Hört mir gut zu, ihr Snobs. Was ich euch sagen werde, könnte euch stören, aber Raghav Babbar zeigt uns gerade etwas, das die meisten von uns verlernt haben zu sehen. In seinen Gemälden, so dick wie erstarrte Lava, in den Auftragungen, deren Trocknung in der feuchten Londoner Luft Wochen dauert, bietet er uns einen Blick auf die Menschlichkeit, der über unsere kleinen ästhetischen Gewissheiten hinausgeht. Dieser 28-jährige Mann, geboren in Rohtak bei Delhi, malt das Gewöhnliche mit einer Intensität, die selbst Lucian Freud erröten lassen würde. Und glaubt mir, genau das brauchen wir heute.
Wenn man seine Porträts von Kohlenverkäufern, Wächterinnen, Frauen hinter durchsichtigen Dupattas betrachtet, versteht man sofort, dass Babbar nicht auf exotische Pittoreske setzt. Nein, er tut etwas viel Radikaleres: Er malt die Wahrheit. Diese rohe Wahrheit, die uns ins Gesicht schlägt, wenn wir uns die Zeit nehmen, die Menschen um uns herum wirklich zu betrachten. “Ich interessiere mich hauptsächlich für die emotionale Seite und die menschlichen Ausdrucksformen”, sagt er [1]. Das ist wohl die ehrlichste Aussage, die ein figurativer Maler heute machen kann.
Seine Gemälde sprechen uns zuerst durch ihre Materialität an. Diese dicke Masse, diese Farben, die direkt aus der indischen Erde zu stammen scheinen, diese harten Schatten, die die Gesichter wie Klingen aus rohem Licht ausschneiden. Babbar arbeitet mit monastischer Geduld, Schicht um Schicht baut er seine Werke auf und wartet manchmal Wochen, bis die Farbe trocken genug ist, um weiterzumachen. Diese Langsamkeit ist kein Handicap, sondern seine Stärke. Sie ermöglicht es ihm, tiefer in die Seele seiner Modelle einzudringen und jene Mikroexpressionen einzufangen, die die Menschlichkeit in ihrer authentischsten Form offenbaren.
Der Vergleich mit dem Werk von Satyajit Ray drängt sich von selbst auf. Wie der große bengalische Regisseur und Schriftsteller besitzt Babbar diese außergewöhnliche Fähigkeit, das Gewöhnliche in etwas Außergewöhnliches zu verwandeln, ohne jemals die Wahrheit seiner Protagonisten zu verraten. Ray filmte die einfachen Menschen Kalkuttas mit derselben Aufmerksamkeit, die er den Maharajas entgegenbrachte, und offenbarte in jeder Geste, jedem Blick die ganze Komplexität der menschlichen Existenz. Babbar tut genau dasselbe mit seinem Pinsel. Seine “Zwei Migranten in einem Zug” von 2023 erinnern uns sofort an die Reisenden aus “Pather Panchali”, jene anonymen Gesichter, die die ganze Geschichte eines sich bewegenden Landes in sich tragen.
Diese Verbindung zu Ray ist kein Zufall. Babbar schöpft bewusst aus der filmischen Bildsprache, besonders aus den Filmen von Bollywood, von Ray oder des tamilischen Kinos. Aber Vorsicht, hier geht es nicht nur um eine einfache ästhetische Aneignung. Der Künstler versteht, dass das indische Kino in seiner Vielfalt eine einzigartige visuelle Sprache geschaffen hat, um über das zeitgenössische Indien zu sprechen. Indem er einige dieser Codes in die Malerei überträgt, aktualisiert er eine malerische Tradition, die zu verkrusten drohte im Akademismus.
Dieser Ansatz offenbart eine beeindruckende künstlerische Reife bei einem so jungen Mann. Ray selbst hatte die Fähigkeit, westliche Einflüsse und bengalische Sensibilität zu vermischen, ohne je in Nachahmung zu verfallen. Seine Filme führten einen Dialog mit Renoir oder De Sica, während sie tief in der indischen Realität verwurzelt blieben. Babbar verfährt auf dieselbe Weise: Er nimmt die Techniken der Londoner Schule auf, besonders jene von Freud, setzt sie aber für eine ganz eigene Vision ein. Das Resultat übersteigt bei weitem die Summe seiner Einflüsse und schafft etwas wirklich Originelles.
Schauen Sie genau hin bei “Komal in der Werkstatt”, diesem großen Gemälde, auf dem er seine Freundin von oben sieht. Die Genauigkeit, mit der er die floralen Muster ihres Kleides wiedergibt, offenbart nicht nur sein detailverliebtes Auge, sondern auch seine Zuneigung zur weiblichen Schönheit. Diese Liebenswürdigkeit in der Beobachtung, diese Fähigkeit, Poesie in einem zerknitterten Stoff zu sehen, genau das fehlt so viel zeitgenössischer Kunst. Babbar erinnert uns daran, dass Kunst ein Akt der Liebe sein kann, ohne im Sentimentalismus zu versinken.
Doch wenn man die philosophische Dimension seiner Arbeit betrachtet, werden die Dinge wirklich interessant. Babbar gehört, bewusst oder unbewusst, einer besonderen phänomenologischen Tradition an, die Kunst vor allem als Mittel begreift, das Wesen der Dinge zu erfassen. Seine Porträts stellen nicht nur das äußere Erscheinungsbild seiner Modelle dar: sie offenbaren ihr In-der-Welt-Sein, um Heideggers Ausdruck zu verwenden.
Dieser Ansatz wurzelt in Martin Heideggers Denken, besonders im Konzept der alètheia, das er überarbeitet hat, jene Wahrheit, die sich durch Kunst offenbart. Für Heidegger stellt das authentische Kunstwerk nicht die Welt dar, es enthüllt sie. Es lässt uns sehen, was schon immer da war, aber was wir nicht wahrzunehmen vermochten. Genau das tut Babbar mit seinen Porträts gewöhnlicher Inder: Er offenbart uns die universelle Würde dieser Gesichter, die wir täglich begegnen, ohne sie wirklich zu sehen.
Diese Offenbarung erfolgt durch das, was Heidegger als den “Kampf” zwischen Erde und Welt bezeichnete. Die Erde ist jene rohe Materialität der Ölfarbe, die Babbar mit solcher Virtuosität beherrscht. Die Welt ist das Bedeutungsuniversum, das seine Porträts vor uns eröffnen. In “Dai Ma”, dem zärtlichen Porträt einer Frau, die während seiner Kindheit bei ihm lebte, erleben wir diese fruchtbare Konfrontation zwischen der reinen malerischen Materialität und der menschlichen Emotion, die sie offenbart.
Heidegger sprach auch von Kunst als einem Mittel, um dem Vergessen des Seins entgegenzuwirken, das unsere technische Epoche kennzeichnet. Unsere modernen Gesellschaften tendieren dazu, Menschen in Ressourcen, Daten und Statistiken zu verwandeln. Echte Kunst widersetzt sich dieser Entmenschlichung, indem sie uns erinnert, was im einzelnen Dasein unwiederbringlich ist. Babbar trägt vollständig zu diesem Widerstand bei. Seine Kohleverkäufer, seine Wächter, seine verschleierten Frauen werden niemals als soziologische Typen oder ethnographische Kuriositäten behandelt. Sie werden als einzigartige, unersetzliche Personen gemalt, von jeder ein persönliches Geheimnis träglich.
Diese existenzielle Dimension seiner Arbeit wird besonders deutlich, wenn man seine Situation als künstlerischer Migrant betrachtet. Seit 2022 in London ansässig, malt Babbar Indien aus dem Exil. Diese geografische und kulturelle Distanz schärft seinen Blick, ermöglicht es ihm, sein Heimatland mit einer neuen Klarheit zu sehen. „Weit weg von zu Hause zu leben, Fotos von meiner Familie, meinen Freunden, alte Filme und Dokumentationen über Indien anzusehen, lässt mich über meine Herkunft nachdenken”, vertraut er [2] an.
Diese schöpferische Nostalgie ist keineswegs zurückschauend. Sie ähnelt eher dem, was Heidegger die „Destruktion” der Tradition nannte: nicht deren Vernichtung, sondern ihre schöpferische Dekonstruktion, die es ermöglicht, vergessene Potenziale wiederzufinden. Indem er Indien aus London malt, entdeckt Babbar sein Land neu, sieht es mit neuen Augen. Er entgeht folkloristischen Klischees ebenso wie nostalgischen Idealisierungen, um etwas Tieferes zu erreichen: das Wesen der zeitgenössischen indischen Erfahrung.
Dieses Vorgehen erklärt, warum seine Gemälde bei internationalen Sammlern so stark Resonanz finden. Als „Der Kohleverkäufer” (2020/21) im März 2023 bei Sotheby’s für fast 540.000 Euro verkauft wurde und damit seine Schätzung um das Zweiundzwanzigfache überstieg, war das nicht nur ein Marktereignis. Es war die Anerkennung einer universellen Wahrheit, die durch einen besonderen Blick offenbart wurde. Die Käufer, ob asiatisch, europäisch oder amerikanisch, erkannten in diesen indischen Gesichtern etwas, das sie direkt ansprach.
Diese Universalität im Besonderen ist genau das, was Heidegger als Kennzeichen wahrer Kunst identifizierte. Ein Werk ist wirklich groß, wenn es gelingt, durch den Ausdruck einer singulären Erfahrung etwas Universelles zu sagen. Babbar gelingt das, weil er niemals versucht, zu gefallen oder zu beruhigen. Er malt, was er sieht, mit einer brutalen Ehrlichkeit, die Respekt erzwingt.
Nehmen Sie „Warden” (2021), im Mai 2023 bei Phillips für 120.000 Euro verkauft. Der Titel weckt Neugier: Warum nennt man diese Frau mit dem rätselhaften Lächeln so? Babbar zwingt uns, unsere Annahmen zu hinterfragen. Wer beobachtet wen in diesem Porträt? Ist es die Wächterin, die uns beobachtet, oder sind wir die Hüter ihres Gedächtnisses? Diese fruchtbare Zweideutigkeit offenbart die konzeptuelle Raffinesse, die hinter der scheinbaren Einfachheit seiner Malerei steht.
Aber täuschen wir uns nicht: Trotz seines jungen Alters beherrscht Babbar die Herausforderungen der zeitgenössischen Kunst perfekt. Er weiß, dass Porträtmalerei heute ein enormes Risiko ist. Der Markt für zeitgenössische Kunst bevorzugt in der Regel formale Innovation und institutionelle Kritik. Zur Porträtmalerei zurückzukehren bedeutet, sich Anschuldigungen von Konservatismus oder Leichtfertigkeit auszusetzen.
Aber Babbar fällt in keine dieser Fallen. Seine Malerei ist entschieden zeitgenössisch, nicht nur durch ihre Ausführung, sondern auch durch ihre Vision. Er versteht, dass unsere hypervernetzte Ära paradoxerweise ein Defizit an Menschlichkeit geschaffen hat. Unsere Bildschirme zeigen uns jeden Tag Millionen von Gesichtern, aber wir sehen eigentlich niemanden mehr wirklich. Babbar lehrt uns wieder richtig hinzuschauen.
Dieser Widerstand zeigt sich auch in seiner Technik. In einer Zeit, in der alles immer schneller geht und digitale Kunstwerke mit wenigen Klicks geschaffen werden können, fordert Babbar Langsamkeit. Seine dicken Farbaufträge benötigen Wochen zum Trocknen. Diese handwerkliche Zeitlichkeit ist kein Archaismus: Sie ist ein Manifest. Sie bekräftigt, dass manche Wahrheiten nur durch Geduld und Wiederholung erreicht werden können.
Diese Philosophie der langen Zeit spiegelt sich auch in seiner Art wider, seine Kompositionen aufzubauen. Schauen Sie sich “Aroma” (2023) an: jedes Detail scheint abgewogen, jeder Schatten berechnet. Diese Sorgfalt ist nichts Obsessives. Sie drückt eine Form von Respekt gegenüber seinen Modellen aus, den Willen, ihnen durch die Kunst gerecht zu werden.
Diese Ethik des Porträts findet ihren schönsten Ausdruck in seinen Selbstporträts. “Amar (Selbstporträt)” von 2023 zeigt uns einen jungen Mann mit ernstem Blick, sich seiner Verantwortung als Künstler bewusst. Kein Gefallen, keine Heroisierung: nur die Wahrheit eines Mannes, der sich entschieden hat, sein Leben der Offenbarung der Schönheit der gewöhnlichen Welt zu widmen.
Die jüngste Entwicklung seiner Arbeit bestätigt diese frühe Reife. Seine letzten Ausstellungen, insbesondere “Orchestrated Characters” in der Galerie Larsen Warner in Stockholm, zeigen einen Künstler, der beginnt, neue Richtungen zu erkunden, ohne seine Grundsätze zu verleugnen. Die Kompositionen mit mehreren Figuren, die Spiele mit geometrischer Abstraktion offenbaren eine wachsende Ambition. Doch diese formale Raffinesse dient weiterhin dem gleichen Projekt: die Menschlichkeit in ihrer Vielfalt zu feiern.
Was bei Babbar ebenso auffällt, ist sein scharfes Bewusstsein für seine Mission als kultureller Botschafter. “Ich hoffe, in alle Ecken der Welt zu reisen, um die Schönheit meines Landes zeigen zu können, und ich hoffe, dass die Menschen davon beeinflusst werden, Indien zu besuchen”, erklärt er [3]. Diese Ambition könnte naiv erscheinen, wäre sie nicht von einer so ausgereiften künstlerischen Vision getragen. Babbar macht keinen Kulturtourismus: Er enthüllt die Seele eines Landes durch seine anonymen Gesichter.
Dieser Ansatz steht in einer langen Tradition. Von Rembrandt, der die Bürger Amsterdams malte, bis zu Alice Neel, die das populäre New York porträtierte, waren große Porträtisten stets Chronisten ihrer Zeit. Babbar setzt diese Tradition fort und passt sie an unsere globalisierte Welt an. Seine Inder sprechen alle an, weil sie universelle Emotionen verkörpern: Würde in der Widrigkeit, Schönheit in der Einfachheit, Hoffnung trotz Schwierigkeiten.
Sein früher kommerzieller Erfolg könnte beunruhigen. Wenn ein Künstler mit achtundzwanzig Jahren Werke zu sechsstelligen Preisen verkauft, besteht das Risiko der Verfälschung. Aber Babbar scheint mit beiden Beinen fest auf dem Boden zu stehen. “Ich bin in Zahlen nicht begabt, tatsächlich nicht, und ich möchte es auch nicht sein”, gibt er zu [4]. Diese ungewöhnliche Weisheit für einen so jungen Mann lässt auf das Beste für den weiteren Verlauf seiner Karriere hoffen.
Denn darauf kommt es wirklich an: der weitere Verlauf. Babbar hat bereits bewiesen, dass er malen kann. Er hat gezeigt, dass er berühren und überzeugen kann. Jetzt bleibt ihm, ein Werk auf Dauer aufzubauen, seine Vision zu vertiefen ohne sich zu wiederholen. Die Zeichen sind ermutigend. Seine letzten Gemälde zeigen einen Künstler, der keine Angst hat zu experimentieren, formale Risiken einzugehen, um seine Aussage zu unterstützen.
Seine nächste Herausforderung wird wahrscheinlich darin bestehen, diese Authentizität zu bewahren und sich gleichzeitig künstlerisch weiterzuentwickeln. Die Falle wäre, sich in einer funktionierenden Formel einzuschließen und zum Gefangenen seines Erfolgs zu werden. Aber Babbar scheint zu klug und zu leidenschaftlich zu sein, um in diese Falle zu tappen. Seine Ausbildung am Lasalle College of Art in Singapur hat ihm die theoretischen Werkzeuge gegeben, um seine eigene Praxis zu analysieren und weiterzuentwickeln.
Die Ausstellung einiger seiner Werke im Februar auf der India Art Fair 2025 in Indien mit der Galerie Nature Morte war ein wichtiger Test. Seine Arbeit in seinem Heimatland zu präsentieren und dabei seine doppelte Identität mit einem anderen Ansatz zu erforschen, vor seiner Familie und seinen Freunden, die “meine Arbeit noch nie öffentlich gesehen haben”, wie er selbst sagt, ist ein wahrer Moment. Es war eine Gelegenheit zu überprüfen, ob seine Sicht auf Indien der Realität seiner Landsleute entspricht.
Aber über diese strategischen Überlegungen hinaus ist das, was bei Babbar wirklich zählt, seine seltene Fähigkeit, uns die Schönheit dort sehen zu lassen, wo wir sie nicht erwartet hätten. In einer Welt, die von Bildern übersättigt ist, erinnert er uns daran, dass wirkliches Sehen eine schwierige Kunst bleibt. Seine Porträts lehren uns Geduld, Empathie und Großzügigkeit des Blicks.
Diese Lektion geht weit über den künstlerischen Rahmen hinaus. In einer Zeit, in der Identitätskonflikte überall zu verhärten scheinen, zeigt Babbar, dass es eine gemeinsame Menschlichkeit gibt, die Grenzen überschreitet. Seine indischen Straßenverkäufer sprechen uns an, weil sie Emotionen verkörpern, die wir alle kennen: die Müdigkeit der Arbeit, den Stolz auf bewahrte Würde, die Hoffnung auf eine bessere Zukunft.
Diese Universalität löscht die kulturellen Besonderheiten nicht aus. Im Gegenteil, sie offenbart sie in ihrer Fülle. Die zerknitterten Saris, die durchscheinenden Dupattas, die von der indischen Sonne gegerbten Gesichter: all diese Details erzählen von einer spezifischen Welt und zugleich von unserer gemeinsamen Menschlichkeit. Das ist die Kunst von Babbar: uns zu reisen lassen ohne Exotismus, uns fremd fühlen lassen ohne uns zu verlieren.
Was Raghav Babbar in der zeitgenössischen Kunstlandschaft so wertvoll macht, ist seine Fähigkeit, ein altes Genre zu erneuern, ohne es zu verraten. Das Porträt schien durch die Fotografie und die Konzeptkunst zum Scheitern verurteilt. Babbar verleiht ihm seine Würde zurück, indem er zeigt, dass es weiterhin das beste Mittel ist, die Komplexität des Menschen zu erforschen. Seine Gemälde beweisen, dass gegenständliche Malerei keine Kunst der Vergangenheit, sondern eine Notwendigkeit der Gegenwart ist.
Hier ist ein Künstler, dem man aufmerksam folgen sollte. Nicht weil er unsere Vorlieben bestätigt oder unsere Gewissheiten beruhigt, sondern weil er uns zwingt, die Welt mit neuen Augen zu sehen. In seinen geduldigen Farbauftragungen und direkten Blicken gibt es etwas, das sich der allgegenwärtigen Entmenschlichung widersetzt. Etwas, das uns daran erinnert, warum Kunst existiert: um die verborgene Schönheit der Welt zu offenbaren und uns mit unserer menschlichen Existenz zu versöhnen.
- Nahmad Projects, “Raghav Babbar: Neue Gemälde”, Ausstellung Mai-Juli 2023, London
- Whitewall Magazine, “Raghav Babbar findet Schönheit im Gewöhnlichen”, Interview mit Pearl Fontaine, Dezember 2023
- Artsy, “Wie Raghav Babbars nachdenkliche Porträts die Aufmerksamkeit von Sammlern erregt haben”, Interview mit Veena McCoole, Juni 2023
- Esquire India, “Raghav Babbar über Kunst, Leben & die Indien-Geschichte”, Interview mit Shaikh Ayaz, März 2025
