Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich weiß, wenn ihr von “Western-Kunst aus Amerika” hört, rollt ihr mit einem so vorhersehbar kosmopolitischen Verachtungblick mit den Augen. Ihr denkt sofort an kitschige Gemälde in schäbigen amerikanischen Motels entlang der Interstate 40. Aber lasst mich euch etwas über Martin Grelle sagen, diesen texanischen Maler, der das Western-Genre in ein wahres visuelles Theater verwandelt, das Shakespeare würdig ist.
Ja, ich habe Shakespeare gesagt. Denn was Grelle tut, ist nicht einfach nostalgische Dokumentation eines fantasierten Westens. Nein, es ist reine Dramatik auf Leinwand. Seine Gemälde wie “Monarchs of the North” oder “Teller of Tales” sind ganze Akte menschlichen Dramas, eingefangen in einem einzigen zeitlichen Rahmen. Sie besitzen diese Qualität, die der große englische Dramatiker so gut beherrschte: die Fähigkeit, ein ganzes menschliches Leben mit seinen Spannungen, Hoffnungen und Tragödien in einem einzigen aufschlussreichen Moment zu verdichten.
Der in Clifton, Texas, geborene Künstler malt nicht einfach Cowboys auf Pferden oder Indianer neben Tipis. Er erschafft Momente menschlicher Wahrhaftigkeit, eingefrorene Augenblicke, in denen die dramatische Spannung spürbar ist. In “She Awaits Her Warrior” sehen wir nicht einfach eine indianische Frau, die auf einem Baumstamm sitzt, sondern die Verkörperung von Erwartung, Sorge, Hoffnung, dieses universelle Gefühl der Ungewissheit angesichts des Schicksals eines geliebten Menschen. Shakespeare hätte darin genau das Material seiner Sonette über Zeit und Abwesenheit erkannt.
Grelles Szenen sind strukturiert wie visuelle Theaterstücke, mit ihren Protagonisten, Antagonisten und vor allem ihrer unterliegenden Spannung. Seine Komposition “Memories of Horses and Men” ist ein stilles Monolog, so kraftvoll wie Hamlets. Die enge Einstellung auf den Oberkörper der Figur zwingt uns, der rohen Emotion ihres Gesichts ins Auge zu sehen, während die Gegenstände, die sie hält, zu symbolischen Requisiten ihres ganzen Lebens werden. Genau das tat Shakespeare, als er Hamlet einen Schädel in die Hand gab, um über die Sterblichkeit nachzudenken? [1]
Grelles Werk teilt mit Shakespeare das angeborene Verständnis, dass sich menschliche Wahrheit in Momenten der Krise, Entscheidung, Konfrontation offenbart. Seine Indianer sind keine starren Stereotypen, sondern komplexe Wesen in dramatischen Wahlmomenten, genau wie die Könige und Königinnen in Shakespeares Tragödien. Der Schriftsteller und Kritiker Harold Bloom hatte Recht, als er sagte, “Shakespeare lehrte uns, die menschliche Natur zu verstehen” [2], und genau das versucht Grelle in einem visuellen und historischen anderen Kontext.
Aber täuschen Sie sich nicht: Grelle ist kein einfacher Geschichtenerzähler. Seine Kunst übersteigt das Anekdotische dank einer technischen Beherrschung, die viele zeitgenössische Maler, die sich “Avantgarde” nennen, aber kein galoppierendes Pferd korrekt zeichnen können, vor Neid erblassen ließe. Wie Grelle das Licht der Dämmerung auf den Bergen einfängt, die Textur eines abgenutzten Lederhemdes oder die Muskelspannung eines sich bewegenden Pferdes darstellt, erinnert uns daran, dass technische Virtuosität nicht der Feind emotionaler Tiefe ist, sondern ihr notwendiges Gefäß.
Was mir an seinem Gemälde “Two Coups” gefällt, mit dem er 2005 den Prix de West gewann, ist, wie jedes visuelle Element, von Gesichtsausdrücken bis zur Haltung der Pferde, zur dramatischen Intensität der Szene beiträgt. Shakespeare baute seine Szenen ähnlich auf, wobei jedes Element vom Dialog bis zur Position der Schauspieler die emotionale Wirkung verstärkte. Grelle versteht, dass in der erzählerischen Malerei, genau wie im Theater, nichts zufällig sein darf.
Erlauben Sie mir aber, einen weiteren, vielleicht überraschenden Analysewinkel einzubringen: den der Architektur. Denn Grelles Kunst besitzt eine bemerkenswerte architektonische Qualität. Nicht im buchstäblichen Sinn von Gebäuden (obwohl er gelegentlich Strukturen malt), sondern in der sorgfältigen Konstruktion visueller Räume, die sowohl physisch glaubwürdig als auch emotional resonant sind.
Frank Lloyd Wright, dieses Genie der organischen Architektur, sprach davon, Räume zu schaffen, die in Harmonie mit der Menschheit und der Umwelt stehen. “Architektur ist die Mutter der Künste”, sagte er und argumentierte, dass jede wahre Kunst mit der Architektur diese grundlegende Sorge um die sinnvolle Organisation des Raums [3] teilt. Grelles Werk exemplifiziert diese architektonische Sensibilität in seiner strengen Komposition. Schauen Sie, wie er den Raum in “Monarchs of the North” strukturiert, die Art und Weise, wie die Reiter gegen die imposante Berglandschaft angeordnet sind, ist nicht zufällig, sondern sorgfältig inszeniert, um ein Gefühl von Harmonie zwischen Mensch und Monumentalem zu schaffen.
Diese räumliche Konstruktion bei Grelle ist nicht nur ästhetisch, sondern philosophisch. Wie Wright seine Gebäude in die natürliche Umgebung integrierte, fügt Grelle seine menschlichen Figuren in die Westernlandschaft ein, um nicht Herrschaft, sondern Zugehörigkeit zu suggerieren. Seine indianischen Reiter erobern nicht die Wildnis; sie existieren dort als organische Erweiterung. Es ist eine architektonische Vision der Menschheit in Beziehung zu ihrer Umwelt.
Wright betonte, dass “Raum die Essenz der Architektur ist” [4]. Ebenso steht die Beherrschung des Raums im Zentrum von Grelles Kunst. Beobachten Sie, wie er die Tiefenschärfe manipuliert, wie er aufeinanderfolgende Ebenen nutzt, um ein Gefühl von Unermesslichkeit zu schaffen, ohne dabei die emotionale Intimität seiner Vordergrundfiguren zu verlieren. Das ist eine visuelle Architekturlektion, die viele zeitgenössische Maler studieren sollten, bevor sie uns ihre schlampigen Kompositionen zumuten.
Was aber wirklich bemerkenswert ist, ist, wie Grelle seine Werke als bewohnbare Räume für die Fantasie des Betrachters konstruiert. So wie Wright seine Häuser nicht als Objekte zum Betrachten, sondern als Lebensräume entwarf, schafft Grelle Bilder, in denen unser Blick zirkulieren, verweilen und erforschen kann. Der malerische Raum wird zu einem Ort der Erfahrung, nicht nur zu einem Gegenstand ästhetischer, distanzierter Betrachtung.
Diese architektonische Qualität ist besonders deutlich in seiner Art, das Licht zu strukturieren. Das Licht in Grelles Gemälden, oft das goldene des Zwielichts oder der Morgendämmerung, ist nicht nur ein dekorativer Effekt, sondern ein strukturelles Element, das den Raum definiert und artikuliert. Wright sprach vom Licht als “das Lächeln Gottes über der Schöpfung” und nutzte es als vollwertiges Baumaterial. Grelle tut dasselbe und verwendet Licht, um den Raum zu modellieren und unser Auge durch die Komposition zu führen.
Nehmen Sie sein Gemälde “Signs Along the Snake”, das ihm 2004 den Nona Jean Hulsey Ramsey Buyer’s Choice Award einbrachte. Das flache Licht, das die Szene erleuchtet, ist nicht nur atmosphärisch; es baut den Raum buchstäblich auf, definiert Volumen, schafft Zonen der Spannung und visuellen Ruhe. Genau das tat Wright mit seinen sorgfältig positionierten Fenstern und den Spielen mit natürlichem Licht.
Interessant ist, dass Grelle überwiegend Autodidakt ist, mit James Boren und Melvin Warren, zwei Künstlern der Cowboy Artists of America, als Mentoren. Diese unkonventionelle Ausbildung ermöglichte es ihm, akademischen Dogmen zu entkommen und einen eher instinktiven als intellektualisierten Zugang zu seiner Kunst zu entwickeln. Wie er selbst sagt: “Ich danke Gott für die Fähigkeit und die Gelegenheiten, die Er mir gegeben hat, und hoffe, mit jedem vollendeten Bild weiter wachsen und lernen zu können.”
Diese Demut mag euch naiv erscheinen, liebe Snob-Freunde, die ihr an hochtrabende Reden und verschachtelte theoretische Rechtfertigungen gewöhnt seid. Aber täuscht euch nicht: In Grelles Werk steckt eine tiefe visuelle Intelligenz, die keine Manifeste oder verbalen Erklärungen braucht, um ihren Wert zu beweisen.
Das Problem bei einem Großteil der zeitgenössischen Kunst ist, dass sie oft auf verbale Erklärungen angewiesen ist, um geschätzt zu werden. Ohne das erläuternde Schild nebenan wären viele “konzeptionelle” Werke völlig unverständlich. Grelle hingegen schafft eine Kunst, die direkt durch visuelle Sprache spricht, so wie Shakespeare durch dramatische Sprache und Wright durch architektonische Sprache. Das sind Sprachen, die keiner Übersetzung bedürfen, auch wenn sie durch Analyse bereichert werden können.
Kehren wir einen Moment zu Shakespeare zurück, um die erzählerische Tiefe von Grelle zu verstehen. Der englische Dramatiker excelierte darin, Figuren darzustellen, die in moralische und existentielle Dilemmas verwickelt sind, nicht Abstraktionen, sondern Menschen aus Fleisch und Blut, die sich unmöglichen Entscheidungen stellen. Grelles Gemälde besitzen diese gleiche dramatische Qualität. Seine amerikanischen Ureinwohner, Fallensteller, Cowboys sind keine bloßen dekorativen Figuren, sondern Charaktere im shakespearischen Sinne, Wesen, die in Momenten existenzieller Wahrheit erfasst sind.
Sein Gemälde “Teller of Tales”, das ihm 2002 den West-Preis einbrachte, illustriert diese shakespearische Dimension perfekt. Das Werk zeigt drei amerikanische Ureinwohner in einer vertraulichen Gesprächssituation, die sofort an vertrauliche Szenen in Shakespeares Stücken erinnert. Es ist nicht so sehr die körperliche Handlung, die unsere Aufmerksamkeit fesselt, sondern die psychologische Spannung, die menschliche Interaktion in ihrer Komplexität. Shakespeare lehrte uns, das Drama in gewöhnlichen menschlichen Beziehungen zu sehen, und genau das tut Grelle in einem anderen visuellen Kontext.
Diese Fähigkeit, seinen Sujets Würde und psychologische Tiefe einzuhauchen, hebt Grelles Kunst über das einfache Western-Genre hinaus. Wie die Kunstkritikerin Susan Hallsten McGarry bemerkte, “studiert Grelle sorgfältig, um die verschiedenen Kulturen des amerikanischen Westens genau und sensibel darzustellen” [5]. Diese Suche nach historischer Authentizität ist nicht nur eine Frage der dokumentarischen Genauigkeit, sondern eine Form des Respekts für die menschlichen Leben, die er darstellt, ein Wunsch, ihnen in all ihrer Komplexität gerecht zu werden.
Als Präsident der Cowboy Artists of America hat Grelle seinen Wunsch zum Ausdruck gebracht, die Geschichte des amerikanischen Westens zu bewahren und gleichzeitig offen für zeitgenössischere Perspektiven zu bleiben. Diese Spannung zwischen Tradition und Innovation steht im Zentrum seines Werks. Es geht nicht darum, eine idealisierte Vergangenheit zu mumifizieren, sondern einen lebendigen Dialog mit der Geschichte aufrechtzuerhalten, genau wie Shakespeare die historischen Erzählungen des Tudor-Englands neu erfand oder Wright die organischen architektonischen Prinzipien für eine moderne Ära neu interpretierte.
Jetzt weiß ich, was ihr denkt, ihr Sophistikanten voller Zynismus: “Das ist doch nur kommerzielle Kunst für reiche konservative Sammler.” Aber diese willkürliche Unterscheidung zwischen “kommerzieller” und “reiner” Kunst ist einer der größten Schwindel in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Shakespeare schrieb, um sein zahlendes Publikum und seine königlichen Mäzene zu erfreuen. Wright baute für wohlhabende Kunden. Ihre Kunst war daher nicht weniger authentisch oder bedeutungsvoll.
Die Arbeit von Grelle ist, ähnlich wie die von Shakespeare und Wright, zugleich zugänglich und tiefgründig, eine seltene Kombination in unserer zeitgenössischen Kunstlandschaft, die entweder von einem hermetischen Elitismus oder kommerzieller Oberflächlichkeit dominiert wird. Seine Gemälde können für ihre unmittelbare Schönheit und ihre fesselnde Erzählweise geschätzt werden, bieten jedoch auch mehrere Ebenen der Interpretation für diejenigen, die sich die Zeit nehmen, sich darauf einzulassen.
Und vielleicht ist das die größte Lektion, die wir von Martin Grelle lernen können: Wahre Kunst transzendiert die falschen Dichotomien zwischen traditionell und zeitgenössisch, zugänglich und tiefgründig, kommerziell und rein. Wie Shakespeare, der sowohl für die Aristokraten am Hof als auch für das Volk im Globe Theatre schrieb, wie Wright, der Räume schuf, die sowohl schön als auch funktional sind, schafft Grelle eine Kunst, die sich weigert, zwischen visueller Freude und intellektueller Resonanz zu wählen.
Also denken Sie beim nächsten Mal, wenn Sie versucht sind, die westliche Kunst als ein untergeordnetes oder veraltetes Genre abzutun, an Martin Grelle und die shakespearesche sowie wrightschen Lektionen, die er uns bietet: Künstlerische Größe kann aus jedem Genre, aus jeder Tradition entstehen, vorausgesetzt, sie wird von einer authentischen Vision und einer makellosen Ausführung getragen. Das ist eine Lektion, über die die zeitgenössische Kunstwelt mit ihrer Besessenheit von Neuerungen um jeden Preis gut nachdenken sollte.
Denn letztendlich sind es nicht Etiketten oder Kategorien, die den Wert eines Kunstwerks definieren, sondern seine Fähigkeit, uns die Welt anders sehen zu lassen, uns mit der menschlichen Erfahrung in all ihrer Komplexität zu verbinden. Und nach diesem einzigen wirklich wichtigen Kriterium verdient das Werk von Martin Grelle unsere volle Aufmerksamkeit und unseren Respekt. Auch euren, ihr Snobs.
- Shakespeare, William. “Hamlet”. Akt 5, Szene 1.
- Bloom, Harold. “Shakespeare: Die Erfindung des Menschen”. Riverhead Books, 1998.
- Wright, Frank Lloyd. “Im Dienste der Architektur”. Architectural Record, 1908.
- Wright, Frank Lloyd. “Das Natürliche Haus”. Horizon Press, 1954.
- McGarry, Susan Hallsten. Zitat in “Art of the West”, September/Oktober 2018.
