Ascoltatemi bene, banda di snob: Erwin Wurm non è un semplice burlone che gonfia le auto come palloncini per divertire il pubblico. Questo austriaco nato nel 1954 a Bruck an der Mur pratica una scultura sociologica di un’intelligenza formidabile, una poesia visiva che colpisce nel profondo la nostra epoca come un acido delicatamente versato sulle certezze borghesi. Sono trentacinque anni che quest’uomo osserva il nostro mondo con l’occhio impietoso del sociologo e la causticità del poeta, trasformando ogni gesto quotidiano in un rivelatore chimico delle nostre nevrosi collettive.
Quando Wurm trasforma una Porsche in un’automobile obesa o invita il pubblico a infilare la testa in un secchio di plastica, compie molto più di una semplice sovversione ludica. Mette a nudo i meccanismi di dominazione sociale che strutturano le nostre esistenze, quei codici invisibili che ci costringono a performare la nostra identità attraverso gli oggetti che possediamo, le automobili che guidiamo, gli abiti che indossiamo. La sua pratica artistica risuona profondamente con le analisi del sociologo Pierre Bourdieu sulla distinzione sociale e l’habitus [1]. Come il maestro francese aveva teorizzato, i nostri gusti estetici, le nostre scelte di consumo e le nostre pratiche culturali funzionano come altrettanti marcatori di classe, creando confini invisibili ma inflessibili tra gruppi sociali.
Prendiamo le sue celebri Fat Cars, quelle automobili gonfiate fino all’oscenità plastica. Wurm non si limita a deridere la nostra ossessione per i simboli statutari: rivela come questi oggetti funzionino come “capitali simbolici” nel senso di Bourdieu, permettendo ai possidenti di mostrare la loro posizione nello spazio sociale. “Le auto grosse esprimono l’idea che padrone e cane finiscano per assomigliarsi”, spiega l’artista. Questa formulazione lapidaria nasconde un’analisi sociologica formidabile: i nostri beni di consumo ci modellano tanto quanto noi li modelliamo, creando quella circolarità perversa in cui l’individuo diventa il prodotto delle proprie produzioni. Le Fat Cars di Wurm rivelano così come l’automobile, simbolo per eccellenza della libertà individuale nelle nostre società capitalistiche, diventi in realtà uno strumento di alienazione collettiva. L’obesità scultorea di questi veicoli espone crudelmente la bulimia consumista dei nostri contemporanei, quella corsa sfrenata verso l’accumulazione materiale che caratterizza il capitalismo tardivo. Wurm comprende intuitivamente ciò che Bourdieu aveva concettualizzato: le pratiche di consumo costituiscono un linguaggio sociale sofisticato, un sistema di segni che permette alle classi dominanti di mantenere i propri privilegi mentre sembrano naturali. Le sue sculture smascherano questa violenza simbolica con un’efficacia notevole.
L’artista spinge questa logica sociologica all’estremo con le sue One Minute Sculptures, quelle performance effimere in cui invita il pubblico ad assumere posture assurde con oggetti di uso quotidiano. Queste opere funzionano come vere e proprie esperienze sociologiche in vivo, rivelando i nostri condizionamenti sociali più profondi. Quando un visitatore accetta di trasformarsi in scultura umana secondo le istruzioni di Wurm, rivela inconsapevolmente la sua propensione alla sottomissione volontaria, la sua capacità di obbedire ai codici sociali anche i più arbitrari. Queste opere pongono frontalmente la questione dell’habitus, quella disposizione durevole acquisita dall’individuo attraverso la sua socializzazione che lo porta a riprodurre inconsciamente le strutture sociali dominanti. Wurm trasforma lo spazio espositivo in un laboratorio di osservazione dei comportamenti sociali, rivelando come interiorizziamo le norme collettive al punto da riprodurle meccanicamente, anche nella loro forma più assurda. L’apparente umorismo di queste performance nasconde a stento la loro dimensione profondamente politica: espongono la nostra docilità di fronte alle imposizioni sociali, la nostra tendenza ad accettare l’autorità appena espressa con sufficiente sicurezza.
Ma l’opera di Wurm non si ferma a questa sociologia del quotidiano. Essa attinge anche ai territori più fertili della letteratura contemporanea, particolarmente nell’universo dello scrittore austriaco Thomas Bernhard, figura tutelare della modernità letteraria europea [2]. Come Bernhard, Wurm pratica un’arte della ripetizione ossessiva e della variazione ironica. Le sue serie di sculture, Fat Cars, One Minute Sculptures, Narrow House, funzionano secondo una logica seriale che evoca immediatamente le ripetizioni di Bernhard, quelle spirali testuali dove l’autore torna continuamente sulle stesse ossessioni per estrarne verità sempre più taglienti.
L’influenza di Bernhard su Wurm va ben oltre questa questione formale della ripetizione. Tocca il cuore stesso della loro visione del mondo, quella percezione acuta dell’assurdità fondamentale dell’esistenza umana. Quando Bernhard scrive: “Noi tutti recitiamo la commedia fino alla morte, e più la recitiamo perfettamente, più abbiamo successo”, formula un’intuizione che Wurm traduce plasticamente nelle sue opere. Le sue sculture rivelano infatti questa dimensione teatrale delle nostre esistenze, quel modo in cui costantemente eseguiamo la nostra identità sociale attraverso codici gestuali e materiali di cui abbiamo dimenticato l’origine. La Narrow House di Wurm, questa replica ristretta della casa familiare dell’artista, funziona come una metafora architettonica dell’oppressione psicologica analizzata da Bernhard nei suoi romanzi. Questa costruzione opprimente, dove si può entrare solo chinandosi, materializza letteralmente l’atmosfera claustrofobica dell’Austria post-nazista descritta dallo scrittore. Wurm vi trasporta visivamente questa “malattia austriaca” che Bernhard aveva diagnosticato nei suoi testi: quella propensione collettiva alla negazione, quell’incapacità di affrontare lucidamente i traumi storici.
L’umorismo nero che caratterizza entrambi gli uomini costituisce il loro principale punto di convergenza artistica. Sia in Bernhard che in Wurm, la risata funziona come un meccanismo di difesa contro l’orrore del reale, ma anche come un’arma critica estremamente efficace. Le loro opere rispettive praticano questa “critica cinica” di cui parla Wurm: dire la verità con una battuta, rivelare i meccanismi sociali più oscuri sotto la maschera della derisione. Questa strategia permette loro di bypassare le difese psicologiche del pubblico, di trasmettere messaggi sovversivi sotto la copertura dell’intrattenimento. Wurm comprende perfettamente questa dimensione politica dell’umorismo bernhardiano: nelle nostre società dello spettacolo, la risata costituisce talvolta l’unica via d’accesso possibile alla coscienza critica. Le sue sculture funzionano secondo questa stessa logica: disarmano lo spettatore con il loro aspetto ludico prima di infliggergli verità scomode sulla sua condizione sociale.
Questa filiazione letteraria illumina anche la dimensione profondamente europea dell’arte di Wurm. Come Bernhard, appartiene a quella generazione di artisti del dopoguerra cresciuta all’ombra dei totalitarismi del XX secolo. Le sue opere portano la traccia di questa memoria traumatica, questa coscienza acuta della fragilità delle costruzioni civili. Quando fa crollare architettonicamente il museo Guggenheim nelle sue Melting Houses, Wurm attualizza plasticamente questa intuizione bernhardiana secondo cui ogni costruzione umana porta in sé i semi della propria distruzione. Le sue sculture rivelano questa precarietà fondamentale dell’ordine sociale che lo scrittore aveva esplorato nei suoi romanzi più oscuri.
L’arte di Wurm si nutre così di questa doppia fonte, sociologica e letteraria, per produrre un’opera di notevole coerenza. Le sue sculture non si limitano a criticare le apparenze del mondo contemporaneo: ne rivelano le strutture profonde, quei meccanismi invisibili che regolano i nostri comportamenti collettivi. Sia attraverso l’analisi di Bourdieu sulla distinzione sociale che la visione di Bernhard dell’assurdità esistenziale, Wurm sviluppa un linguaggio plastico che permette di pensare la nostra epoca con una lucidità rara.
La sua pratica artistica attuale, visibile soprattutto nella retrospettiva del 2024 all’Albertina Modern di Vienna [3], conferma questa maturità concettuale. Le sue ultime serie, le Substitutes, le Skins, le Flat Sculptures, approfondiscono ancora questa riflessione sui rapporti tra corpo sociale e corpo individuale. Queste opere recenti rivelano un artista al culmine della sua arte, capace di rinnovare costantemente il suo linguaggio plastico senza mai perdere di vista le sue ossessioni fondamentali.
Le Substitutes presentano abiti senza corpo, fantasmi tessili che evocano l’assenza umana con una malinconia struggente. Questi pezzi proseguono naturalmente la riflessione sociologica iniziata trent’anni prima: rivelano come i nostri vestiti funzionino come protesi identitarie, estensioni di noi stessi che a volte ci sopravvivono. Wurm esplora qui questa dimensione spettrale dell’esistenza contemporanea, questo modo in cui deleghiamo la nostra presenza nel mondo attraverso gli oggetti che ci circondano.
Le Skins portano questa logica ancora più oltre, conservando solo sottili nastri corporei, tracce evanescenti di un’umanità in via di dissoluzione. Queste sculture evocano irresistibilmente le analisi di Bourdieu sull’incorporazione delle strutture sociali: materializzano letteralmente questo modo in cui le norme collettive si inscrivono nei nostri corpi, li modellano, li costringono, talvolta fino a farli scomparire. L’habitus di Bourdieu trova qui la sua traduzione plastica più compiuta.
Per quanto riguarda le Flat Sculptures, esse mettono direttamente in discussione i confini tra pittura e scultura, esplorando questa zona liminale in cui le parole diventano forme e le forme si caricano di significati linguistici. Queste opere rivelano l’influenza persistente della letteratura sull’arte di Wurm: esse materializzano questa dimensione performativa del linguaggio che Bernhard aveva esplorato nei suoi testi più sperimentali.
L’intera produzione recente conferma la pertinenza dell’intervento di Wurm sulla nostra epoca. In un’epoca in cui i social network trasformano ogni individuo in un performatore permanente della propria esistenza, dove la distinzione tra sfera privata e sfera pubblica si attenua, dove le nostre identità si costruiscono sempre di più attraverso i nostri consumi materiali, l’arte di Wurm acquista una dimensione profetica. Le sue sculture anticipavano da tempo questa società dello spettacolo generalizzato che ormai abitiamo.
Il suo lavoro rivela anche tutta la sua dimensione politica nel contesto europeo attuale. Mentre il continente attraversa una crisi identitaria importante, diviso tra nostalgie nazionaliste e aspirazioni cosmopolite, l’opera di Wurm offre un modello di resistenza critica notevolmente efficace. Le sue sculture disinnescano le tentazioni autoritarie rivelandone la dimensione grottesca, espongono i meccanismi di manipolazione sociale portandoli fino all’assurdo.
Questa capacità di mantenere una distanza critica senza cadere nel cinismo sterile costituisce probabilmente il più grande successo artistico di Wurm. Le sue opere riescono a coniugare impegno politico e piacere estetico, profondità concettuale e accessibilità popolare. Realizzano questa rara sintesi tra arte colta e cultura popolare che caratterizza i grandi creatori della nostra epoca.
L’influenza internazionale di Wurm, visibile nelle sue esposizioni nei più grandi musei mondiali, dal MoMA al Centre Pompidou, dalla Tate Modern al Guggenheim, testimonia questa pertinenza universale del suo discorso [4]. Le sue opere parlano oltre i confini nazionali perché rivelano meccanismi sociali che trascendono i particolarismi culturali. Espongono questa condizione umana contemporanea caratterizzata dall’alienazione consumistica e dalla performance identitaria permanente.
Ecco perché l’opera di Erwin Wurm merita di essere presa sul serio, al di là della sua apparenza ludica immediata. Essa costituisce una delle analisi plastiche più penetranti della nostra condizione contemporanea, una sociologia visiva che rivela le leve nascoste dei nostri comportamenti collettivi. Wurm ha saputo creare un linguaggio artistico originale che permette di pensare la nostra epoca con un’acuità notevole, coniugando la rigore concettuale del sociologo e la libertà creativa dell’artista. La sua opera ci ricorda che l’arte, al suo massimo livello, non si limita a decorare il mondo: lo rivela, lo interroga, a volte lo trasforma. Nel panorama artistico contemporaneo spesso tributario delle mode e dei mercati, Wurm mantiene viva questa tradizione critica che fa dell’arte uno strumento di conoscenza e di resistenza. Solo per questo merita la nostra attenzione e il nostro rispetto.
- Pierre Bourdieu, La Distinction. Critica sociale del giudizio, Parigi, Éditions de Minuit, 1979.
- Thomas Bernhard, Maîtres anciens, Parigi, Gallimard, 1988.
- “Erwin Wurm: A 70th-Birthday Retrospective”, Albertina Modern, Vienna, settembre 2024 – marzo 2025.
- Acquisizioni permanenti: Museum of Modern Art, New York; Centre Pompidou, Parigi; Tate Modern, Londra; Solomon R. Guggenheim Museum, New York.
