Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich weiß, ihr spaziert gerne durch Galerien, schlürft Champagner und tut so, als würdet ihr verstehen, was ihr betrachtet. Aber heute sprechen wir über jemanden, der eure Aufmerksamkeit wirklich verdient: John Haverty.
Dieser in Boston geborene Künstler, Jahrgang 1986, und Preisträger des renommierten Luxembourg Art Prize 2016, ist kein typischer Künstler, der hübsche Landschaften malt, um eure bürgerliche Wohnung zu schmücken. Nein. Haverty erschafft faszinierende Welten, ist ein Erforscher der dunkelsten Ecken unserer Gesellschaft, bewaffnet nicht mit einer Machete, sondern mit Kugelschreiber und Aquarellfarben.
Havertys Arbeit ist ein zerbrechliches Gleichgewicht zwischen Schönheit und Abscheu. Mit traditionellen Techniken wie Aquarell und Kugelschreiber auf Papier erschafft er fantastische Welten, die von hybriden Kreaturen bevölkert werden, welche wie aus den kollektiven Albträumen unserer Zeit entsprungen erscheinen. Seine dichten, farbenfrohen Kompositionen, überladen mit winzigen Details, erfordern ununterbrochene Aufmerksamkeit. Jeder Quadratzentimeter erzählt eine andere Geschichte, wie eine Reihe miteinander verbundener visueller Miniromane.
Was Haverty wirklich auszeichnet, ist seine Schöpfungsmethode. Als Pilot bei American Airlines arbeitet er häufig in Flughafenausruheräumen und Hotelzimmern. Dieses nomadische Leben führte ihn dazu, einen einzigartigen Ansatz zu entwickeln: Er schneidet seine Zeichnungen aus und klebt sie auf Vinyl, um entwickelbare Collagen zu schaffen, die unendlich neu angeordnet werden können. Sein Werk “Gangrene” ist buchstäblich eine künstlerische Infektion, die sich ausbreitet und den Raum um sie herum verschlingt.
Der Titel “Gangrene” ist nicht zufällig gewählt. Wie die Infektion, die das Fleisch zerfrisst, wenn sie unbehandelt bleibt, zeigt Haverty uns eine Gesellschaft, die von Überbevölkerung, Überkonsum, Umweltverschmutzung und Kriegen zersetzt ist. Er erinnert uns daran, dass uns diese Probleme unweigerlich zerstören werden, wenn wir sie unbeaufsichtigt lassen. Es ist eine visuelle Warnung, ein Alarmruf, der als Augenschmaus getarnt ist.
Diese apokalyptische Vision erinnert unweigerlich an die Gemälde von Hieronymus Bosch, einem der Künstler, die Haverty beeinflussen. Doch während Bosch im mittelalterlichen religiösen Kontext von Sünde und Verdammnis besessen war, überträgt Haverty diese Besorgnisse in unsere zeitgenössische Epoche mit ihren eigenen Ängsten: Globalisierung, menschliche Umweltauswirkungen, politisches Chaos.
Die grafische Dichte seiner Werke ist von horror vacui geprägt, jener Angst vor der Leere, die dazu drängt, jeden verfügbaren Raum zu füllen. Dieser visuelle Ansatz ist besonders relevant in unserer Zeit der Informationsüberflutung, in der unser Gehirn ständig mit Reizen bombardiert wird. Haverty gewährt keinen visuellen Moment der Pause, keinen Raum zum Atmen. Er zwingt einen, alles aufzunehmen, so wie wir gezwungen sind, den ständigen Fluss alarmierender Informationen aus unserem medialen Alltag zu absorbieren.
Nehmen wir uns einen Moment Zeit, um seinen kreativen Prozess zu betrachten. “Ich arbeite besser, wenn ich mein Unterbewusstsein schweifen lasse und es sich frei manifestieren kann”, erklärt er. “Die Stifte dienen als Besen, die meinen Denkprozess illustrieren. Die Ergebnisse sind oft mehrdeutige Erzählungen, die vertraut, aber stark übertrieben sind [1]“. Diese spontane und direkte Methode erzeugt Werke, die zugleich geplant und chaotisch erscheinen, als hätten sie sich organisch entwickelt, statt bewusst konstruiert worden zu sein.
Der satirische Aspekt seiner Arbeit ist entscheidend für das Verständnis ihrer Reichweite. Haverty ist nicht nur ein fantastischer Illustrator, der imaginäre Welten für unser ästhetisches Vergnügen erschafft. Er nutzt diese Welten als verzerrenden Spiegel, der unsere eigene Realität reflektiert. Seine visuellen Übertreibungen tragen dazu bei, “ein Wunderland ausstrahlende Paranoia” zu gestalten, wie er es selbst beschreibt.
Was mich an seinen Collagen besonders beeindruckt, ist ihr zeitlicher Aspekt. Jeder Abschnitt ist ein “Straßenbild”, geboren in einer anderen Umgebung und eingefangen in einem spezifischen Moment. Das Ganze bildet eine Art visuelles Tagebuch, einen Katalog sich ständig wandelnder Gedanken. Diese diachrone Dimension verleiht seiner Arbeit eine zusätzliche Tiefe: Wir betrachten nicht nur ein statisches Bild, sondern eine Ansammlung von Erfahrungen und Reflexionen.
Haverty reiht sich in eine Tradition von Künstlern ein, die Kunst als Instrument der Gesellschaftskritik nutzen. Aber er tut dies mit einer unbestreitbaren Frische und Originalität. Seine Arbeit erinnert uns seltsam an die Radierungen von Francisco de Goya, besonders an seine Serie “Los Caprichos”. Wie Goya verwendet Haverty Übertreibung und Absurdität, um die Torheiten der Gesellschaft zu enthüllen. Während Goya jedoch in Schwarz-Weiß arbeitete, ertränkt uns Haverty in einem Sturm lebhafter Farben.
Diese Parallelen zu Goya sind kein Zufall. Beide Künstler teilen eine grundlegende Sorge um die Exzesse und Absurditäten ihrer jeweiligen Zeit. Goyas “Caprichos” mit der berühmten Radierung “Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer” finden ein Echo in Havertys Arbeit. Seine fantastischen Kreaturen scheinen ebenfalls aus einem kollektiven Schlaf der Vernunft geboren zu sein, einer Gesellschaft, die aufgehört hat, gegenüber den Gefahren, die sie bedrohen, wachsam zu sein.
Die politische Dimension von Havertys Arbeit ist in unserer Zeit extremer Polarisierung besonders eindringlich. Seine Werke “werfen einen kritischen Blick auf den rutschigen Abhang, auf dem wir als Gesellschaft bequem dahingleiten [2]“. Er stellt die Frage: Wie weit ist zu weit? Wann werden die Probleme, die wir ignorieren, unüberwindbar?
Genau diese Frage verleiht seiner Arbeit eine besondere Dringlichkeit. In einer Kultur der zunehmend fragmentierten Aufmerksamkeit, in der systemische Probleme in einem Strom trivialer Informationen untergehen, nutzt Haverty die visuelle Überladung als Strategie, um unsere Aufmerksamkeit zu erregen und aufrechtzuerhalten. Er versteht, dass in unserer hypervernetzten Welt Aufmerksamkeit zu einer seltenen und kostbaren Ressource geworden ist.
Diese Strategie erinnert nicht ohne Grund an die Theorien von Herbert Marcuse über die “repressive Entsublimierung”, jenen Prozess, durch den die dominante Kultur Kritik absorbiert und neutralisiert, indem sie sie in Unterhaltung verwandelt. Haverty scheint sich dieses Fallstricks bewusst zu sein und umgeht ihn geschickt. Seine Werke sind unbestreitbar ästhetisch ansprechend, aber diese Schönheit dient dazu, uns in eine Konfrontation mit verstörenden Wahrheiten zu ziehen.
Marcuse, eine zentrale Figur der Frankfurter Schule, schlug vor, dass wahre Kunst eine kritische Distanz zur Gesellschaft bewahren müsse, die sie kritisiert. Diese Distanz ermöglicht es der Kunst, ihr utopisches Potenzial zu bewahren, ihre Fähigkeit, Alternativen zum Status quo vorzustellen. Havertys Arbeit verkörpert diese produktive Spannung perfekt: Sie zeigt uns unsere Welt, jedoch transformiert durch eine Vorstellungskraft, die sich den Zwängen des konventionellen “Realismus” widersetzt.
In seinem Essay “Die ästhetische Dimension” schreibt Marcuse, dass authentische Kunst “mit dem herrschenden Bewusstsein bricht, revolutioniert die Erfahrung [3]“. Havertys Collagen vollziehen genau diese Durchbrechung. Sie reißen uns aus unserer gewohnten Wahrnehmung der Welt und zwingen uns, sie aus einem neuen und beunruhigenden Blickwinkel zu sehen. Diese Funktion der Kunst ist besonders wichtig in einer Zeit, in der die Realität selbst zunehmend absurd und irrational erscheint.
Marcuse sah in der Kunst einen Zufluchtsort für die “Negativität”, für die Weigerung, sich mit einer ungerechten Welt abzufinden. Havertys Werke verkörpern diese Negativität, nicht im nihilistischen Sinn, sondern als eine Form kritischen Widerstands. Sie sagen “nein” zum Status quo und weigern sich, das, was in unserer sozialen Organisation und unserem Verhältnis zur Umwelt grundlegend pathologisch ist, als normal hinzunehmen.
Diese politische Dimension ist untrennbar von der Form, die seine Kunst annimmt. Die Wahl der Collage als Hauptmedium ist kein Zufall. Die Collage, mit ihrem Nebeneinander disparatelementen, die zu einer neuen Einheit gezwungen werden, spiegelt die fragmentierte Natur unserer zeitgenössischen Erfahrung wider. Sie ermöglicht auch eine Form organischen Wachstums, die die krebsartige Entwicklung der sozialen Probleme nachahmt, die Haverty zu enthüllen sucht.
Die sich entwickelnde Natur seiner Werke ist besonders bedeutungsvoll. “Gangrene” ist nie wirklich abgeschlossen; sie wächst weiter, dehnt sich aus, frisst mehr Raum. Diese prozessuale Eigenschaft resoniert mit der marcianischen Vorstellung, dass wahre Kunst dem Abschluss und der Endgültigkeit widerstehen muss und die Möglichkeit einer anderen Zukunft offen hält. Havertys Werke sind im ständigen Werden, ebenso wie unsere soziale Realität sich ständig im Fluss befindet.
Ein weiterer interessanter Aspekt von Havertys Arbeit ist ihre Beziehung zu Zeit und Raum. Hauptsächlich in Flughäfen und Hotels geschaffen, werden seine Werke buchstäblich in diesen “Nicht-Orten” produziert, die der Anthropologe Marc Augé als Transitbereiche definiert, geprägt von Einsamkeit und Ähnlichkeit. Diese identitätslosen Räume werden paradoxerweise zu Ankerpunkten einer nomadischen Kreativität, die geografische Grenzen transzendiert.
Diese nomadische Dimension spiegelt sich im Inhalt seiner Werke wider, die globale statt lokale Probleme behandeln. Haverty ist ein wahrhaft kosmopolitischer Künstler, nicht im elitären Sinn, sondern als jemand, der die Welt als ein vernetztes System wahrnimmt, in dem lokale Handlungen globale Konsequenzen haben.
Kehren wir nun zur visuellen Spezifität seiner Arbeit zurück. Die Verwendung von Farbe ist besonders bemerkenswert. Anders als viele Künstler, die dunkle Themen mit einer dunklen Farbpalette behandeln, verwendet Haverty lebendige und gesättigte Farben. Dieser Kontrast zwischen beunruhigendem Inhalt und visueller Strahlkraft schafft eine produktive Spannung, die die Wirkung seiner Werke verstärkt. Es ist, als wäre die von ihm dargestellte Gangrän paradoxerweise voller Leben, wimmelt von Aktivität, obwohl sie den Tod signalisiert.
Dieser Ansatz erinnert mich an die Filme von Wes Anderson, mit ihrer gepflegten und bunten Ästhetik, die oft einen Kontrapunkt zu Themen von Melancholie, Verlust und sozialer Unangepasstheit bildet. Wie Anderson versteht Haverty, dass Schönheit ein kraftvolles Medium für beunruhigende Wahrheiten sein kann. Die ästhetische Verlockung zieht uns in einen Raum, in dem wir eher bereit sind, dem zu begegnen, was wir lieber ignorieren würden.
Der Vergleich mit dem Kino ist kein Zufall. Havertys Werke besitzen eine unbestreitbar filmische Qualität. Seine großformatigen Collagen laden den Blick ein, sich zu bewegen, Mikroerzählungen zu folgen und unerwartete Verbindungen zwischen verschiedenen Abschnitten zu entdecken. Wie ein Regisseur lenkt er unsere Aufmerksamkeit durch eine komplexe visuelle Landschaft und schafft Momente der Spannung und Entspannung durch Komposition.
Diese erzählerische Dimension ist grundlegend in seiner Arbeit. Trotz der scheinbaren Fragmentierung gibt es eine zugrundeliegende Kohärenz, einen roten Faden, der die unterschiedlichen Elemente verbindet. Es ist keine lineare Erzählung, sondern ein Netzwerk von Assoziationen und Resonanzen, das den Betrachter einlädt, seinen eigenen interpretativen Weg zu konstruieren.
Diese interpretative Offenheit ist eine der großen Stärken seiner Kunst. Haverty zwingt uns keine einheitliche Lesart seiner Werke auf. Er schafft einen Raum der Reflexion, in dem unsere eigenen Anliegen und Perspektiven mit seiner Vision in Dialog treten können. Es ist eine Kunst, die uns aktiv einbindet, anstatt uns zu passiven Konsumenten zu machen.
Diese partizipative Qualität ist in unserer Zeit der beschleunigten kulturellen Konsumtion besonders wertvoll. In einer Welt, in der Kunst oft zu Instagram-Bildern reduziert wird, die in wenigen Sekunden konsumiert und dann nach oben weggewischt werden, verlangt Havertys Arbeit ein lang anhaltendes Engagement und belohnt es auch. Man kann eines seiner Werke nicht einfach mit einem schnellen Blick “konsumieren”; es fordert, dass man Zeit damit verbringt, seine Details erkundet und sich von seiner Welt absorbieren lässt.
In diesem Sinne stellt seine Arbeit eine Form des Widerstands gegen die zeitgenössische kulturelle Beschleunigung dar. In seinem Buch “Beschleunigung” analysiert der Soziologe Hartmut Rosa, wie unsere Beziehung zur Zeit durch die Spätmoderne grundlegend verändert wurde, was ein dauerhaftes Gefühl von Zeitmangel erzeugt [4]. Havertys Kunst lädt uns ein, langsamer zu werden und die nötige Zeit für eine echte Kontemplation zu nehmen.
Rosa schlägt vor, dass die konstante Beschleunigung unseres Lebensrhythmus zu einer Form von Entfremdung führt, einem Verlust bedeutsamer Verbindung mit der Welt. Havertys Werke, mit ihrer Detailfülle, die eine anhaltende Aufmerksamkeit erfordert, schaffen das, was Rosa als “Resonanz” bezeichnen würde, eine Erfahrung, in der wir eine tiefere und authentischere Beziehung zu unserer Umwelt herstellen.
Diese Fähigkeit, Resonanzmomente in einer von Entfremdung und Trennung geprägten Welt zu schaffen, ist eine der wichtigsten Funktionen der zeitgenössischen Kunst. Havertys Arbeit bietet uns nicht nur eine Gesellschaftskritik, sondern auch einen alternativen Raum, in dem wir langsamer werden, kontemplieren und vielleicht eine bedeutungsvollere Form des Engagements mit der Welt wiederentdecken können.
Es ist interessant zu bemerken, dass Haverty selbst in dieser Spannung zwischen Beschleunigung und Kontemplation lebt. Sein Doppelleben als Angestellter bei American Airlines und als Künstler verkörpert diesen modernen Widerspruch. Einerseits ist er Teil einer der emblematischsten Industrien der raumzeitlichen Kompression, die die Globalisierung charakterisiert. Andererseits schafft er Werke, die genau die Art von langsamer und anhaltender Aufmerksamkeit verlangen, die diese Kompression zu erodieren droht.
Diese produktive Spannung durchdringt sein gesamtes Werk. Seine Collagen sind gleichzeitig Produkte der Globalisierung (erschaffen in Flughäfen und Hotels auf der ganzen Welt) und kritische Kommentare zu deren Folgen. Sie verkörpern den zentralen Widerspruch unserer Zeit: Wir sind zugleich Nutznießer und Opfer der Kräfte, die wir entfesselt haben.
Dass Haverty traditionelle Medien wie Aquarell und Kugelschreiber anstelle digitaler Techniken verwendet, ist ebenfalls bedeutsam. In einer zunehmend virtuellen Welt gibt es etwas grundlegend Taktile und Physisches in seinem kreativen Prozess. Diese verankerte Materialität bildet einen interessanten Kontrapunkt zur Fluidität und Vergänglichkeit der digitalen Bilder, die unsere tägliche visuelle Landschaft dominieren.
Diese Vorliebe für traditionelle Medien ist kein bloßer künstlerischer Konservatismus. Sie reflektiert vielmehr ein ausgeprägtes Bewusstsein für die spezifischen Qualitäten, die diese Medien bieten. Aquarell ermöglicht mit seiner Flüssigkeit und relativen Unvorhersehbarkeit einen Dialog zwischen der Intention des Künstlers und den Eigenschaften des Materials. Der Kugelschreiber, ein bescheidenes Alltagswerkzeug, wird in seinen Händen zu einem Präzisionsinstrument, das mikroskopische Details schaffen kann.
Diese Alchemie des Banalen, die Fähigkeit, gewöhnliche Materialien in außergewöhnliche Visionen zu verwandeln, steht im Mittelpunkt von Havertys Praxis. Sie zeugt von einer Einfallsreichtum, die sich weigert, sich von den scheinbaren Grenzen ihrer Werkzeuge einschränken zu lassen. Das ist eine Lektion, die wir gut in unserer eigenen Beziehung zu einer Welt anwenden sollten, die uns oft ihre Zwänge wie Schicksale aufzuerlegen scheint.
Die Arbeit von John Haverty lädt uns zu einer Form von mutiger Klarheit ein. Er fordert uns auf, den Monstrositäten, die wir gemeinsam geschaffen haben, ins Auge zu sehen, nicht um uns in Verzweiflung zu stürzen, sondern um uns an unsere Handlungsfähigkeit zu erinnern. Seine Werke zeigen uns, dass wir selbst angesichts des Schreckens unsere Fähigkeit zur Verwunderung bewahren. Vielleicht ist das Havertys größte Leistung: eine Kunst zu schaffen, die die Schwere unserer Situation voll anerkennt und zugleich den Wert der Fantasie als Kraft des Widerstands und der Transformation bekräftigt. In einer Welt, in der die Fantasie zunehmend von Marktkräften kolonialisiert wird, ist diese Bekräftigung nicht nur ästhetisch kraftvoll, sondern auch politisch notwendig.
Also nehmen Sie sich beim nächsten Mal, wenn Sie ein Werk von John Haverty sehen, die Zeit, sich wirklich darauf einzulassen. Lassen Sie sich irritieren, beunruhigen, vielleicht sogar stören von seinen fantastischen Welten. Denn gerade in dieser Unruhe, in dieser Störung unserer gewohnten Wahrnehmungen liegt die Möglichkeit eines Erwachens, eines Bewusstseins, das der erste Schritt zu einer klareren und verantwortungsvolleren Beziehung zu unserer Welt in der Krise sein könnte.
- Haverty, John. “Künstleraussage”, New American Paintings, MFA Annual, Ausgabe Nr. 117, 2015.
- Haverty, John. “Horror Vacui”, New American Paintings, 2015.
- Marcuse, Herbert. Die Ästhetische Dimension: Für eine Kritik der marxistischen Ästhetik, Éditions de Minuit, 1979.
- Rosa, Hartmut. Beschleunigung: Eine gesellschaftskritische Theorie der Zeit, La Découverte, 2010.
