Ascoltatemi bene, banda di snob. Ci troviamo di fronte a un’artista che compie l’impresa di farci credere che la pittura possa ancora rivelarci territori inesplorati, mentre la maggior parte di noi pensava che tutto fosse stato detto fin da Pollock. Francesca Mollett, nata nel 1991 a Bristol e residente a Londra, sviluppa dal suo diploma al Royal College of Art nel 2020 un linguaggio pittorico di sofisticazione temibile, che trasforma l’osservazione del quotidiano in un’esperienza quasi mistica. Le sue tele astratte, nutrite da un’osservazione meticolosa della luce sulle superfici, ci confrontano con questa verità disturbante: trascorriamo il nostro tempo accanto all’essenziale, ciechi ai bagliori e alle iridescenze che ci circondano.
L’opera di Mollett si inserisce in un approccio profondamente fenomenologico, nel senso che esplora il modo in cui percepiamo e ci relazioniamo con il mondo che ci circonda. Ma, contrariamente agli approcci tradizionali di questa disciplina filosofica, l’artista britannica non cerca di teorizzare l’esperienza: la materializza direttamente sulla tela. Le sue composizioni nascono da osservazioni precise, i riflessi sulle porte laccate di Amsterdam, la muffa fosforescente negli spazi scuri, le formazioni geologiche antiche, che trasforma attraverso un processo pittorico complesso che mescola intuizione e rigore tecnico.
Questo approccio trova le sue radici nella tradizione della filosofia continentale, particolarmente nei lavori di Edmund Husserl sulla percezione e l’intenzionalità della coscienza. Husserl sviluppava l’idea che la nostra coscienza è sempre coscienza di qualcosa, che intrattiene una relazione intenzionale con gli oggetti del mondo [1]. In Mollett, questa intenzionalità diventa pittura: ogni tela testimonia un incontro specifico tra la coscienza dell’artista e un fenomeno luminoso particolare. Le sue opere come Two Thistles (2021) o Halves (2023) non rappresentano semplicemente degli oggetti, incarnano la qualità particolare dell’attenzione rivolta a questi oggetti. L’artista stessa lo esprime con una precisione toccante: “Ogni dipinto vuole produrre il proprio tipo di scintillio, ma deriva anche da uno scintillio nel mondo. Lo scintillio è al tempo stesso un effetto visivo visto e un momento intangibile, vicino alla rivelazione” [2].
Il metodo di Mollett rivela una comprensione profonda di ciò che Husserl chiamava epochè, quella sospensione del giudizio naturale che permette di accedere all’essenza dei fenomeni. Iniziando le sue tele con disegni a carboncino, poi applicando strati fluidi di acrilico prima di costruire la texture finale con olio e spatola, compie una riduzione progressiva che allontana l’immagine dalla sua fonte per avvicinarla alla sua essenza percettiva. Questo approccio trasforma l’atto di dipingere in una vera e propria indagine fenomenologica, dove ogni gesto rivela una nuova stratificazione della percezione.
La dimensione temporale occupa un posto centrale in questa esplorazione. I dipinti di Mollett catturano istanti fugaci, lo splendore di un riflesso, la vibrazione della luce su una superficie umida, per trasformarli in durata pittorica. Questa alchimia del tempo si unisce alle preoccupazioni di Husserl sulla coscienza temporale e la ritenzione. Ogni tela dell’artista funziona come una ritenzione estesa, che mantiene presente un momento passato aprendo al contempo verso possibilità future. Le sue composizioni recenti, in particolare quelle esposte a New York presso la Grimm Gallery nel 2024, testimoniano questa capacità unica di far coesistere diverse temporalità in uno stesso spazio pittorico.
L’influenza della letteratura contemporanea sul lavoro di Mollett apre una seconda dimensione di analisi, particolarmente feconda quando si confronta con le teorie della ricezione sviluppate dalla Scuola di Costanza e in particolare da Hans-Robert Jauss. L’artista cita regolarmente autrici come Elena Ferrante, Jhumpa Lahiri o Fanny Howe, le cui opere esplorano i meccanismi della memoria affettiva e la fluidità delle identità. Questa influenza letteraria non è una semplice illustrazione: informa direttamente la sua concezione della pittura come spazio di dialogo tra l’artista e lo spettatore.
Jauss, nelle sue Studi sull’esperienza estetica, sviluppava l’idea che l’opera d’arte esista pienamente solo nel suo incontro con il pubblico [3]. Questa estetica della ricezione trova in Mollett un’applicazione particolarmente stimolante. Le sue tele funzionano come dispositivi di attivazione percettiva che rivelano il loro pieno significato solo attraverso l’esperienza dello spettatore. L’artista ne è perfettamente consapevole: “Vorrei che lo spettatore sentisse un’intensità di connessione e di potenzialità nelle cose che lo circondano. Quando esco dalle mostre, una delle sensazioni più stimolanti è uscire e sentire che ho interiorizzato la percezione dell’artista; si comincia a vedere le scene come se fossero dipinti, mi piacerebbe che accadesse” [2].
Questa estetica della ricezione attiva trova la sua piena espressione nella serie Halves (2023), in cui Mollett esplora gli effetti di riflesso e sdoppiamento. Queste opere, ispirate dalle porte verniciate di Amsterdam che riflettono i canali, creano uno spazio pittorico ambiguo in cui lo spettatore deve costantemente aggiustare la propria percezione. L’orizzonte di attesa del pubblico, per riprendere il vocabolario di Jauss, viene deliberatamente destabilizzato, obbligando a una ricezione attiva e partecipativa. Le tele di Mollett richiedono quella che si potrebbe chiamare una lettura lenta, un’attenzione sostenuta che rivela progressivamente le loro sottigliezze cromatiche e testurali.
L’influenza della letteratura di autofiction contemporanea su Mollett è particolarmente interessante. Come le narratrici di Elena Ferrante, che esplorano la porosità tra sé e l’altro nella tetralogia napoletana, l’artista sviluppa una pittura della permeabilità. Le sue composizioni recenti, in particolare Spun Step (2022) o Cortex (2024), rivelano la stessa fascinazione per le zone di indeterminatezza dove i confini si sfumano. L’artista dichiara inoltre: “L’autofiction contemporanea e i flussi di coscienza della letteratura sono formativi per la mia percezione della realtà quotidiana” [2]. Questa influenza si traduce in un approccio pittorico che privilegia i passaggi e le transizioni piuttosto che le forme definite.
La ricezione critica dell’opera di Mollett testimonia questa capacità di trasformare l’esperienza dello spettatore. Tom Morton osserva giustamente: “Guardando i dipinti di Mollett, abbiamo la sensazione di un momento sospeso in cui il pensiero emerge dal pigmento sotto forma di immagine” [2]. Questa osservazione rivela la dimensione cognitiva del lavoro dell’artista, che non si limita a rappresentare fenomeni visivi ma attiva processi di riconoscimento e di memoria nello spettatore.
La straordinaria ascesa di Mollett sul mercato dell’arte, le sue tele sono passate da 15.000 / 20.000 euro nel 2023 a 65.000 / 70.000 euro nel 2024, non deve oscurare la solidità concettuale del suo percorso. Contrariamente a molti artisti della sua generazione, travolti dalla speculazione, Mollett mantiene un’esigenza costante verso la qualità delle sue opere. Questa intransigenza si riflette nel suo metodo di lavoro. Stabilita in due atelier nel sud di Londra, uno intimo per la riflessione, l’altro più tecnico per l’esecuzione, Mollett sviluppa ogni composizione in diversi mesi. Descrive il suo processo come “un’arrivo lento per frammenti”, in cui l’accumulo progressivo degli strati pittorici rivela possibilità insospettate. Questa temporalità estesa distingue radicalmente il suo lavoro dalla produzione accelerata che spesso caratterizza l’arte contemporanea.
Il successo internazionale di Mollett, con mostre simultanee su tre continenti nel 2023, testimonia l’universalità del suo linguaggio pittorico. Che sia a San Francisco da Micki Meng, a Shanghai da Pond Society o ad Amsterdam da Grimm Gallery, le sue tele rivelano la capacità di dialogare con contesti culturali diversi. Questa adattabilità non è casuale: deriva direttamente dal suo metodo fenomenologico, che privilegia l’esperienza percettiva universale piuttosto che i riferimenti culturali specifici.
L’evoluzione recente del suo lavoro, visibile soprattutto nella mostra Annual Honesty presso Modern Art London (2025), rivela una maturità artistica notevole. Tele come Terrestrial Stars o Stave testimoniano una padronanza tecnica raggiunta al servizio di una visione sempre più personale. L’artista esplora qui le corrispondenze tra forme naturali e strutture musicali, rivelando una sensibilità sinestetica che arricchisce ulteriormente il suo vocabolario pittorico.
Questa evoluzione è accompagnata da una riflessione teorica sempre più marcata. Durante la sua residenza al Roberts Institute in Scozia, Mollett ha sviluppato le sue ricerche sull’idrofemminismo, quel femminismo critico e materialista, e sui licheni, esplorando le metafore della porosità e dell’adattamento. Queste indagini teoriche nutrono direttamente la sua pratica, come testimoniano le opere recenti in cui gli effetti di iridescenza si complicano per creare spazi pittorici di una profondità inedita.
Il ruolo di Mollett nel panorama artistico contemporaneo merita di essere contestualizzato. In un momento in cui l’astrazione femminile britannica conosce un rinnovamento straordinario con artiste come Jadé Fadojutimi o Pam Evelyn, Mollett si distingue per la sofisticazione concettuale del suo approccio. Là dove altre privilegiano l’espressività gestuale o l’impatto cromatico, lei sviluppa un approccio più cerebrale, alimentato dai suoi riferimenti filosofici e letterari.
Questa differenza di approccio spiega forse la rapidità del suo riconoscimento istituzionale. Le sue opere fanno già parte delle collezioni del Kröller-Müller Museum, del Kunstmuseum dell’Aia o dell’Institute of Contemporary Art di Miami. Questo riconoscimento precoce testimonia la maturità del suo lavoro, ma anche la sua capacità di dialogare con la storia dell’arte senza perdervisi.
Il futuro artistico di Mollett sembra orientarsi verso un’esplorazione sempre più approfondita degli stati intermedi e dei fenomeni di transizione. Le sue ultime dichiarazioni sull’iridescenza e la metamorfosi suggeriscono un approfondimento della sua ricerca sulle soglie percettive. Questa direzione promette sviluppi entusiasmanti, soprattutto considerando la ricchezza concettuale già raggiunta in pochi anni.
In un mondo saturo di immagini e stimoli visivi, l’opera di Francesca Mollett ci ricorda la necessità dello sguardo lento e dell’attenzione sostenuta. Le sue tele funzionano come isole di contemplazione che resistono al consumo rapido dell’arte. Esse richiedono tempo, disponibilità, una forma di generosità percettiva che la nostra epoca tende a trascurare. In questo, compiono una delle missioni essenziali dell’arte: riconciliarci con la complessità e la bellezza del mondo sensibile.
L’impatto di Mollett sulla sua generazione di artisti comincia già a delinearsi. Il suo metodo, che unisce rigore concettuale e libertà espressiva, propone un modello alternativo alla produzione artistica contemporanea. Dimostra che è possibile coniugare successo commerciale e integrità artistica, purché si mantenga un’esigente costante verso la qualità dell’opera e la sincerità del percorso.
Ci troviamo dunque di fronte a un’artista che reinterpreta i codici dell’astrazione contemporanea senza cadere nelle facilità del mercato. Francesca Mollett è riuscita a imporre in pochi anni un linguaggio pittorico di un’originalità straordinaria, che trasforma l’esperienza estetica in un vero e proprio esercizio di percezione. Le sue tele compiono questa rara impresa di rivelare dimensioni insospettate del nostro rapporto con il mondo sensibile. In un’epoca saturata di immagini ma povera di sguardi, la sua arte propone una forma di resistenza contemplativa, un invito pressante a riscoprire la ricchezza del presente percettivo. Questa capacità di rivelare lo straordinario nell’ordinario, di far brillare le superfici più banali, costituisce il contributo più prezioso del suo lavoro all’arte contemporanea. E questo, cari amici snob, è esattamente ciò di cui avevamo bisogno.
- Edmund Husserl, Idee fondamentali per una fenomenologia, Gallimard, 1950.
- Francesca Mollett, citata in Artnet Gallery Network, “7 domande all’artista britannica Francesca Mollett su come le lucciole, i canali e le antiche grotte ispirano le sue tele illuminate”, Artnet News, 1º giugno 2023.
- Hans-Robert Jauss, Per un’estetica della ricezione, Gallimard, 1978.
- The Art Newspaper, “”Qualunque cosa sia il fattore It, sembra che lei ce l’abbia” : dietro la crescente popolarità dei misteriosi dipinti di Francesca Mollett”, 20 giugno 2024.
