Hört mir gut zu, ihr Snobs: Guy Yanai malt nicht, um euch zu schmeicheln. Dieser Mann in den Vierzigern, geboren in Haifa und zwischen Tel Aviv und Marseille ansässig, entwickelt seit zwei Jahrzehnten ein Werk, das unsere vertrautesten Erwartungen an zeitgenössische Malerei herausfordert. Bewaffnet mit seinem Pinsel und seinen langen, farbigen horizontalen Streifen verwandelt Yanai das Gewöhnliche in das Außergewöhnliche mit einer Strenge, die sowohl an byzantinische Mosaike als auch an die pixeligen Bildschirme unserer Smartphones erinnert.
Der israelische Künstler arbeitet mit einer Akkumulation horizontaler Pinselstriche, die Oberflächen schaffen, die eher gewebt als gemalt wirken. Diese einzigartige Technik, die sich über die Jahre allmählich entwickelt hat, verleiht seinen Leinwänden eine besondere Materialität, die zwischen traditionellem Handwerk und digitaler Ästhetik schwankt. Jeder Pinselstrich wird zu einer Baueinheit, zu einem Farbpixel, der am Aufbau einer kohärenten und doch fragmentierten visuellen Welt beteiligt ist.
Die Bildwelt von Yanai ernährt sich von Bildern, die er überall aufnimmt: Google Street View, TripAdvisor, Instagram, persönliche Fotografien, Filme von Éric Rohmer. Diese Aneignungspraxis ist weder zufällig noch faul. Im Gegenteil, sie offenbart eine zeitgenössische Sichtweise der künstlerischen Schöpfung, bei der der Künstler sich, seinen eigenen Worten zufolge, eher als “Herausgeber” denn als Schöpfer ex nihilo versteht. Dieser Ansatz findet seine Rechtfertigung in unserer Zeit der visuellen Überfülle, in der es nicht mehr darum geht, wie man Bilder erschafft, sondern wie man sie auswählt und transformiert.
Yanais bevorzugte Themen gehören zu dem, was man als Ästhetik der internationalen Mittelschicht bezeichnen könnte: helle Wohnungen mit designorientierten Möbeln, Segelboote auf ruhigen Seen, anspruchsvolle Zimmerpflanzen, Hotelpools, offene Fenster mit Blick auf mediterrane Landschaften. Diese Bildsprache ist keineswegs beliebig, sondern bildet den visuellen Wortschatz einer bestimmten globalisierten bürgerlichen Moderne, wie sie in Einrichtungszeitschriften und sozialen Netzwerken zu finden ist. Indem Yanai sich diese Codes aneignet, kritisiert er sie nicht frontal, sondern verwandelt sie in malerisches Material, das ihre ästhetische ebenso wie ihre soziologische Dimension offenbart.
Architektur als existenzielle Metapher
Yanais architektonischer Ansatz geht weit über die bloße Darstellung von Gebäuden hinaus. Er stellt ein echtes System visuellen Denkens dar, das seine Wurzeln in den Raumtheorien von Architekten und Philosophen des 20. Jahrhunderts hat. Der Künstler, der in der besonderen architektonischen Umgebung Israels aufgewachsen ist, bevor er sich in Frankreich niederließ, entwickelt eine besondere Sensibilität für die Fragen des Wohnens und der Verwurzelung.
In seinen architektonischen Werken führt Yanai einen impliziten Dialog mit den Überlegungen von Le Corbusier zur “Wohnmaschine” und zur Standardisierung des Wohnraums. Seine Innenräume, seien es Pariser Wohnungen oder kalifornische Villen, offenbaren eine internationale ästhetische Standardisierung, die geographische Grenzen überschreitet. Diese Homogenisierung des bewohnten Raums wird bei ihm zum Symptom eines zeitgenössischen Zustands: dem des modernen Menschen, der sich überall und doch nirgends “zu Hause” fühlen kann.
Die Architektur in Yanais Werk fungiert auch als Metapher für den Identitätsaufbau. Geboren in Israel, aufgewachsen in den USA, ausgebildet zwischen New York und Frankreich, lebt der Künstler heute zwischen Tel Aviv und Marseille und verkörpert selbst jene geographische Mobilität, die unsere Zeit charakterisiert. Seine Gemälde von Innenräumen sind niemals Porträts spezifischer Orte, sondern eher Archetypen bewohnbarer Räume, Modellvorstellungen dessen, was ein universalisierbares “Zuhause” sein könnte.
Yanais malerische Technik findet in der Architektur ihren kohärentesten Ausdruck. Seine horizontalen Farbstreifen erinnern an Bauelemente eines Gebäudes: Ziegel, Betonblöcke, Bretter, Verkleidungen. Dieser methodische Ansatz des malerischen Aufbaus spiegelt architektonische Prozesse wider, bei denen jedes Element seinen Platz in einem kohärenten strukturellen Ganzen finden muss. Der Künstler verbirgt dabei nicht seine Bewunderung für die Meister der modernen Architektur, insbesondere jene, die Funktionalität und Schönheit zu verbinden wussten.
Diese architektonische Dimension zeigt sich auch in der Art und Weise, wie Yanai den Raum seiner Gemälde organisiert. Im Gegensatz zu Malern, die die Illusion von Tiefe suchen, bevorzugt er einen frontalen Ansatz, der architektonische Fassaden evoziert. Seine Kompositionen werden nach den Prinzipien von Symmetrie und Gleichgewicht gestaltet, die an die Regeln der klassischen architektonischen Komposition erinnern, dabei aber eine eindeutig zeitgenössische Ästhetik integrieren.
Der Einfluss der Bauhaus-Schule, der besonders in der israelischen Architektur in Tel Aviv, wo der Künstler lebt, präsent ist, zeigt sich in diesem Streben nach funktionaler Schönheit. Yanai reproduziert nicht die Formen des Bauhauses, sondern aktualisiert den Geist davon: den einer demokratischen Moderne, die Schönheit zu einem zugänglichen Gut macht und nicht zu einem aristokratischen Privileg. Diese ästhetische Philosophie zeigt sich in der Wahl seiner Motive, die stets aus dem alltäglichen Umfeld der zeitgenössischen städtischen Mittelschicht stammen.
Die Frage des Wohnens bei Yanai greift existenzielle Anliegen auf, die Martin Heidegger in seiner Reflexion über Sein und Raum entwickelt hat. Während der deutsche Philosoph die Authentizität des traditionellen Zuhauses im Angesicht der technischen Moderne hinterfragte, scheint Yanai diese Moderne zu akzeptieren und sogar zu feiern. Seine Innenräume sind nicht nostalgisch für eine vergangene Zeit, sondern bekräftigen im Gegenteil die Möglichkeit einer zeitgenössischen Schönheit, selbst in der Standardisierung.
Der Film von Éric Rohmer: eine Poetik von Zeit und Raum
Der Einfluss des französischen Filmemachers Éric Rohmer auf das Werk von Guy Yanai ist einer der erhellendsten Schlüssel zum Verständnis seiner künstlerischen Vorgehensweise. Diese Verbindung geht über die bloße Aneignung filmischer Bilder hinaus und bildet eine echte Arbeitsmethode und ästhetische Philosophie. Rohmer, Meister der französischen Nouvelle Vague, hat einen Kinoalltag geschaffen, der bei Yanai seine überzeugendste malerische Umsetzung findet.
Die rohmer’sche Ästhetik beruht auf einer genauen Aufmerksamkeit gegenüber den Details des französischen bürgerlichen Alltags. Seine Filme bevorzugen lange Dialoge in natürlichen Kulissen oder sorgfältig ausgewählten Innenräumen, die eine Atmosphäre kontemplativer Intimität schaffen, die das Werk Yanais tief durchdringt. Der israelische Künstler überträgt diesen Ansatz in die Malerei, indem er scheinbar banale Szenen bevorzugt: eine Frau, die an einem Fenster liest, ein Paar, das auf einem Steg spricht, ein Pariser Interieur, das vom morgendlichen Licht durchflutet wird.
Die rohmer’sche Zeitlichkeit, geprägt von Langsamkeit und Schwebe, findet ihr malerisches Äquivalent in der Technik Yanais. Seine langen horizontalen Farbflächen erinnern an die Geduld, die für den Aufbau des Bildes notwendig ist, und schaffen einen visuellen Rhythmus, der an das besondere Tempo der Rohmer-Filme erinnert. Diese mühevolle Technik steht im Gegensatz zur Unmittelbarkeit der zeitgenössischen digitalen Bildsprache und schlägt eine Betrachtungszeit vor, die mit jener des französischen Filmemachers korrespondiert.
In „Sommergeschichte” (1996) oder „Herbstgeschichte” (1998) entwickelt Rohmer eine gefühlsmäßige Geografie des französischen Bürgertums, die Yanai fasziniert. Der Künstler schöpft aus dieser Bildwelt, um seine eigenen malerischen „Geschichten” zu erschaffen, in denen die Orte zu den eigentlichen Protagonisten der Werke werden. Seine Gemälde der Mittelmeerküste, provenzalischer Terrassen oder Pariser Gärten aktualisieren das rohmer’sche Universum und verleihen ihm eine neue plastische Dimension.
Licht nimmt bei Rohmer einen zentralen Platz ein, besonders in seinen letzten Werken, in denen er die chromatischen Variationen der französischen Jahreszeiten erforscht. Yanai überträgt diese Lichtforschung, indem er eine charakteristische Farbpalette entwickelt: mediterrane Blautöne, zarte Grünnuancen des Pariser Frühlings, pudrige Rosa des sommerlichen Tagesendes. Diese rohmer’sche Chromatologie wird bei ihm zu einer eigenständigen malerischen Sprache, die in der Lage ist, spezifische Atmosphären und Emotionen hervorzurufen.
Rohmers dokumentarischer Ansatz, der oft reale Orte mit fast ethnografischer Präzision filmt, inspiriert Yanais Arbeitsmethode. Der Künstler sammelt Bilder von seinen Reisen und seinen Internetentdeckungen mit derselben Akribie, mit der der Filmemacher seine Kulissen auswählte. Diese Bildanhäufung wird zum Grundmaterial eines Werks, das Dokumentarisches in Poesie verwandelt, Faktisches in Traumhaftes.
Rohmers moralische Philosophie, die mit Wohlwollen die kleinen Heucheleien und großen Träume des französischen Bürgertums betrachtet, findet ihr Pendant in Yanais urteilsfreiem Ansatz gegenüber seinen Sujets. Der Künstler karikiert niemals die Welt der Mittelschicht, die er darstellt, sondern offenbart im Gegenteil deren potentielle Schönheit und emotionale Komplexität. Diese ästhetische Empathie ist einer der berührendsten Aspekte seiner Arbeit.
In seinen “Contes des quatre saisons” entwickelte Rohmer eine Poetik der zyklischen Zeit, die Yanais zeitliches Konzept beeinflusst. Seine Gemälde stellen nie bestimmte historische Momente dar, sondern vielmehr zeitlose Augenblicke, aufgehängt in einer bürgerlichen Ewigkeit, die an Rohmers Universum erinnert. Diese bewusste Zeitlosigkeit erlaubt seinen Werken, den Zwängen der Gegenwart zu entkommen und eine Form zeitgenössischer Universalität zu erreichen.
Die charakteristische Mittelökonomie von Rohmers Kino inspiriert auch Yanais minimalistische Herangehensweise. Wie der Filmemacher, der Meisterwerke mit lächerlichen Budgets schuf, gelingt es dem Künstler, Werke von großer emotionaler Tiefe mit absichtlich begrenzten malerischen Mitteln zu schaffen: wenige Farben, eine repetitive Technik, scheinbar einfache Motive. Diese Ästhetik der Zurückhaltung ist eine der Hauptstärken seiner Arbeit.
Die zeitgenössische Synthese
Guy Yanai vollzieht eine bemerkenswerte Synthese zwischen malerischer Tradition und zeitgenössischer Sensibilität. Seine Technik, vom Pointillismus geerbt und durch digitale Ästhetik aktualisiert, ermöglicht die Schaffung von Werken, die gleichzeitig unser zeitgenössisches, an Bildschirme gewohntes Auge und unsere kunsthistorisch geprägte Kultur ansprechen. Diese doppelte Zugehörigkeit ist die Hauptoriginalität seines Ansatzes und erklärt seinen heutigen internationalen Erfolg.
Der Künstler nimmt seine Rolle als Mann seiner Zeit voll an und nutzt das Internet als gigantisches imaginäres Museum, aus dem er seine Inspirationen schöpft. Dieser Ansatz, der gestern Puristen entsetzt hätte, offenbart eine Intelligenz der Zeit, die Yanai zu einem der relevantesten Maler seiner Generation macht. Wie er selbst betont: “Ich bin sicher, dass Matisse dasselbe tun würde. Wirklich. Überall hat man diese visuellen Dinge” [1].
Diese Freiheit in der Aneignung der Quellen geht mit technischer Strenge einher, die das Werk davor bewahrt, in Beliebigkeit zu versinken. Jedes Gemälde Yanais zeugt von einem erheblichen zeitlichen und emotionalen Einsatz, von einer Detailgenauigkeit, die das übernommene Bild in eine originelle Schöpfung verwandelt. Die Langsamkeit seines Schaffensprozesses kontrastiert wohltuend mit der raschen Verbreitung zeitgenössischer Bilder und bietet eine Kunstzeit, die sich der allgemeinen Beschleunigung unserer Gesellschaften widersetzt.
Yanais Werk stellt auch die Frage nach künstlerischer Identität in einer globalisierten Welt. Der israelische Künstler, der in den USA ausgebildet wurde, zwischen Frankreich und Israel lebt und in den Welt-Hauptstädten der zeitgenössischen Kunst ausstellt, verkörpert eine neue Künstlergeneration, für die geografische Verwurzelung keine notwendige Bedingung mehr für die Schöpfung ist. Diese bewusste Nomadität bereichert sein Werk mit einer kulturellen Vielfalt, die die nationalen Besonderheiten übersteigt.
Die kritische Rezeption von Yanais Werk offenbart die Spannungen unserer künstlerischen Zeit. Einige sehen darin eine naive Feier des westlichen bürgerlichen Lebensstils, andere eine subtile Kritik an der gegenwärtigen ästhetischen Standardisierung. Diese Zweideutigkeit stellt wohl eine der Stärken seiner Arbeit dar: Er lehnt sowohl die Leichtigkeit der expliziten Anprangerung als auch die der dekorativen Gefälligkeit ab und schlägt einen Mittelweg vor, der unsere Beziehung zur zeitgenössischen Schönheit hinterfragt.
Die Zukunft dieses Werks wird vermutlich von seiner Fähigkeit abhängen, das empfindliche Gleichgewicht zwischen Zugänglichkeit und Anspruch, zwischen Verankerung in der Gegenwart und Zeitlosigkeit aufrechtzuerhalten. Die jüngsten Entwicklungen seiner Arbeit, insbesondere die Einführung menschlicher Figuren und die Erkundung neuer Formate, deuten auf eine künstlerische Reife hin, die spannende Entwicklungen verspricht.
Guy Yanai repräsentiert jene Künstlergeneration, die die Herausforderungen der Gegenwart in kreative Chancen verwandeln konnte. Sein Werk zeigt, dass es möglich ist, in einer von Bildern übersättigten Welt eine authentische und persönliche Malerei zu schaffen, vorausgesetzt man akzeptiert die Spielregeln der zeitgenössischen Kunst und behält dabei einen hohen künstlerischen Anspruch bei. Diese Lektion, die elegant und ohne Dogmatismus vermittelt wird, ist wohl die wertvollste Erkenntnis seines Schaffens.
- Chernick, Karen. Artikel “Guy Yanai’s Painting Practice Was Made for This Moment” (Guy Yanais malerische Praxis war für diesen Moment gemacht), veröffentlicht auf artsy, 13. April 2020.
