Escuchadme bien, panda de snobs: Erwin Wurm no es un simple bromista que infla coches como globos para entretener a la galería. Este austriaco nacido en 1954 en Bruck an der Mur practica una escultura sociológica de una inteligencia formidable, una poesía visual que ataca el vientre de nuestra época como un ácido delicadamente vertido sobre las certezas burguesas. Han pasado treinta y cinco años desde que este hombre observa nuestro mundo con el ojo implacable del sociólogo y la agudeza del poeta, transformando cada gesto cotidiano en un revelador químico de nuestras neurosis colectivas.
Cuando Wurm transforma un Porsche en un automóvil obeso o invita al público a meter la cabeza en un cubo de plástico, hace mucho más que una simple subversión lúdica. Desnuda los mecanismos de dominación social que estructuran nuestras vidas, esos códigos invisibles que nos obligan a desempeñar nuestra identidad a través de los objetos que poseemos, los coches que conducimos, la ropa que llevamos. Su práctica artística resuena profundamente con los análisis del sociólogo Pierre Bourdieu sobre la distinción social y el habitus [1]. Como el maestro francés había teorizado, nuestros gustos estéticos, nuestras elecciones de consumo y nuestras prácticas culturales funcionan como marcadores de clase, creando fronteras invisibles pero implacables entre los grupos sociales.
Tomemos sus famosas Fat Cars, esos automóviles inflados hasta la obscenidad plástica. Wurm no se limita a burlarse de nuestra obsesión por los símbolos de estatus: revela cómo esos objetos funcionan como “capitales simbólicos” en el sentido de Bourdieu, permitiendo a los poseedores mostrar su posición en el espacio social. “Los coches gordos expresan la idea de que amo y perro terminan pareciéndose”, explica el artista. Esta formulación lapidaria oculta un análisis sociológico formidable: nuestros bienes de consumo nos moldean tanto como nosotros los moldeamos, creando esa circularidad perversa donde el individuo se convierte en el producto de sus propias producciones. Las Fat Cars de Wurm revelan así cómo el automóvil, símbolo por excelencia de la libertad individual en nuestras sociedades capitalistas, se convierte en realidad en un instrumento de alienación colectiva. La obesidad escultórica de estos vehículos expone crudamente la bulimia consumista de nuestros contemporáneos, esa carrera desenfrenada hacia la acumulación material que caracteriza al capitalismo tardío. Wurm comprende intuitivamente lo que Bourdieu había conceptualizado: las prácticas de consumo constituyen un lenguaje social sofisticado, un sistema de signos que permite a las clases dominantes mantener sus privilegios mientras parecen naturales. Sus esculturas desenmascaran esta violencia simbólica con una efectividad notable.
El artista lleva esta lógica sociológica al extremo con sus One Minute Sculptures, estas performances efímeras donde invita al público a adoptar posturas absurdas con objetos cotidianos. Estas piezas funcionan como verdaderas experiencias sociológicas in vivo, revelando nuestros condicionamientos sociales más profundos. Cuando un visitante acepta convertirse en una escultura humana según las instrucciones de Wurm, revela sin saberlo su propensión a la sumisión voluntaria, su capacidad de obedecer los códigos sociales incluso los más arbitrarios. Estas obras cuestionan directamente la cuestión del habitus, esta disposición duradera adquirida por el individuo a través de su socialización que lo lleva a reproducir inconscientemente las estructuras sociales dominantes. Wurm transforma el espacio de exposición en un laboratorio de observación de los comportamientos sociales, revelando cómo interiorizamos las normas colectivas hasta el punto de reproducirlas mecánicamente, incluso en su forma más absurda. El humor aparente de estas performances oculta su dimensión profundamente política: exponen nuestra docilidad ante las imposiciones sociales, nuestra tendencia a aceptar la autoridad siempre que se exprese con suficiente seguridad.
Pero la obra de Wurm no se detiene en esta sociología de lo cotidiano. También bebe de los territorios más fértiles de la literatura contemporánea, particularmente del universo del escritor austríaco Thomas Bernhard, figura tutelar de la modernidad literaria europea [2]. Como Bernhard, Wurm practica un arte de la repetición obsesiva y de la variación irónica. Sus series de esculturas, Fat Cars, One Minute Sculptures, Narrow House, funcionan según una lógica serial que evoca inmediatamente los repertirmentos de Bernhard, esas espirales textuales donde el autor regresa sin cesar a las mismas obsesiones para extraer verdades cada vez más agudas.
La influencia de Bernhard sobre Wurm va mucho más allá de esta cuestión formal de la repetición. Toca el corazón mismo de su visión del mundo, esta percepción aguda de la absurdidad fundamental de la existencia humana. Cuando Bernhard escribe: “Todos jugamos la comedia hasta la muerte, y cuanto mejor la jugamos, más éxito tenemos”, formula una intuición que Wurm traduce plásticamente en sus obras. Sus esculturas revelan efectivamente esta dimensión teatral de nuestras existencias, esta forma en que constantemente representamos nuestra identidad social a través de códigos gestuales y materiales cuyo origen hemos olvidado. La Narrow House de Wurm, esta réplica reducida de la casa familiar del artista, funciona como una metáfora arquitectónica del ahogo psicológico analizado por Bernhard en sus novelas. Esta construcción opresiva, donde solo se puede entrar agachándose, materializa literalmente la atmósfera claustrofóbica de la Austria postnazista descrita por el escritor. Wurm traslada visualmente esta “enfermedad austriaca” que Bernhard había diagnosticado en sus textos: esta propensión colectiva a la negación, esta incapacidad para enfrentar lucidamente los traumas históricos.
El humor negro que caracteriza a ambos hombres constituye su principal punto de convergencia artística. En Bernhard como en Wurm, la risa funciona como un mecanismo de defensa contra el horror de la realidad, pero también como un arma crítica sumamente eficaz. Sus respectivas obras practican esta “crítica cínica” de la que habla Wurm: decir la verdad mediante la broma, revelar los mecanismos sociales más oscuros bajo la máscara de la burla. Esta estrategia les permite eludir las defensas psicológicas del público, haciendo pasar mensajes subversivos bajo el disfraz de entretenimiento. Wurm comprende perfectamente esta dimensión política del humor bernhardiano: en nuestras sociedades del espectáculo, la risa constituye a veces la única vía de acceso posible a la conciencia crítica. Sus esculturas funcionan según esta misma lógica: desarman al espectador por su apariencia lúdica antes de asestarle verdades perturbadoras sobre su condición social.
Esta filiación literaria también ilumina la dimensión profundamente europea del arte de Wurm. Como Bernhard, pertenece a esa generación de artistas de posguerra que crecieron a la sombra de los totalitarismos del siglo XX. Sus obras llevan la marca de esta memoria traumática, esta conciencia aguda de la fragilidad de las construcciones civilizatorias. Cuando hace colapsar arquitectónicamente el museo Guggenheim en sus Melting Houses, Wurm actualiza plásticamente esta intuición bernhardiana según la cual toda construcción humana lleva en sí misma las semillas de su propia destrucción. Sus esculturas revelan esta precariedad fundamental del orden social que el escritor había explorado en sus novelas más oscuras.
El arte de Wurm se nutre así de esta doble fuente, sociológica y literaria, para producir una obra de coherencia notable. Sus esculturas no se limitan a criticar las apariencias del mundo contemporáneo: revelan sus estructuras profundas, esos mecanismos invisibles que rigen nuestros comportamientos colectivos. Sea a través del análisis de Bourdieu sobre la distinción social o la visión de Bernhard sobre la absurdidad existencial, Wurm desarrolla un lenguaje plástico que permite pensar nuestra época con una lucidez poco común.
Su práctica artística actual, visible especialmente en su retrospectiva de 2024 en el Albertina Modern de Viena [3], confirma esta madurez conceptual. Sus últimas series, los Substitutes, los Skins, las Flat Sculptures, profundizan aún más esta reflexión sobre las relaciones entre el cuerpo social y el cuerpo individual. Estas obras recientes revelan a un artista en la cima de su arte, capaz de renovar constantemente su lenguaje plástico sin perder nunca de vista sus obsesiones fundamentales.
Los Substitutes presentan prendas sin cuerpo, fantasmas textiles que evocan la ausencia humana con una melancolía sobrecogedora. Estas piezas prolongan naturalmente la reflexión sociológica comenzada treinta años antes: revelan cómo nuestra ropa funciona como prótesis identitarias, extensiones de nosotros mismos que a veces nos sobreviven. Wurm explora aquí esta dimensión espectral de la existencia contemporánea, esta forma en que delegamos nuestra presencia en el mundo a través de los objetos que nos rodean.
Los Skins llevan esta lógica aún más lejos al conservar solo delgados cintas corporales, trazas evanescentes de una humanidad en vías de disolución. Estas esculturas evocan irresistiblemente los análisis de Bourdieu sobre la incorporación de las estructuras sociales: materializan literalmente esta forma en que las normas colectivas se inscriben en nuestros cuerpos, los moldean, los constriñen, a veces hasta hacerlos desaparecer. El habitus de Bourdieu encuentra aquí su traducción plástica más acabada.
En cuanto a las Esculturas Planas, cuestionan directamente los límites entre pintura y escultura, explorando esa zona liminal donde las palabras se convierten en formas y las formas se cargan de significado lingüístico. Estas obras revelan la influencia persistente de la literatura en el arte de Wurm: materializan esta dimensión performativa del lenguaje que Bernhard había explorado en sus textos más experimentales.
La totalidad de esta producción reciente confirma la pertinencia del discurso de Wurm sobre nuestra época. En un momento en que las redes sociales transforman a cada individuo en un performer permanente de su propia existencia, donde la distinción entre esfera privada y esfera pública se difumina, y donde nuestras identidades se construyen cada vez más a través de nuestras consumiciones materiales, el arte de Wurm adquiere una dimensión profética. Sus esculturas anticiparon desde hace tiempo esta sociedad del espectáculo generalizado que habitamos ahora.
Su trabajo también revela toda su dimensión política en el contexto europeo actual. Mientras el continente atraviesa una grave crisis identitaria, dividido entre nostalgias nacionalistas y aspiraciones cosmopolitas, la obra de Wurm ofrece un modelo de resistencia crítica notablemente eficaz. Sus esculturas desactivan las tentaciones autoritarias al revelar su dimensión grotesca, exponen los mecanismos de manipulación social llevándolos hasta el absurdo.
Esta capacidad de mantener una distancia crítica sin caer en un cinismo estéril constituye probablemente el mayor logro artístico de Wurm. Sus obras consiguen conjugar compromiso político y placer estético, profundidad conceptual y accesibilidad popular. Realizan esta rara síntesis entre arte culto y cultura popular que caracteriza a los grandes creadores de nuestra época.
La influencia internacional de Wurm, visible en sus exposiciones en los museos más importantes del mundo, desde el MoMA al Centre Pompidou, de la Tate Modern al Guggenheim, testimonia esta pertinencia universal de su discurso [4]. Sus obras hablan más allá de las fronteras nacionales porque revelan mecanismos sociales que trascienden los particularismos culturales. Exponen esta condición humana contemporánea caracterizada por la alienación consumista y la performance identitaria permanente.
Por eso la obra de Erwin Wurm merece ser tomada en serio, más allá de su apariencia lúdica inmediata. Constituye uno de los análisis plásticos más penetrantes de nuestra condición contemporánea, una sociología visual que revela los resortes ocultos de nuestro comportamiento colectivo. Wurm ha sabido crear un lenguaje artístico original que permite pensar nuestra época con una agudeza notable, conjugando el rigor conceptual del sociólogo y la libertad creadora del artista. Su obra nos recuerda que el arte, en su mejor nivel, no se contenta con decorar el mundo: lo revela, lo cuestiona, a veces lo transforma. En el panorama artístico contemporáneo, a menudo dependiente de modas y mercados, Wurm mantiene viva esta tradición crítica que hace del arte un instrumento de conocimiento y resistencia. Por eso solo, merece nuestra atención y respeto.
- Pierre Bourdieu, La Distinción. Crítica social del juicio, París, Éditions de Minuit, 1979.
- Thomas Bernhard, Maestros antiguos, París, Gallimard, 1988.
- “Erwin Wurm: A 70th-Birthday Retrospective”, Albertina Modern, Viena, septiembre 2024 – marzo 2025.
- Adquisiciones permanentes: Museum of Modern Art, Nueva York; Centre Pompidou, París; Tate Modern, Londres; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
