Ascoltatemi bene, banda di snob, l’arte contemporanea ha appena trovato la sua voce più singolare nella persona di Allison Katz. Questa artista di Montréal, residente a Londra fin dai suoi studi alla Columbia, sconvolge oggi i codici della pittura con un’intelligenza provocatoria che rende ogni tela un territorio d’esplorazione dove si incontrano l’intimo e l’universale, il banale e il sublime.
Di fronte alla produzione pittorica attuale, spesso prigioniera di un sentimentalismo reazionario o di una perfezione nevrotica, Allison Katz propone un’alternativa radicale. Il suo lavoro agisce come un risveglio necessario, una sculacciata salutare inflitta a un ambiente artistico spesso troppo sicuro delle proprie certezze. La mostra “Artery” al Camden Art Centre nel 2022 costituiva a questo titolo un manifesto: trenta opere che trasformavano lo spazio della galleria in un laboratorio del significato, dove ogni pittura dialogava con le altre secondo una logica poetica che sfuggiva alle categorie tradizionali.
La firma come territorio mobile
L’approccio di Katz mette in discussione frontalmente la stessa nozione di “style signature” che ancora infesta il mercato dell’arte contemporanea. Là dove altri artisti coltivano una rassicurante coerenza stilistica, lei pratica una forma di schizofrenia controllata, passando dal trompe-l’oeil iperrealista alle composizioni più caricaturali. Questa versatilità non è gratuita: interroga i meccanismi stessi del riconoscimento artistico, quell’economia dell’identificabile che troppo spesso riduce l’arte a branding.
Nel Akgraph (Tobias + Angel) (2021), le lettere M, A, S e K compongono un volto calligrafico sopra la rappresentazione spettrale di Tobia e l’Angelo di Verrocchio. Ms. Allison Sarah Katz diventa letteralmente MASK, rivelando che l’identità artistica procede tanto dalla maschera quanto dalla rivelazione. Quest’opera sintetizza perfettamente l’approccio dell’artista: l’autobiografico si mescola con l’arte storica, la firma diventa motivo, l’intimo si universalizza.
Il gioco con il proprio nome attraversa l’insieme della sua opera come un filo rosso ossessivo. AK diventa AKA (“alias”), Allison si trasforma in “All Is On”, rivelando questa fascinazione primordiale per l’atto di nominare che l’artista rivendica. Questa pratica dell’anagramma e del gioco di parole non è aneddotica: rivela una comprensione profonda dei meccanismi linguistici che governano il nostro rapporto con il mondo.
L’uso ricorrente di chicchi di riso incollati sulla superficie pittorica costituisce un altro elemento distintivo, paradossale. Questi elementi testurali rompono l’autonomia del quadro illusionista, ricordando costantemente la materialità dell’oggetto dipinto. In The Other Side (2021), questi chicchi cospargono la rappresentazione di un gallo giallo in movimento, creando un effetto di spolveratura che evoca tanto il mangime per pollame quanto le paillettes di uno spettacolo da cabaret.
Letteratura e strategie narrative
L’influenza di Virginia Woolf pervade profondamente la pratica di Katz, che cita regolarmente questa definizione woolfiana della poesia: “una voce che risponde a una voce” [1]. Questa concezione dialogica della creazione artistica struttura l’insieme del suo approccio. Come la scrittrice modernista, Katz rifiuta la purezza del monologo e concepisce ogni opera come una conversazione impegnata con la storia dell’arte, la cultura popolare e la propria biografia.
Questa dimensione letteraria si manifesta nel suo modo di “dipingere come lei scrive”, secondo le sue stesse parole, costruendo attorno a citazioni visive. I suoi dipinti funzionano come romanzi a frammenti, dove ogni motivo ricorrente, galli, cavoli, bocche e ascensori, sviluppa un vocabolario personale che si arricchisce da tela a tela. Questa accumulazione semantica ricorda le tecniche narrative di Gertrude Stein o di James Joyce, dove la ripetizione crea progressivamente il senso.
L’esposizione “Artery” illustrava perfettamente questo approccio letterario dello spazio. I cinque dipinti di bocche, presentati in una formazione a spina di pesce su muri autoportanti, trasformavano la galleria in un dispositivo narrativo complesso. Ogni “prospettiva epiglottale”, per riprendere l’espressione gustosa di Brian Dillon, incorniciava scene disparate: un gallo ornamentale, un gatto dai riflessi digitali e l’artista lei stessa in una pubblicità Miu Miu, creando un effetto di narrazione frammentaria in cui il senso emergeva dagli interstizi.
Questa strategia narrativa trova il suo apogeo nell’uso sistematico dell’autoironia e dell’anti-umorismo. The Cockfather (2021) presenta un porta-uovo a forma di gallo, eretto con fierezza in una caverna oscura, condensando in un’unica immagine l’assurdità dell’ego artistico maschile. Il titolo, evocando tanto i ristoranti hipster quanto Francis Ford Coppola, rivela questa capacità di trasformare il banale in epico, caratteristica della letteratura contemporanea più inventiva.
La serie Cabbage (and Philip) (2013-2020) illustra anch’essa questa dimensione letteraria. Ogni cavolo, dipinto con cura maniacale, sta accanto alla sagoma di Philip, il compagno dell’artista. Queste “nature morte-ritratto” deviano i generi pittorici tradizionali pur creando una mitologia personale in cui l’intimo diventa universale. L’aneddotico si trasforma in archetipico, rivelando questa “impossibilità di essere degna di pittura” che Katz rivendica e che costituisce paradossalmente la fonte della sua forza espressiva.
L’influenza di Clarice Lispector, altro riferimento letterario dell’artista, traspare in questo approccio enigmatico al quotidiano. Questa citazione della scrittrice brasiliana che Katz ama, “Non l’ho decifrata. Ma neanche lei mi ha decifrata”, potrebbe servire da epigrafe per l’insieme della sua opera. Come la Sfinge di Lispector, i dipinti di Katz resistono a un’interpretazione univoca pur invitando costantemente alla ricerca del senso.
La dimensione temporale, primordiale per Woolf, trova in Katz una traduzione plastica originale. I suoi “pigmenti fugaci”, riferimento alle sperimentazioni di Joshua Reynolds con colori instabili, mettono in discussione la permanenza dell’arte. Questa fascinazione per la degradazione controllata rivela una concezione del tempo pittorico che va oltre la semplice rappresentazione per toccare l’ontologia stessa dell’immagine.
Psicoanalisi e costruzione soggettiva
L’opera di Katz dialoga in modo sorprendente con le teorie di Lacan sullo stadio dello specchio e sulla costruzione della soggettività. I suoi molteplici autoritratti, mai frontali, sempre obliqui, rivelano una comprensione intuitiva dei meccanismi d’identificazione descritti da Jacques Lacan. L’io, secondo lo psicoanalista francese, si costituisce per identificazione con un’immagine esterna, processo fondamentalmente alienante che tuttavia struttura l’accesso alla soggettività [2].
Questa alienazione costitutiva trova in Katz una traduzione plastica particolarmente eloquente nei suoi dipinti “bouches”. Queste prospettive interne, ispirate ad André Derain, trasformano l’organo della parola in un quadro di visione. In M.A.S.K. (2021), l’artista si dipinge dall’interno della propria bocca, creando un dispositivo in cui il soggetto che guarda e il soggetto guardato si confondono in un abisso vertiginoso. Questa inversione radicale della prospettiva tradizionale richiama direttamente le analisi di Lacan sulla costituzione dell’io tramite lo sguardo dell’Altro.
La ricorrenza del motivo dell’ascensore nel suo lavoro è particolarmente interessante in questa prospettiva psicoanalitica. Elevator III (Camden Art Centre) (2021), questo trompe-l’oeil impressionante che apre la mostra “Artery”, funziona come una metafora perfetta del processo identificatorio. L’illusione perfetta invita lo spettatore a penetrare in uno spazio che esiste solo attraverso la rappresentazione, imitando così l’esperienza primordiale dello stadio dello specchio in cui il bambino si identifica con un’immagine che prende per la realtà del proprio essere.
Questa dimensione psicoanalitica si rivela anche nel trattamento della frammentazione corporea, tema centrale in Lacan. Le sculture ceramiche di nasi, questi “Nose/Ass” che condensano nello stesso oggetto l’organo della respirazione e quello dell’escrezione, evocano direttamente il “corpo frammentato” descritto dalla psicoanalisi. Queste opere materializzano quest’angoscia di frammentazione che precede l’unificazione immaginaria dell’io, rivelando i fondamenti pulsionali di qualsiasi costruzione identitaria.
Il rapporto con l’Altro, concetto centrale della teoria di Lacan, struttura anche l’approccio curatoriale di Katz. La sua mostra “In the House of the Trembling Eye” all’Aspen Art Museum nel 2024 illustrava perfettamente questa dimensione. Mescolando le proprie opere con frammenti di affreschi di Pompei e con pezzi provenienti da collezioni private locali, lei creava un dialogo temporale che rivelava come il soggetto contemporaneo si costituisca per identificazione con immagini provenienti da altri luoghi e da tempi remoti.
Questa pratica curatoriale prolunga logicamente la sua pratica pittorica. Poiché lei “dipinge citando”, espone creando costellazioni di senso che superano la semplice giustapposizione. L’organizzazione dello spazio secondo il piano della domus romana rivelava una comprensione sofisticata dei meccanismi progettuali e identificatori che governano il nostro rapporto con le immagini. Ogni stanza, atrio, triclinium e tablinum, funzionava come un teatro della soggettività dove le opere dialogavano secondo una logica inconscia.
L’uso ricorrente della firma come elemento visivo, spostata dalla sua collocazione tradizionale al centro dell’immagine, materializza questa problematica dell’identificazione. In diverse opere, le lettere del suo nome compongono letteralmente un volto, rivelando che l’identità procede tanto dall’iscrizione simbolica quanto dal riconoscimento speculare. Questa pratica richiama direttamente le analisi di Lacan sull’alienazione simbolica che presiede a ogni costituzione soggettiva.
Verso una poetica dell’indeterminazione
L’originalità di Katz risiede nella sua capacità di mantenere l’enigma creando al contempo significato. Le sue opere resistono a un’interpretazione univoca senza mai scadere in un ermetismo fine a sé stesso. Questa tensione produttiva richiama i migliori esiti dell’arte concettuale, ma arricchita da una sensualità pittorica che spesso manca alle pratiche puramente intellettuali.
Il trattamento che lei riserva all’arte storica illustra perfettamente questo approccio. Piuttosto che citare direttamente, lei procede per allusioni, sovrapposizioni e sottili travisamenti. Posterchild (2021), questa reinterpretazione di un manifesto della metropolitana londinese degli anni Trenta, mescola riferimenti personali e culturali secondo una logica associativa che evoca tanto Freud quanto Warburg. Il manifesto originale, che celebrava i piaceri di Hampstead, diventa il supporto di una mitologia personale in cui si scontrano l’infanzia a Montréal, il presente londinese e l’arte italiana del Quattrocento.
Questa poetica dell’indeterminazione trova la sua più bella espressione nella serie delle bocche. Questi inquadramenti impossibili, che trasformano l’organo della parola in una finestra sul mondo, creano un turbamento percettivo permanente. Vediamo con la bocca, parliamo con gli occhi, i sensi si confondono in una sinestesia controllata che rivela la complessità dei nostri rapporti sensoriali con il reale.
L’uso di materiali “fugitifs”, quei pigmenti instabili che evolvono nel tempo, contribuisce a questa estetica dell’indeterminazione. Come i colori di Reynolds che finiscono per sbiancare, le opere di Katz integrano il proprio divenire, rifiutando la rassicurante fissità dell’arte tradizionale. Questa temporalità aperta trasforma ogni dipinto in un processo piuttosto che in un oggetto finito.
La ricorrenza di alcuni motivi, galli, cavoli, nasi e ascensori, crea un vocabolario personale che evolve costantemente. Ogni riapparizione arricchisce il motivo di nuove significazioni, creando un sistema semiotico in perpetua espansione. Il gallo di The Other Side dialoga con quello di The Cockfather, i cavoli di Philip conversano con quelli delle precedenti mostre, creando una rete di corrispondenze che struttura l’insieme dell’opera.
Questo approccio rivela una comprensione profonda dei meccanismi della memoria culturale. Come i simboli archetipici di Jung, i motivi di Katz accumulano strati di senso pur conservando la loro capacità di evocazione immediata. Questa economia simbolica personale dialoga con i grandi sistemi iconografici dell’arte occidentale senza mai ridursi a essi.
L’umorismo, onnipresente, funziona come un dissolvente delle certezze. Questi giochi di parole visivi, questi détournamenti iconografici, questi ammiccamenti culturali creano una distanza critica che impedisce ogni sacralizzazione. L’arte di Katz è seria senza prendersi troppo sul serio, profonda senza gravità, complessa senza complicazioni.
La mostra come opera totale
La dimensione architettonica e scenografica del lavoro di Katz è altrettanto interessante. Le sue mostre non si limitano a presentare opere: esse creano ambienti carichi di significato in cui lo spazio stesso diventa portatore di senso. Questo approccio rivela una concezione ampliata della pittura che supera il contesto tradizionale del quadro per abbracciare l’intera esperienza estetica.
L’allestimento di “Artery” illustrava perfettamente questa dimensione. I muri portanti della seconda sala, costruiti esattamente alla larghezza dei dipinti, trasformavano lo spazio in un labirinto ottico dove lo spettatore scopriva alternativamente i dipinti delle bocche e i cavoli di Philip. Questa coreografia spaziale rivelava corrispondenze insospettate tra le opere, creando un metadiscorso sulle relazioni tra visibile e nascosto, recto e verso, pubblico e privato.
Questa concezione scenografica trova il suo apogeo in “In the House of the Trembling Eye”. Trasponendo la struttura della domus pompeiana nello spazio museale contemporaneo, Katz creava un dispositivo temporale vertiginoso in cui antichità e contemporaneità si rispondevano. Questa archeologia del presente rivelava la permanenza di certe strutture simboliche attraverso i millenni, mettendo in discussione i nostri presupposti sulla modernità artistica.
Il ricorso ricorrente ai manifesti come elementi dell’esposizione rivela una riflessione sofisticata sulle temporalità dell’arte. Questi annunci, concepiti per ogni mostra, funzionano come opere autonome che prolungano l’esperienza oltre la sua durata ufficiale. Esposti nello spazio della galleria e poi conservati come oggetti da collezione, interrogano i confini tra arte e comunicazione, tra opera e documentazione.
Questa pratica del manifesto rivela inoltre una consapevolezza acuta dei meccanismi di promozione artistica. Creando i suoi stessi mezzi di comunicazione, Katz riprende il controllo di una dimensione spesso trascurata dagli artisti. Questi manifesti, che declinano il suo vocabolario visivo secondo i codici del design grafico, rivelano le interconnessioni tra arte e industria culturale.
Una contemporaneità critica
Nel contesto artistico attuale, segnato da un problematico ritorno alla figurazione tradizionale e da una crescente standardizzazione mercantile, il lavoro di Katz propone una via alternativa. Il suo rifiuto delle facilità pittoresche come delle provocazioni gratuite rivela una maturità artistica rara. Lei dimostra che è possibile essere accessibili senza essere compiacenti, complessi senza essere ermetici, contemporanei senza essere opportunisti.
Questa posizione critica si manifesta particolarmente nel suo rapporto con l’industria dell’arte. La sua apparizione in una campagna pubblicitaria di Miu Miu, che poi trasforma in materiale pittorico in M.A.S.K., rivela una capacità di giocare con i codici dello spettacolo mantenendo al contempo una distanza critica. Questa strategia di infiltrazione, che consiste nell’accettare il gioco per meglio sviare, richiama i più brillanti successi dell’arte critica degli anni Sessanta.
Il suo successo internazionale, la partecipazione alla Biennale di Venezia 2022, le esposizioni nelle istituzioni più prestigiose e la rappresentanza da parte di gallerie internazionali non l’hanno distolta dalle sue questioni fondamentali. Questa resistenza alle sirene del mercato rivela un’integrità artistica che suscita ammirazione in un ambiente spesso corrotto dalle logiche commerciali.
L’evoluzione recente del suo lavoro, segnata da una complessificazione dei dispositivi espositivi e da un ampliamento della sua palette concettuale, rivela un’artista al culmine della sua maturità. Allison Katz ha raggiunto questa zona rara in cui virtuosismo tecnico e profondità concettuale si alimentano a vicenda per creare un linguaggio artistico davvero personale.
La sua capacità di rinnovare costantemente il suo approccio pur mantenendo una profonda coerenza rivela una comprensione eccezionale delle sfide contemporanee della pittura. In un mondo saturo di immagini, lei riesce a creare oggetti visivi che catturano lo sguardo e alimentano la riflessione. Questa capacità di fermare, di sospendere il flusso visivo contemporaneo costituisce forse la sua più grande riuscita.
L’intelligenza di Katz risiede nella sua capacità di trasformare le costrizioni in opportunità creative. I limiti del medium pittorico diventano pretesti per l’invenzione, i codici dell’esposizione tradizionale vengono deviati per creare nuove esperienze, le referenze culturali vengono riciclate per generare un senso inedito. Questa alchimia trasformativa rivela un temperamento d’artista autentico, capace di rigenerare perpetuamente il suo approccio senza mai perdere il filo conduttore.
L’arteria e il cuore
Di fronte all’opera di Allison Katz, misuriamo la distanza che separa l’arte vera dalle sue molteplici contraffazioni contemporanee. Là dove altri si accontentano di illustrare le loro intenzioni, lei inventa un linguaggio. Là dove altri ripetono formule collaudate, lei rischia l’ignoto. Là dove altri cercano di sedurre, lei sceglie di interrogare.
Il titolo “Artery” risuona oggi come una metafora perfetta del suo approccio artistico. L’arteria irrora, nutre, mantiene in vita. Collega il cuore alle estremità, assicura la circolazione vitale, permette lo scambio e il rinnovamento. Questa funzione circolatoria, Katz la assume pienamente nel panorama artistico contemporaneo. Le sue opere fanno circolare il senso tra passato e presente, intimo e universale, banale e sublime.
Questa capacità di circolazione rivela una concezione profondamente generosa dell’arte. Rifiutando tanto l’elitismo altezzoso quanto la demagogia populista, Allison Katz crea opere che parlano simultaneamente all’appassionato colto e al neofita curioso. Questa accessibilità non è mai facilitata: deriva da una padronanza tecnica e concettuale che consente di trattare i temi più complessi con un’apparente semplicità.
La sua influenza sulla giovane generazione di artisti comincia già a farsi sentire. Questo approccio ibrido, che mescola virtuosità pittorica e sofisticazione concettuale, autobiografia e riflessione teorica, umorismo e profondità, apre nuovi percorsi per una pittura contemporanea troppo spesso rinchiusa in alternative riduttive. Dimostra che è possibile essere allo stesso tempo radicati nella tradizione e risolutamente contemporanei, personali e universali, accessibili ed esigenti.
L’opera di Katz rivela inoltre l’importanza determinante dell’intelligenza nella creazione artistica contemporanea. Di fronte a un mercato dell’arte spesso dominato dagli effetti di moda e dalle strategie di marketing, lei ricorda che l’arte vera nasce dal pensiero tanto quanto dalla sensibilità. Questa dimensione intellettuale, lontana dall’essiccare l’emozione, la nutre e l’arricchisce, creando opere che resistono all’usura del tempo e alla saturazione visiva.
In un mondo in cui le immagini proliferano senza creare senso, in cui la comunicazione sostituisce troppo spesso la comunione, in cui l’immediatezza cancella la durata, l’arte di Allison Katz ci ricorda le virtù della lentezza, della riflessione, dell’approfondimento progressivo. I suoi dipinti richiedono tempo, tempo per guardare, tempo per capire e tempo per lasciare agire i loro sortilegi sottili. Questa temporalità specifica, irriducibile all’immediatezza contemporanea, costituisce forse il suo contributo più prezioso.
L’artista canadese ci offre infine molto più che un corpus di opere notevoli: ci propone una lezione di libertà creativa. La sua capacità di inventare perpetuamente nuove soluzioni plastiche, di rinnovare costantemente il suo vocabolario formale, di sorprendere pur mantenendo la sua coerenza profonda, rivela le infinite possibilità che ancora si presentano alla pittura contemporanea. In un contesto spesso segnato dal pessimismo e dalla ripetizione, questa energia creativa costituisce uno stimolo prezioso.
Perché si tratta proprio di energia. L’energia di chi rifiuta i sentieri battuti, l’energia di chi trasforma le costrizioni in libertà, l’energia di chi continua a credere nei poteri specifici della pittura in un mondo saturo di immagini digitali. Questa energia, Allison Katz la trasmette generosamente a chi sa riceverla, creando attorno al suo lavoro quella comunità di spiriti liberi che costituisce il vero pubblico dell’arte contemporanea.
L’opera di Allison Katz ci ricorda così che l’arte, al suo livello più alto, resta quella “transazione segreta” di cui parlava Virginia Woolf, quella “voce che risponde a una voce” che attraversa i secoli e unisce le coscienze. Nel frastuono visivo contemporaneo, lei riesce a far avvertire questa voce singolare che trasforma chiunque sappia ascoltarla. Questa capacità di trasformazione, individuale e collettiva, costituisce forse la più bella promessa della sua arte: quella di un mondo in cui intelligenza e sensibilità, tradizione e innovazione, intimo e universale potrebbero finalmente dialogare armoniosamente.
- Virginia Woolf, Orlando, 1928. Questa citazione, ripresa regolarmente da Katz, proviene dal passo: “Non era forse la scrittura di poesie una transazione segreta, una voce che risponde a una voce?”
- Jacques Lacan, “Lo stadio dello specchio come formatore della funzione dell’Io”, Écrits, Seuil, 1966.
