Hört mir gut zu, ihr Snobs: Es ist an der Zeit, ohne Umschweife über Wim Delvoye zu sprechen, jenen belgischen Künstler, der seit mehr als dreißig Jahren Scheiße in Gold verwandelt und Kathedralen in Industrieanlagen. Geboren 1965 in Wervik, im westlichen Flandern, wo Traditionen mit den unerwartetsten Modernitäten verschmelzen, hat Delvoye ein Werk aufgebaut, das schnellen Klassifizierungen widersteht und die bürgerlichen Konventionen der zeitgenössischen Kunst herausfordert. Seine künstlerische Praxis, die zwischen dem raffiniertesten Ornament und der direktesten Skatologie pendelt, hinterfragt unsere Gewissheiten über Kunst, Geschmack und Wert in einer enthemmten Konsumgesellschaft.
Die Kunst von Delvoye gedeiht im ständigen Aufeinandertreffen von Welten, die scheinbar gegensätzlich sind. Seine Cloaca-Maschinen, diese wissenschaftlichen Geräte, die mechanisch Nahrung verdauen, um authentischen Kot zu produzieren, stehen neben seinen gotischen Skulpturen von chirurgischer Präzision, die mit Laser aus Cortenstahl geschnitten sind. Dieses scheinbar widersprüchliche Nebeneinander offenbart eine tiefgehende Logik, die sein gesamtes Werk durchzieht: die systematische Hybridisierung von Edlem und Trivialem, Heiligem und Profanem, Handwerklichem und Industriellem.
Schon in seinen ersten Werken der 1980er Jahre entwickelt Delvoye diese Ästhetik des Oxymorons. Seine Gasflaschen, verziert mit Delfter Mustern, oder seine Bügelbretter, dekoriert mit heraldischen Wappen, vollziehen eine Umkehrung der etablierten kulturellen Hierarchien. Indem der Künstler die Codes der traditionellen flämischen dekorativen Kunst auf zeitgenössische Gebrauchsgegenstände anwendet, macht er die Willkür unserer ästhetischen Urteile sichtbar und hinterfragt die künstliche Grenze zwischen edler Kunst und Volkskunst.
Dieser Ansatz findet seinen Höhepunkt im Projekt Cloaca, das Anfang der 2000er Jahre entwickelt wurde. Diese Verdauungsmaschine, das Ergebnis einer Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern und Ingenieuren, reproduziert den menschlichen Verdauungsprozess getreu in einem System aus Behältern, Röhren und Temperaturregelungen. Täglich mit Gerichten von Spitzenköchen gefüttert, produziert die Maschine Exkremente, die der Künstler als Kunstwerke verpackt und vermarktet. Über die offensichtliche Provokation hinaus hinterfragt Cloaca den Begriff des Nutzens in der Kunst und die Verwandlung jeglicher Produktion in Ware. Wie Delvoye selbst sagt: “Kunst ist nutzlos und alles, was nutzlos ist, ist Kunst” [1].
Diese Philosophie der bewussten Nutzlosigkeit steht in tiefem Einklang mit den soziologischen Theorien von Pierre Bourdieu über soziale Distinktion und kulturelle Legitimationsmechanismen. Delvoyes Werk kann als Großversuch der bourdieuschen Konzepte von kulturellem Kapital und Klassenhabitus gelesen werden. Indem der Künstler systematisch die Codes prestigeträchtiger Kultur entstellt, offenbart er deren willkürliche und konstruierte Dimension.
Die bourdieusche Soziologie beleuchtet besonders den Gebrauch von gesellschaftlichen Distinktionszeichen durch Delvoye. Seine Tätowierungen auf Schweinen, die Punk-Motive, Luxus-Logos und Disney-Imagery verbinden, vollziehen eine kalkulierte Überschreitung der symbolischen Grenzen, welche den sozialen Raum strukturieren. Indem er Symbole der Haute Couture von Louis Vuitton auf die Haut von Schlachttieren appliziert, enthüllt der Künstler den fetischistischen Charakter des Luxusverbrauchs und stellt die Mechanismen der Wertezuschreibung in unseren kapitalistischen Gesellschaften infrage.
Diese soziologische Dimension verstärkt sich mit der Verlagerung seiner “Art Farm” nach China. Indem Delvoye die Unterschiede der weltweiten Arbeitskosten ausnutzt, inszeniert er die Logiken der neoliberalen Globalisierung. Seine tätowierten Schweine werden buchstäblich zu “wachsenden Kunstwerken”, der perfekte Ausdruck der kapitalistischen Ideologie, die jede menschliche Aktivität zur Profitquelle macht. So orchestriert der Künstler eine bissige Allegorie auf die Finanzialisierung des Daseins.
Delvoyes Arbeit an den Schweinetätowierungen offenbart auch die von Bourdieu analysierten Mechanismen der symbolischen Herrschaft. Durch Aneignung der visuellen Codes marginalisierter Subkulturen (Biker, Punks) und deren Projektion auf Nutztiere macht der Künstler die Ausschluss- und Stigmatisierungsprozesse im kulturellen Feld sichtbar. Diese kontrollierte Überschreitung dominanter Normen offenbart ihren historisch konstruierten und sozial determinierten Charakter.
Die soziologische Analyse von Delvoyes Werk kann dessen institutionelle Dimension nicht außer Acht lassen. Indem der Künstler seine Kreationen an den prestigeträchtigsten Orten der zeitgenössischen Kunst ausstellt (Biennale von Venedig, Documenta, internationale Museen), nutzt er institutionelle Legitimität, um Vorschläge zu akzeptieren, die in anderen Kontexten als vulgär oder unangemessen abgelehnt würden. Diese Strategie offenbart die Mechanismen künstlerischer Weihe und deren Fähigkeit, jedes Objekt in ein legitimes Kunstwerk zu verwandeln.
Die von Bourdieu entwickelte Soziologie des Geschmacks findet im Werk von Delvoye ein besonders reiches Experimentierfeld. Durch die systematische Vermischung ästhetischer Register schafft der Künstler unklassifizierbare Objekte, die die üblichen Klassifikationssysteme stören. Seine mit persischen Motiven verzierten Rimowa-Koffer, seine mit gotischer Spitze gestalteten Reifen oder seine zu Kathedralen umfunktionierten Betonmischer bewirken eine bewusste Verwirrung der Klassen-Codes, die die Willkür ästhetischer Hierarchien offenbart.
Dieser soziologische Ansatz wird durch eine tiefgehende Reflexion über die gotische Architektur und ihre zeitgenössischen Bedeutungen ergänzt. Delvoyes Aneignung des mittelalterlichen architektonischen Vokabulars ist kein bloßes dekoratives Pastiche, sondern eine kritische Analyse der Mechanismen der Kulturerbevitalisierung und ihrer politischen Implikationen.
Die gotische Architektur, die im 12. Jahrhundert in der Île-de-France entstand, ist eine der bemerkenswertesten technischen und ästhetischen Innovationen der westlichen Kunst. Ihr System aus Kreuzrippengewölben, Strebebögen und Strebepfeilern ermöglichte es, Gebäude in einer bisher unbekannten Höhe und Helligkeit zu errichten, was die spirituelle Erfahrung der Gläubigen radikal veränderte. Diese architektonische Revolution ging mit einer vollständigen Erneuerung der Ornamentik einher, die durch die Vermehrung außerordentlich komplexer pflanzlicher, tierischer und menschlicher Motive gekennzeichnet ist.
Delvoye greift dieses architektonische Erbe nicht nostalgisch auf, sondern um dessen zeitgenössische kritische Potenziale zu offenbaren. Seine gotischen Skulpturen aus laser-geschnittenem Cortenstahl aktualisieren die mittelalterlichen technischen Innovationen unter Verwendung modernster Produktionstechnologien. Diese technologische Aktualisierung ist keine bloße formale Modernisierung, sondern eine Reflexion über die sozialen und wirtschaftlichen Bedingungen architektonischer Schöpfung.
Die mittelalterliche gotische Architektur war untrennbar mit einem hochspezialisierten handwerklichen Produktionssystem verbunden, das Zünfte von Maurern, Bildhauern, Glasern und Zimmerleuten mobilisierte, deren Fachwissen von Generation zu Generation weitergegeben wurde. Indem Delvoye die Produktion seiner gotischen Werke an chinesische oder iranische Werkstätten auslagert, macht er die zeitgenössische Transformation der Bedingungen künstlerischer und architektonischer Produktion sichtbar. Diese Verlagerung offenbart die Entwicklung der Beziehung zwischen Entwurf und Ausführung in der globalisierten Wirtschaft.
Die spirituelle Dimension der gotischen Architektur findet bei Delvoye eine besonders komplexe Übersetzung. Während mittelalterliche Kathedralen zum Himmel zu streben bemüht waren, um die Gläubigen dem Göttlichen näherzubringen, verankern die vom Künstler mit gotischen Motiven verzierten Industriemaschinen diese Sehnsucht in der prosaischsten Materialität. Seine zu mobilen Kathedralen umgewandelten Betonmischer, Bulldozer und Müllfahrzeuge vollziehen eine ironische Umkehrung der gotischen Transzendenz.
Diese architektonische Ironie offenbart die zeitgenössischen Veränderungen im Verhältnis zum Heiligen. In unseren säkularisierten Gesellschaften haben sich die früheren spirituellen Funktionen der Architektur auf andere Objekte verlagert: Einkaufszentren, Stadien, Flughäfen. Indem Delvoye die gotische Ornamentik auf diese neuen Kathedralen des Konsums und der Mobilität anwendet, zeigt er die Persistenz spiritueller Bedürfnisse, die auf profane Objekte umgelenkt sind.
Die architektonische Analyse des Werks von Delvoye kann seine städtebauliche Dimension nicht ignorieren. Seine gotischen Skulpturen, oft monumental, sind darauf ausgelegt, in den zeitgenössischen öffentlichen Raum integriert zu werden. Diese Einfügung zeigt die Spannungen zwischen historischem Erbe und städtischer Entwicklung auf, die unsere gegenwärtigen Metropolen prägen. Indem der Künstler Objekte schafft, die gleichzeitig mittelalterliche Formen und moderne industrielle Funktionen aufnehmen, bietet er eine kritische Synthese dieser konfliktären Zeitlichkeiten.
Die zeitgenössische Aneignung der Gotik durch Delvoye reiht sich in eine lange Tradition architektonischer Erneuerung ein, die die europäischen XVIII. und XIX. Jahrhunderte durchzieht. Diese neugotische Bewegung, vertreten durch Architekten wie Viollet-le-Duc in Frankreich oder Augustus Pugin in England, strebte danach, eine architektonische Authentizität wiederzufinden, die angesichts industrieller Umwälzungen verloren ging. Delvoye führt diese Tradition fort, unterläuft sie jedoch zugleich: Wo die Neugotiker das Mittelalter idealisierten, zeigt der zeitgenössische Künstler die Widersprüche dieser Idealisierung auf.
Die technische Präzision der gotischen Skulpturen von Delvoye hinterfragt ebenso das Verhältnis zwischen Handwerk und Industrie, das die zeitgenössische architektonische Produktion strukturiert. Durch die Nutzung von Laserschnitt zur Reproduktion traditionell von Hand geschnitzter Motive offenbart der Künstler die expressiven Potenziale digitaler Technologien. Diese technische Hybridisierung stellt eine Alternative zu der fruchtlosen Opposition zwischen traditionellem Handwerk und industrieller Moderne dar.
Das gotische Ornament bei Delvoye fungiert als Analysator der zeitgenössischen Wandlungen künstlerischen Arbeitens. Die extreme Komplexität seiner Motive erfordert beträchtliches technisches Können, das nun jedoch durch digitale Maschinen vermittelt wird, welche die traditionelle handwerkliche Geste transformieren. Diese Transformation macht die Entwicklung der Produktionsbedingungen künstlerischer Arbeit in der postindustriellen Ökonomie sichtbar.
Die gotische Architektur von Delvoye hinterfragt zudem die zeitgenössischen Modalitäten künstlerischer Auftragsvergabe. Im Gegensatz zu mittelalterlichen Kathedralen, die von der Gemeinschaft der Gläubigen finanziert und in weltliche kollektive Projekte eingebettet waren, fügen sich seine Werke in den zeitgenössischen Kunstmarkt mit seinen spekulativen Logiken ein. Diese marktwirtschaftliche Einbindung verändert radikal den sozialen und symbolischen Status der gotischen Architektur.
Die kritische Rezeption von Delvoyes Werk offenbart die Widerstände, die sein ästhetischer Transgressionsansatz hervorruft. Mal wegen kommerziellem Zynismus, mal wegen provozierender Oberflächlichkeit kritisiert, polarisiert der Künstler die Reaktionen der Kunstwelt. Diese Polarisierung zeigt die ideologischen Auseinandersetzungen im zeitgenössischen Kunstfeld und die Schwierigkeiten, ästhetische Innovation und soziale Kritik zusammenzudenken.
Die Ausstellung seiner Werke in renommierten Institutionen mit kulturellem Erbe (Louvre, Musée Rodin, Königlich Museen von Brüssel) stellt eine besonders geschickte Legitimationsstrategie dar. Indem er seine Kreationen den Meisterwerken der klassischen Kunst gegenüberstellt, offenbart Delvoye die historische Relativität ästhetischer Urteile und hinterfragt die Mechanismen künstlerischer Kanonisierung.
Diese institutionelle Strategie geht einher mit einer vertieften Reflexion über die zeitgenössischen Bedingungen der Kunstrezeption. Durch die Schaffung von Werken, die zugleich als spektakuläre Attraktionen und raffinierte konzeptuelle Vorschläge funktionieren, bietet Delvoye eine originelle Synthese aus Populärkultur und Hochkultur, die die traditionellen Geschmackshierarchien in Frage stellt.
Der internationale Erfolg von Wim Delvoye zeugt von der Fähigkeit seiner Kunst, ganz unterschiedliche Publika anzusprechen. Diese Transversalität offenbart die Entstehung einer globalisierten Kunstkultur, die nationale Besonderheiten übersteigt und dabei lokale Spezifika bewahrt. Der flämische Künstler gelingt es so, besondere kulturelle Referenzen zu universalisieren, indem er sie in geteilte zeitgenössische Fragestellungen einbettet.
Das Werk von Wim Delvoye stellt ein bevorzugtes Laboratorium dar, um die Veränderungen der zeitgenössischen Kunst in der neoliberalen Globalisierung zu reflektieren. Indem der Künstler ästhetische Codes systematisch hybridisiert, zeigt er die tiefgreifenden Umwandlungen in der Produktion, Verbreitung und Rezeption von Kunst in unseren postindustriellen Gesellschaften auf. Seine Arbeit bietet eine besonders klare kritische Analyse der Mechanismen der Kommerzialisierung, die alle Bereiche der zeitgenössischen Kultur betreffen.
Über seine spektakulären Provokationen hinaus bietet Delvoyes Kunst eine tiefgehende Reflexion über die Voraussetzungen einer kritischen künstlerischen Praxis im zeitgenössischen Kontext. Indem der Künstler seine Einbindung in die marktwirtschaftlichen Logiken, die er anprangert, voll annimmt, entwickelt er eine Form von immanenter Widerstandskraft, die die Fallstricke moralisierender Anprangerung vermeidet und zugleich ein wirksames kritisches Potenzial bewahrt.
Diese paradoxe Position macht Wim Delvoye zu einer emblematischen Figur der europäischen Gegenwartskunst, die ästhetische Innovation und soziale Analyse vereinen kann, ohne dabei formale Komplexität oder kritische Relevanz zu opfern. Sein Werk zeugt von der Vitalität einer flämischen künstlerischen Tradition, die von Bosch bis Brueghel unaufhörlich die Gewissheiten ihrer Zeit mit einer einzigartigen Mischung aus Ironie und technischer Virtuosität hinterfragt.
- Paul Laster, “Art is Useless : A Conversation with Wim Delvoye”, Sculpture Magazine, 12. Juli 2019.
