sie ihre Bilder mit Kohlezeichnungen beginnt, dann flüssige Acrylschichten aufträgt und schließlich die finale Textur in Öl und mit dem Spachtel aufbaut, vollzieht sie eine allmähliche Reduktion, die das Bild von seiner Quelle entfernt und es seiner wahrnehmbaren Essenz näherbringt. Dieser Ansatz verwandelt den Akt des Malens in eine echte phänomenologische Untersuchung, bei der jede Geste eine neue Wahrnehmungsschicht offenbart.
Die zeitliche Dimension nimmt in dieser Erkundung einen zentralen Platz ein. Molletts Bilder fangen flüchtige Augenblicke ein, das Leuchten einer Reflexion, das Flimmern des Lichts auf einer feuchten Oberfläche, um sie in malerische Dauer zu verwandeln. Diese Alchemie der Zeit berührt Husserls Anliegen zur zeitlichen Bewusstheit und Retention. Jedes Bild der Künstlerin wirkt wie eine erweiterte Retention, die einen vergangenen Moment präsent hält und zugleich zukünftige Möglichkeiten eröffnet. Ihre jüngsten Kompositionen, insbesondere jene, die 2024 in der Grimm Gallery in New York ausgestellt werden, zeugen von dieser einzigartigen Fähigkeit, mehrere Zeitlichkeiten im gleichen bildlichen Raum koexistieren zu lassen.
Der Einfluss zeitgenössischer Literatur auf Molletts Arbeit eröffnet eine zweite analytische Dimension, die besonders fruchtbar ist, wenn man sie den Rezeptions-theorien der Konstanzer Schule, insbesondere von Hans-Robert Jauss, gegenüberstellt. Die Künstlerin zitiert häufig Autorinnen wie Elena Ferrante, Jhumpa Lahiri oder Fanny Howe, deren Werke die Mechanismen emotionaler Erinnerung und die Fluidität von Identitäten erforschen. Dieser literarische Einfluss ist nicht bloße Illustration: Er prägt direkt ihr Verständnis von Malerei als einem Dialograum zwischen der Künstlerin und dem Betrachter.
Jauss entwickelte in seinen Studien zur ästhetischen Erfahrung die Idee, dass ein Kunstwerk erst in der Begegnung mit dem Publikum [3] seine volle Existenz erlangt. Diese Rezeptionsästhetik findet bei Mollett eine besonders anregende Anwendung. Ihre Gemälde funktionieren als Geräte zur Aktivierung der Wahrnehmung, die ihre volle Bedeutung erst durch die Erfahrung des Betrachters offenbaren. Die Künstlerin ist sich dessen vollkommen bewusst: “Ich möchte, dass der Betrachter eine Intensität der Verbindung und Potenzialität in den Dingen um sich herum spürt. Wenn ich Ausstellungen verlasse, ist eines der anregendsten Gefühle, herauszugehen und zu spüren, dass ich die Wahrnehmung der Künstlerin verinnerlicht habe; man beginnt, die Szenen so zu sehen, als wären sie Gemälde, und ich würde es lieben, wenn das passiert” [2].
Diese aktive Rezeptionsästhetik findet ihren vollen Ausdruck in der Serie Halves (2023), in der Mollett die Effekte von Spiegelungen und Verdopplungen erforscht. Diese Werke, inspiriert von den lackierten Türen Amsterdams, die die Kanäle reflektieren, schaffen einen ambivalenten Bildraum, in dem der Betrachter seine Wahrnehmung ständig anpassen muss. Der Erwartungshorizont des Publikums, um Jauss’ Vokabular zu verwenden, wird bewusst destabilisiert und zwingt zu einer aktiven und partizipativen Rezeption. Molletts Gemälde verlangen das, was man eine langsame Lesart nennen könnte, eine anhaltende Aufmerksamkeit, die nach und nach ihre chromatischen und texturalen Feinheiten offenbart.
Der Einfluss der zeitgenössischen Autofiktionsliteratur auf Mollett ist besonders interessant. Wie die Erzählerinnen bei Elena Ferrante, die in der neapolitanischen Tetralogie die Durchlässigkeit zwischen Selbst und Anderen erforschen, entwickelt die Künstlerin eine Malerei der Permeabilität. Ihre jüngsten Kompositionen, insbesondere Spun Step (2022) oder Cortex (2024), zeigen dieselbe Faszination für die Zonen der Unbestimmtheit, in denen Grenzen verschwimmen. Die Künstlerin erklärt außerdem: “Die zeitgenössische Autofiktion und die Bewusstseinsströme in der Literatur prägen meine Wahrnehmung der Alltagsrealität” [2]. Dieser Einfluss äußert sich in einem malerischen Ansatz, der Übergänge und Übergangsphasen bevorzugt, statt klar definierter Formen.
Die kritische Rezeption von Molletts Werk zeugt von dieser Fähigkeit, die Erfahrung des Betrachters zu transformieren. Tom Morton stellt treffend fest: “Beim Betrachten der Gemälde von Mollett hat man den Eindruck eines schwebenden Moments, in dem der Gedanke aus dem Pigment in Form eines Bildes auftaucht” [2]. Diese Beobachtung zeigt die kognitive Dimension der Arbeit der Künstlerin, die sich nicht darauf beschränkt, visuelle Phänomene darzustellen, sondern beim Betrachter Prozesse der Wiedererkennung und Erinnerung aktiviert.
Molletts fulminanter Aufstieg auf dem Kunstmarkt, ihre Gemälde stiegen von 15.000 / 20.000 Euro im Jahr 2023 auf 65.000 / 70.000 Euro im Jahr 2024, darf die konzeptionelle Solidität ihres Vorgehens nicht überschatten. Im Gegensatz zu vielen Künstlerinnen ihrer Generation, die von Spekulationen getrieben werden, hält Mollett eine konstante Anforderung an die Qualität ihrer Werke aufrecht. Diese Kompromisslosigkeit spiegelt sich in ihrer Arbeitsmethode wider. In zwei Ateliers im Süden Londons, eines intim für die Reflexion, das andere technischer für die Ausführung, entwickelt Mollett jede Komposition über mehrere Monate hinweg. Sie beschreibt ihren Prozess als “ein langsames Ankommen in Fragmenten”, bei dem die fortschreitende Anhäufung von Farbschichten unerwartete Möglichkeiten offenbart. Diese ausgedehnte Zeitlichkeit unterscheidet ihre Arbeit radikal von der häufig durch Produktionsexpedition gekennzeichneten zeitgenössischen Kunst.
Der internationale Erfolg von Mollett, mit gleichzeitigen Ausstellungen auf drei Kontinenten im Jahr 2023, zeugt von der Universalität ihrer malerischen Sprache. Ob in San Francisco bei Micki Meng, in Shanghai bei Pond Society oder in Amsterdam bei der Grimm Gallery, ihre Gemälde zeigen ihre Fähigkeit, mit unterschiedlichen kulturellen Kontexten in Dialog zu treten. Diese Anpassungsfähigkeit ist kein Zufall: Sie resultiert direkt aus ihrer phänomenologischen Methode, die universelle Wahrnehmungserfahrung gegenüber spezifischen kulturellen Referenzen bevorzugt.
Die jüngste Entwicklung ihrer Arbeit, insbesondere sichtbar in der Ausstellung Annual Honesty bei Modern Art London (2025), offenbart eine bemerkenswerte künstlerische Reife. Gemälde wie Terrestrial Stars oder Stave zeugen von einer ausgefeilten technischen Beherrschung, die einer immer persönlicheren Vision dient. Die Künstlerin erforscht darin die Zusammenhänge zwischen natürlichen Formen und musikalischen Strukturen und offenbart eine synästhetische Sensibilität, die ihr malerisches Vokabular weiter bereichert.
Diese Entwicklung geht mit einer zunehmend überzeugenden theoretischen Reflexion einher. Während ihres Aufenthalts am Roberts Institute in Schottland entwickelte Mollett ihre Forschungen zum Hydrofeminismus, einem kritischen und materialistischen Feminismus, sowie zu Flechten, wobei sie die Metaphern von Porosität und Anpassung erkundet. Diese theoretischen Untersuchungen nähren direkt ihre Praxis, wie die jüngsten Werke zeigen, in denen sich die Effekte von Irideszenz komplexer gestalten und neuartige bildräumliche Tiefen schaffen.
Molletts Platz in der zeitgenössischen Kunstlandschaft verdient eine Kontextualisierung. In einer Zeit, in der die britische feministische Abstraktion mit Künstlerinnen wie Jadé Fadojutimi oder Pam Evelyn eine bemerkenswerte Wiederbelebung erfährt, zeichnet sich Mollett durch die konzeptuelle Raffinesse ihres Ansatzes aus. Wo andere gestische Expressivität oder chromatische Wirkung bevorzugen, entwickelt sie einen intellektuelleren Zugang, genährt von ihren philosophischen und literarischen Referenzen.
Diese unterschiedliche Herangehensweise erklärt vielleicht die Schnelligkeit ihrer institutionellen Anerkennung. Ihre Werke sind bereits in den Sammlungen des Kröller-Müller Museums, des Kunstmuseums Den Haag und des Institute of Contemporary Art Miami vertreten. Diese frühe Anerkennung zeugt von der Reife ihrer Arbeit, aber auch von ihrer Fähigkeit, mit der Kunstgeschichte zu kommunizieren, ohne sich in ihr aufzulösen.
Molletts künstlerische Zukunft scheint sich auf eine immer tiefere Erforschung von Zwischenzuständen und Übergangsphänomenen zu richten. Ihre jüngsten Aussagen zur Irideszenz und Metamorphose deuten auf eine Vertiefung ihrer Forschung zu Wahrnehmungsschwellen hin. Diese Orientierung verspricht spannende Entwicklungen, insbesondere wenn man die bereits nach wenigen Jahren erreichte konzeptuelle Fülle betrachtet.
In einer Welt, die von Bildern und visuellen Reizen übersättigt ist, erinnert uns das Werk von Francesca Mollett an die Notwendigkeit des langsamen Blicks und der konzentrierten Aufmerksamkeit. Ihre Gemälde funktionieren als Inseln der Kontemplation, die dem schnellen Konsum von Kunst widerstehen. Sie verlangen Zeit, Offenheit und eine Form von Wahrnehmungsgüte, die in unserer Zeit zu kurz kommt. Damit erfüllen sie eine der wesentlichen Aufgaben der Kunst: uns mit der Komplexität und Schönheit der sinnlichen Welt zu versöhnen.
Molletts Einfluss auf ihre Künstlergeneration zeichnet sich bereits ab. Ihre Methode, die konzeptuelle Strenge und expressive Freiheit vereint, bietet ein alternatives Modell für die zeitgenössische künstlerische Produktion. Sie zeigt, dass es möglich ist, kommerziellen Erfolg und künstlerische Integrität zu verbinden, vorausgesetzt, die Qualität des Werks und die Aufrichtigkeit des Ansatzes werden konstant hochgehalten.
Wir stehen also einer Künstlerin gegenüber, die die Codes der zeitgenössischen Abstraktion neu erfindet, ohne in die Einfachheiten des Marktes zu verfallen. Francesca Mollett ist es gelungen, innerhalb weniger Jahre eine bemerkenswert originelle malerische Sprache zu etablieren, die das ästhetische Erlebnis in eine echte Wahrnehmungsübung verwandelt. Ihre Gemälde vollbringen die seltene Kunst, ungeahnte Dimensionen unseres Verhältnisses zur sinnlichen Welt zu offenbaren. In einer von Bildern übersättigten, aber von Blicken armen Epoche, bietet ihre Kunst eine Form kontemplativen Widerstands, eine dringende Einladung, den Reichtum der gegenwärtigen Wahrnehmung neu zu entdecken. Diese Fähigkeit, das Außergewöhnliche im Gewöhnlichen zu enthüllen, die banalsten Oberflächen zum Funkeln zu bringen, bildet den wertvollsten Beitrag ihrer Arbeit zur zeitgenössischen Kunst. Und das, meine lieben Snobs, genau das war es, was wir brauchten.
- Edmund Husserl, Leitideen zu einer Phänomenologie, Gallimard, 1950.
- Francesca Mollett, zitiert im Artnet Gallery Network, “7 Fragen an die britische Künstlerin Francesca Mollett darüber, wie Glühwürmchen, Kanäle und antike Grotten ihre lichtdurchfluteten Leinwände inspirieren”, Artnet News, 1. Juni 2023.
- Hans-Robert Jauss, Für eine Ästhetik der Rezeption, Gallimard, 1978.
- The Art Newspaper, “‘Was auch immer der It-Faktor ist, sie scheint ihn zu haben’: hinter der zunehmenden Popularität der mysteriösen Gemälde von Francesca Mollett”, 20. Juni 2024.
