Ascoltatemi bene, banda di snob. Christina Quarles (nata nel 1985) dipinge come se Egon Schiele e Francis Bacon avessero avuto un figlio cresciuto dagli algoritmi di Adobe Illustrator, nutrito con i colori aciduli di David Hockney e cullato dalla poesia di Audre Lorde. Nel suo studio di Altadena, in California, questa artista orchestra una rivoluzione pittorica che fa saltare in aria le nostre certezze sul corpo e sull’identità. Le sue tele monumentali ci immergono in un universo dove l’ambiguità regna sovrana, dove le carni si trasformano e le identità si dissolvono per reinventarsi al meglio.
L’opera di Quarles si articola attorno a due assi principali che si intrecciano come i corpi che lei dipinge: da un lato, un’esplorazione radicale di quella che chiamerei “l’estetica dell’eccesso corporeo”, e dall’altro, una audace reinvenzione della rappresentazione dell’identità attraverso la frammentazione pittorica. Queste due dimensioni si arricchiscono a vicenda per creare un linguaggio visivo di rara potenza nell’arte contemporanea.
Prendiamo “Held Fast and Let Go Likewise” (2020), una tela che illustra perfettamente questa estetica dell’eccesso. Al centro della composizione, dei corpi si intrecciano in una danza sensuale e tormentata, le loro membra si allungano fino ai limiti della tela come a sfidare le restrizioni stesso del quadro. Le carni, dipinte in tonalità che oscillano tra il lavanda diafano e l’arancione crepuscolare, sembrano animate di una vita propria, trasformandosi sotto i nostri occhi in un caleidoscopio di possibilità corporee.
Questo approccio al corpo riecheggia in modo sorprendente il pensiero del filosofo Maurice Merleau-Ponty sulla fenomenologia della percezione. Nella sua “Fenomenologia della percezione” (1945), egli scrive: “Il corpo è il nostro mezzo generale per avere un mondo”. Quarles spinge questa riflessione oltre suggerendo che il nostro corpo non è solo il nostro ancoraggio al mondo, ma anche un luogo di resistenza contro le rigidità categoriali che la società tenta di imporci. Nei suoi dipinti, il corpo diventa un campo di battaglia dove si svolge una lotta costante tra le forze normative e il desiderio di sfuggire a qualsiasi definizione fissa.
I motivi geometrici che frammentano le sue composizioni, griglie affilate, motivi floreali allucinati, piani di colore che tagliano lo spazio come lame di luce, non sono semplici elementi decorativi. Funzionano come metafore visive delle strutture sociali che cercano di contenere, definire e limitare le nostre identità. In “Never Believe It’s Not So (Never Believe/ It’s Not So)” (2019), un’opera monumentale composta da tre pannelli, questi motivi creano una rete complessa di vincoli visivi attraverso la quale i corpi si insinuano, si contorcono e si reinventano.
La tecnica stessa di Quarles incarna questa tensione tra vincolo e libertà. Lei inizia dipingendo in maniera gestuale, lasciando che il suo corpo guidi il pennello in una danza intuitiva con la tela. Poi fotografa il suo lavoro, lo manipola digitalmente in Adobe Illustrator, creando motivi che reintroduce nella pittura tramite stencil in vinile. Questa ibridazione tra il tattile e il digitale, tra l’organico e il geometrico, crea una tensione visiva che mantiene lo sguardo in uno stato di costante veglia.
In “When It’ll Dawn on Us, Then Will It Dawn on Us” (2018), questa tensione raggiunge un parossismo impressionante. I corpi sembrano emergere da una nebbia di colori per intrecciarsi in un abbraccio che sfida la gravità. Le carni dipinte in toni di lavanda e pesca si fondono l’una nell’altra, creando zone di ambiguità dove diventa impossibile determinare dove inizia un corpo e dove finisce l’altro. Questa confusione deliberata non è un artificio stilistico, ma una strategia filosofica che ci costringe a mettere in discussione i nostri presupposti sui limiti del corpo e dell’identità.
Questo interrogarsi risuona profondamente con il pensiero di Gilles Deleuze sul corpo senza organi, un concetto che suggerisce che il corpo non sia tanto un’entità fissa quanto un campo di possibilità in costante evoluzione. Le figure di Quarles, con le loro membra che si moltiplicano e le loro carni che si metamorfosano, incarnano perfettamente questa idea di un corpo che rifiuta ogni organizzazione fissa e gerarchica. Ogni tela diventa così un laboratorio dove si sperimenta una nuova concezione del corpo, liberata dalle costrizioni anatomiche tradizionali.
In “Tha Nite Could Last Ferever” (2020), Quarles spinge ancora più avanti questa esplorazione. Lo spazio notturno che crea diventa un’eterotopia nel senso foucaultiano, un luogo dove le norme ordinarie della corporietà sono sospese. Le carni, dipinte in toni di blu profondo e arancione crepuscolare, si fondono nell’oscurità ambientale mantenendo al contempo una presenza fisica intensa. I corpi sembrano fluttuare in uno stato di sospensione temporale, liberati dalle costrizioni della gravità così come dalle norme sociali.
L’uso che fa Quarles del colore è particolarmente interessante. Rifiuta deliberatamente i toni di carne realistici, optando invece per una tavolozza che oscilla tra pastelli vaporosi e toni saturi quasi elettrici. Questa scelta non è semplicemente estetica, è profondamente politica. Dipingendo corpi in tonalità che trascendono ogni categorizzazione razziale convenzionale, crea uno spazio visivo dove l’identità diventa una questione di sensazione piuttosto che di apparenza.
Questo approccio al colore si inserisce in una riflessione più ampia sull’identità razziale, alimentata dall’esperienza personale dell’artista. Nata da un padre nero e da una madre bianca, Quarles ha vissuto sulla propria pelle le limitazioni delle categorie razziali tradizionali. I suoi dipinti propongono un’alternativa radicale a queste classificazioni binarie, suggerendo che l’identità è sempre più complessa e fluida delle caselle in cui si tenta di rinchiuderla.
In “Bad Air/Yer Grievances” (2018), questa fluidità identitaria assume una forma particolarmente efficace. I corpi sembrano essere simultaneamente dissolti e ricomposti dai motivi geometrici che attraversano la composizione. Questa tensione tra dissoluzione e ricostituzione evoca il modo in cui le nostre identità sono costantemente negoziate tra la nostra esperienza vissuta e le strutture sociali che cercano di definirci.
La dimensione erotica del suo lavoro non può essere ignorata, ma trascende ampiamente la semplice rappresentazione della sensualità. In “Feel’d” (2018), i corpi intrecciati creano configurazioni che sfidano non solo l’anatomia ma anche le nostre concezioni tradizionali dell’intimità. Questi intrecci suggeriscono forme di connessione che vanno oltre il fisico per toccare qualcosa di più fondamentale nell’esperienza umana.
Lo stesso titolo delle sue opere, spesso scritto in una fonetica vernacolare che gioca con le convenzioni linguistiche, aggiunge un ulteriore livello di significato. Distorgendo deliberatamente l’ortografia standard, Quarles crea un parallelo linguistico con il modo in cui le sue figure distorcono le convenzioni anatomiche, suggerendo che sia il linguaggio che il corpo sono costruzioni sociali suscettibili di essere reinventate.
Questa continua reinvenzione si esprime anche nella sua tecnica pittorica. Combinando la pittura gestuale tradizionale con interventi digitali, crea un linguaggio visivo che riflette la nostra epoca iperconnessa mantenendo al contempo un legame profondo con la tattilità della pittura. I motivi geometrici che incorpora tramite stencil creano rotture sulla superficie pittorica che funzionano come commenti sulla frammentazione dellesperienza contemporanea.
In “Casually Cruel” (2018), per esempio, queste rotture assumono una dimensione particolarmente drammatica. I corpi sembrano essere letteralmente tagliati da piani geometrici che attraversano la composizione come lame. Tuttavia, invece di apparire come vittime di questa violenza visiva, le figure sembrano usare questa situazione come unopportunità di trasformazione, le loro carni si riorganizzano secondo nuove configurazioni che sfidano ogni logica anatomica.
Linfluenza del digitale nel suo processo creativo merita di essere sottolineata. Contrariamente a molti artisti che vedono la tecnologia come una minaccia per la pittura tradizionale, Quarles la integra in modo organico nella sua pratica. Luso di Adobe Illustrator non è un semplice strumento tecnico, ma partecipa pienamente alla sua riflessione sulla natura costruita e manipolabile dellidentità. Questa dimensione tecnologica si esprime in modo particolarmente impressionante in “Dont They Know? Its the End of tha World” (2020). I corpi vi appaiono come entità ibride, a metà strada tra la carne e il codice digitale. I motivi geometrici che li attraversano evocano sia glitch informatici sia frammenti di architettura, creando uno spazio pittorico dove il virtuale e il fisico si confondono.
Lopera di Quarles si inserisce in una lunga tradizione di pittori che hanno cercato di spingere i confini della rappresentazione del corpo, da Picasso a De Kooning fino a Bacon. Ma dove i suoi predecessori maschi deformavano spesso il corpo femminile in una prospettiva di dominazione o alterità, Quarles crea figure che sfuggono a ogni tentativo di possesso o categorizzazione attraverso lo sguardo. Questa resistenza alla categorizzazione si esprime anche nel suo modo di trattare lo spazio pittorico. Gli sfondi delle sue tele oscillano continuamente tra profondità illusionistica e piattezza modernista, creando ambienti ambigui dove i corpi sembrano simultaneamente fluttuare ed essere compressi. Questa tensione spaziale rafforza la sensazione di instabilità e di trasformazione costante che caratterizza il suo lavoro.
In “Peer Amid (Peered Amidst)” (2019), questa ambiguità spaziale raggiunge un livello vertiginoso di complessità. I corpi sembrano esistere simultaneamente in diverse dimensioni, i loro arti attraversano differenti piani di realtà come se navigassero tra universi paralleli. Questa moltiplicazione degli spazi richiama la teoria dei mondi possibili di Leibniz, suggerendo che ogni identità contiene in sé uninfinità di potenzialità.
I motivi ricorrenti nella sua opera, le finestre, le griglie, i tessuti decorati, funzionano come metafore di quelle strutture sociali che tentano di contenere e definire le nostre identità. Ma i corpi che lei dipinge rifiutano sistematicamente di conformarsi a questi schemi. Essi traboccano, si contorcono, trovano vie di fuga, creando ciò che definirei una “coreografia della resistenza”.
Questa resistenza assume una dimensione particolarmente potente nelle sue installazioni, dove lei estende le sue esplorazioni pittoriche allo spazio tridimensionale. In queste opere, lo spettatore è fisicamente coinvolto nel mettere in discussione i limiti e le frontiere, il proprio corpo diventando parte integrante dellesperienza artistica.
La dimensione politica del suo lavoro non può essere sottovalutata. In un mondo dove le questioni di identità sono al centro di numerosi dibattiti sociali, l’opera di Quarles propone un’alternativa radicale alle categorizzazioni binarie. Suggerisce che la nostra vera natura risieda forse proprio nella nostra capacità di trascendere definizioni rigide, di esistere in uno stato di flusso costante. Questa proposta politica si esprime con una forza particolare nelle sue opere più recenti, dove la tensione tra costrizione e libertà raggiunge nuovi vertici. In “Gone on Too Long” (2021), i corpi sembrano letteralmente lottare contro i limiti della tela, con i loro arti che si allungano fino all’impossibile in un disperato tentativo di sfuggire alle costrizioni imposte.
Ma ciò che rende il lavoro di Quarles veramente straordinario è che lei trasforma questa lotta in una celebrazione della possibilità. Nonostante la violenza implicita in alcune delle sue deformazioni corporee, i suoi dipinti emanano una gioia feroce, un’affermazione vitale della libertà di essere se stessi nella loro complessità. L’opera di Christina Quarles rappresenta molto più di una semplice esplorazione dell’identità o un’innovazione tecnica nella pittura. Costituisce una proposta radicale sulla stessa natura dell’esistenza umana, suggerendo che la nostra vera essenza risieda forse proprio nella nostra capacità di trascendere le categorie che cercano di definirci. Il suo lavoro offre uno spazio di libertà dove l’ambiguità non è fonte di confusione ma di possibilità infinite.
