Hört mir gut zu, ihr Snobs: Es ist an der Zeit, ernsthaft über Rafa Macarrón zu sprechen, diesen 44-jährigen Mann, der von seinem Madrider Atelier mit Blick auf die Hügel von El Pardo aus unser Verständnis der zeitgenössischen Malerei mit einer Kühnheit verändert, die die Kühnsten unter uns erröten lassen würde. Abseits der ausgetretenen Pfade des Akademismus bietet uns dieser zum autodidaktischen Maler gewordene Physiotherapeut ein bildliches Universum von unglaublicher Reichhaltigkeit, bevölkert von schlanken Kreaturen mit träumerisch gestreckten Gliedmaßen, die in surrealen Landschaften mit gesättigten Farben baden.
Das Werk Macarróns entwickelt sich in dieser ständigen Spannung zwischen der akribischen Anatomie, die er dank seiner medizinischen Ausbildung perfekt beherrscht, und der expressiven Verfremdung, die er seinen Figuren auferlegt. Diese hybriden Gestalten mit deformierten Gesichtern und drahtigen Extremitäten bewegen sich in Kompositionen, die zwischen einsamen Porträts von eindringlicher Melancholie und belebten Panoramen oszillieren, in denen Dutzende von Protagonisten scheinbar gleichzeitig an vielfältigen Szenen des Alltagsgeschehens teilnehmen. Diese beständige Dualität zwischen Einsamkeit und Gemeinschaft, zwischen anatomischer Präzision und schöpferischer Verzerrung, bildet eine der größten Stärken seiner Arbeit.
Das Erbe der Geständnisse: Eine bildliche Spiritualität
Das Universum von Rafa Macarrón zieht tief aus der mystischen literarischen Tradition, insbesondere aus den Bekenntnissen des heiligen Augustinus [1], einem Gründungswerk, das der Künstler als Pflichtlektüre und wichtige Inspirationsquelle anerkennt. Diese Verbindung ist nicht zufällig, da sie eine Herangehensweise an die Schöpfung offenbart, die weit über den bloßen bildnerischen Akt hinausgeht und sich zu einer authentischen spirituellen Suche erhebt. Wie Augustinus die Windungen seiner Seele durchforschte, um Spuren des Göttlichen zu erkennen, erkundet Macarrón die Winkel der menschlichen Existenz durch seine deformierten, aber berührenden Figuren.
Die geständnisartige Dimension seiner Kunst zeigt sich in der einzigartigen Fähigkeit, die Beobachtung des Alltags in eine tiefe Meditation über das Dasein zu verwandeln. Seine Kreaturen, geboren aus seiner Vorstellungskraft, aber genährt von seiner persönlichen Erfahrung, tragen diese augustinische Introspektion in sich, die versucht, das Wesen des Seins jenseits der Erscheinungen zu erfassen. Der Madrider Künstler teilt mit dem Bischof von Hippo die Überzeugung, dass die Wahrheit sich in der minutiösen Selbstprüfung und der Beziehung zur Welt offenbart. So reproduziert Macarrón, wenn er direkt auf die Leinwand malt, ohne vorbereitende Skizze, in einem spontanen Schwung, den er selbst mit einem Zustand kreativer Trance vergleicht, diese augustinische Haltung des vertrauensvollen Hingebens an eine höhere Kraft, die Hand und Geist leitet.
Diese mystische Dimension seiner Arbeit zeigt sich in seiner meditativen Malpraxis, die er aus seinen Jahren als Profi-Radsportler übernommen hat, in denen er bereits diese Verbindung zum Absoluten entdeckte, von der die großen Mystiker sprechen. Seine Lektüren von Philosophie, Poesie und mystischer Literatur nähren direkt seine Schöpfung und ermöglichen es ihm, diesen Zustand der Loslösung zu erreichen, der für absolute kreative Freiheit notwendig ist. Die Figuren von Macarrón verkörpern mit ihrer Zärtlichkeit trotz ihrer Deformationen diese augustinische Sichtweise der Menschheit: unvollkommen, aber durch die Liebe erlöst, grotesk, aber durch die Gnade verklärt.
Die Spontaneität seines malerischen Gestus, diese Fähigkeit, acht oder zehn Stunden am Stück zu malen, ohne das Vergehen der Zeit zu spüren, ruft direkt die mystische Erfahrung der zeitlichen Ekstase hervor, wie sie von Augustinus beschrieben wurde. In dieser Gemeinschaft mit dem schöpferischen Akt schließt sich Macarrón der Tradition spiritueller Künstler an, die ihre Kunst als Mittel zum Dialog mit dem Göttlichen sehen. Seine Gemälde werden so zu wahren malerischen Beichten, Zeugnissen einer Seele auf der Suche nach Sinn und Schönheit in einer oft chaotischen Welt. Dieser beichtende Ansatz erklärt auch, warum seine Werke den Betrachter so tief berühren: Sie tragen diese Authentizität der aufrichtigen Beichte in sich, diese nackte Wahrheit des Menschen gegenüber sich selbst und seinen existenziellen Fragestellungen.
Der architektonische Raum der Seele
Der Einfluss der Architektur auf das Werk von Rafa Macarrón darf nicht unterschätzt werden, da sie seine künstlerische Sichtweise und sein Verständnis des bildlichen Raums grundlegend strukturiert. Als Sohn von Architekten wuchs der Künstler in einer Umgebung auf, in der räumliche Gestaltung und Volumenbeherrschung zum Familienalltag gehörten. Diese frühe Ausbildung zeigt sich heute in einer einzigartigen Annäherung an die Komposition, bei der jedes Element seinen Platz nach einer strengen architektonischen Logik findet, selbst im scheinbaren Chaos seiner dichtesten Panoramen.
Macarróns Atelier selbst, beschrieben als eine ausgewogene Welt, in der alles genau dort zu sein scheint, wo es sein soll, offenbart diese tiefe architektonische Sensibilität. Dieser Raum, den man durch eine Tür-Gemälde betreten muss, um in ein anderes Universum zu gelangen, funktioniert als Metapher für seinen schöpferischen Ansatz: Kunst als Architektur der Vorstellungskraft, geduldiger Aufbau einer alternativen Welt, die von ihren eigenen räumlichen Gesetzen regiert wird. Die Reisen seiner Kindheit mit seinen Architekteneltern, diese Wanderungen über Kunstmessen und durch Museen weltweit, nährten sein Verständnis des Raums als Ort ästhetischer Offenbarung.
Diese architektonische Ausbildung zeigt sich besonders in seinem Umgang mit den Beziehungen zwischen Zweidimensionalität und Dreidimensionalität. Seine Figuren mit ihren verlängerten Gliedmaßen scheinen aus der bildlichen Oberfläche hervortreten zu wollen und schaffen diese charakteristische räumliche Spannung, die den Betrachter dem dargestellten Universum näherbringt. Diese Manipulation von Perspektive und Volumen offenbart eine architektonische Meisterschaft des Raums, die weit über eine bloße bildliche Darstellung hinausgeht. Macarrón baut seine Kompositionen buchstäblich auf, wie ein Architekt ein Gebäude errichtet, indem er den Blickfluss, Fluchtpunkte, Volumen und Leerstellen bedenkt.
Seine flachen Hintergründe sind kein stilistischer Kunstgriff, sondern Teil dieser architektonischen Logik: Sie schaffen einen neutralen Raum, der es den Figuren erlaubt, ihre skulpturale Präsenz zu entfalten. Diese Maßhaltung offenbart ein tiefes Verständnis der Beziehungen zwischen Figur und Architektur, zwischen Bewohner und Habitat. Seine Figuren bewegen sich in reduzierten Räumen, die manchmal an Fahrstuhlinnenräume oder Wartezimmer erinnern, diese Nicht-Orte der modernen Architektur, in denen sich die Menschheit in ihrer grundlegenden Einsamkeit offenbart.
Die innovative Verwendung industrieller Materialien wie Aluminium und PVC zeugt ebenfalls von dieser zeitgenössischen architektonischen Sensibilität. Diese Träger, die normalerweise dem Bauwesen vorbehalten sind, werden unter seinem Pinsel zu künstlerischen Ausdrucksflächen und schaffen einen neuen Dialog zwischen Kunst und Architektur. Diese Überschreitung der materiellen Grenzen ist Teil einer modernen architektonischen Vorgehensweise, die die traditionelle Hierarchie von edlen und vulgären Materialien ablehnt.
Seine jüngsten Skulpturen, insbesondere seine Bronzetiere, bestätigen diese Entwicklung hin zu einer architektonischen Praxis der Kunst. Diese dreidimensionalen Werke, mit denen der Betrachter interagieren kann, verwandeln den Ausstellungsraum in eine wahre Architektur der ästhetischen Erfahrung. Macarrón beschränkt sich nicht mehr darauf, den Raum zu malen, er formt, modelliert und bewohnt ihn. Diese natürliche Progression von der Malerei zur Skulptur zeigt eine architektonische Logik, die bereits in seinen ersten Gemälden vorhanden war.
Materie und Geist: Eine zeitgenössische Alchemie
Die technische Vielfalt von Rafa Macarrón verdient besondere Aufmerksamkeit, da sie einen wahrhaft revolutionären Ansatz in der künstlerischen Schöpfung offenbart. Sein Arsenal an Materialien, Acryl, Gouache, Öl, Bleistifte, Marker, Sprühdosen, Aluminium, PVC, zeugt von völliger Freiheit gegenüber akademischen Konventionen. Diese Vielfalt ist nicht willkürlich: Jedes Material entspricht einer bestimmten Geisteshaltung, einem spezifischen Ausdrucksbedürfnis, das die emotionale Palette des Werks bereichert.
Das Spray bringt Modernität und Dynamik, Bleistifte und Marker schaffen das Gefüge und die Texturen, Wachse, Acrylfarben und Gouachen bieten nuancierte Transparenzen, während das Öl das Ganze verkompliziert. Dieser polymorphe Ansatz zeigt einen Künstler, der Einschränkungen ablehnt, einen Schöpfer, der aus allen technischen Registern schöpft, um seine Vision zu verwirklichen. Seine Gemälde werden so zu wahren Experimentierlaboren, in denen sich jahrhundertealte Traditionen und zeitgenössische Innovationen vermischen.
Die Spontaneität seiner Gestik, die Fähigkeit, direkt auf die Leinwand ohne vorbereitende Skizze zu malen, basiert paradoxerweise auf absoluter technischer Beherrschung. Macarrón kann sich diese scheinbare Freiheit leisten, weil er sein Handwerk perfekt beherrscht, weil ihm seine jahrelange Ausbildung in Anatomie eine intime Kenntnis der Körperstruktur vermittelt hat, die er dann ganz bewusst verfremden kann. Diese Dialektik zwischen Kontrolle und Loslassen ist einer der faszinierendsten Aspekte seiner Arbeit.
Die verwandelte Menschheit
Macarróns Figuren bewohnen eine Welt, die zugleich vertraut und fremd, alltäglich und fantastisch ist. Diese Wesen mit unmöglichen Proportionen, kugeligen Augen und gestreckten Gliedmaßen tragen die ganze Komplexität der zeitgenössischen menschlichen Existenz in sich. Sie rufen unsere Einsamkeit in den Großwohnsiedlungen, unsere Kommunikationsschwierigkeiten trotz körperlicher Nähe und unsere Sinnsuche in einer zunehmend mechanisierten Welt hervor.
Doch weit entfernt davon, in einfachen Pessimismus zu verfallen, haucht Macarrón seinen Werken eine unendliche Zärtlichkeit ein, die alle Deformationen erlöst. Seine Figuren, trotz ihrer manchmal verstörenden Erscheinung, strahlen eine tiefe Menschlichkeit aus, die uns direkt berührt. Diese Fähigkeit, Schönheit in der Verformung und Anmut in der Unvollkommenheit zu zeigen, stellt den Künstler in die Reihe großer Meister, die die rohe Realität in eine poetische Vision verwandeln.
Der Einfluss von Picasso, den der Künstler seit seinem kindlichen Besuch des Pariser Museums für sich beansprucht, zeigt sich in dieser Freiheit, die man bei der traditionellen anatomischen Darstellung nimmt. Aber während der Meister aus Málaga die Malerei durch die kubistische Geometrisierung revolutionierte, schlägt Macarrón einen anderen Weg vor: den des zarten Expressionismus, der empathischen Verzerrung, die die Seele offenbart, statt sie zu se zieren.
Eine wohlverdiente internationale Anerkennung
Der Werdegang von Rafa Macarrón beeindruckt durch seine Schnelligkeit und Kohärenz. Preisträger des BMW-Preises für Malerei 2011, ausgestellt auf den größten internationalen Messen von Mexiko bis Miami und Basel, hat der Künstler es geschafft, ein weltweites Publikum zu gewinnen, ohne jemals seine originelle Vision zu verraten. Seine Einzelausstellungen, vom CAC Málaga bis zur Fundación La Nave Salinas in Ibiza, zeugen von institutioneller Anerkennung, die ein authentisches künstlerisches Schaffen bestätigt.
Die Zusammenarbeit mit prestigeträchtigen Galerien wie Nino Mier in Los Angeles oder der Allouche Gallery bestätigt den steilen Aufstieg eines Künstlers, der es in weniger als zwei Jahrzehnten geschafft hat, einen unverkennbaren Stil zu etablieren. Seine Werke, die inzwischen in führenden privaten und institutionellen Sammlungen vertreten sind, tragen dazu bei, die Konturen der europäischen zeitgenössischen Malerei neu zu definieren.
Die Zukunft einer Vision
Heute, mit 44 Jahren, befindet sich Rafa Macarrón an einem Wendepunkt seiner Karriere. Seine jüngsten Vorstöße in die Bildhauerei, insbesondere mit seinen Bronzehunden, eröffnen neue Perspektiven für seine Kunst. Diese dreidimensionalen Werke, die zur physischen Interaktion mit dem Betrachter einladen, setzen seine Reflexion über die Beziehungen zwischen Menschlichkeit und Raum, zwischen Einsamkeit und Gemeinschaft, nahtlos fort.
Der Madrider Künstler schlägt uns einen originellen Weg vor, die ästhetischen Herausforderungen des 21. Jahrhunderts zu begreifen. Weder nostalgisch für eine vergangene Zeit, noch blind auf eine technologische Zukunft ausgerichtet, schöpft er aus den tiefen Ressourcen der malerischen Tradition, um eine entschieden zeitgenössische bildnerische Sprache zu erfinden. Seine hybriden, zarten und verzerrten Kreaturen sprechen mit seltener Schärfe über unsere Zeit, enthüllen die Brüche und Schönheiten einer sich ständig wandelnden Menschlichkeit.
In einer von Modetrends und spekulativen Geschäften dominierten Kunstwelt repräsentiert Rafa Macarrón diese seltene Authentizität, die nur wahre Schöpfer besitzen. Seine Arbeit, tief verwurzelt in einer spirituellen Tiefe und genährt von vielfältigen Einflüssen, von Saint Augustin [1] bis zur École de Paris, über Dubuffet und Miró, stellt einen wesentlichen Beitrag zur zeitgenössischen Malerei dar. Sie erinnert uns daran, dass Kunst über ihre dekorativen oder spekulativen Aspekte hinaus in erster Linie ein bevorzugtes Mittel bleibt, um die Geheimnisse der menschlichen Existenz zu erforschen und die verborgene Schönheit der Welt zu offenbaren.
- Saint Augustin, Confessions, 4. Jahrhundert, Werk, das der Künstler im Gespräch mit Carolina Verd, 2018, als grundlegende Lektüre zitiert
