Ascoltatemi bene, banda di snob: Guy Yanai non dipinge per adulare. Quest’uomo sulla quarantina, nato a Haifa e stabilito tra Tel Aviv e Marsiglia, sviluppa da due decenni un’opera che sfida le nostre aspettative più convenzionali su cosa dovrebbe essere la pittura contemporanea. Armato del suo pennello e delle sue lunghe bande orizzontali di colore, Yanai trasforma l’ordinario in straordinario con una rigore che evoca tanto i mosaici bizantini quanto gli schermi pixelati dei nostri smartphone.
L’artista israeliano procede per accumulo di tocchi orizzontali, creando superfici che sembrano tessute più che dipinte. Questa tecnica particolare, sviluppata progressivamente nel corso degli anni, conferisce alle sue tele una materialità particolare che oscilla tra l’artigianato antico e l’estetica digitale. Ogni colpo di pennello diventa un’unità di costruzione, un pixel di colore che partecipa all’edificazione di un mondo visivo coerente eppure frammentato.
L’universo pittorico di Yanai si nutre di immagini raccolte ovunque: Google Street View, TripAdvisor, Instagram, fotografie personali, film di Éric Rohmer. Questa pratica dell’appropriazione non è affatto gratuita o pigra. Al contrario, rivela una visione contemporanea della creazione artistica dove l’artista diventa, secondo le sue stesse parole, più un “editore” che un creatore ex nihilo. Questo approccio trova giustificazione nella nostra epoca di sovrabbondanza visiva, dove la questione non è più come creare immagini, ma come sceglierle e trasformarle.
I soggetti prediletti di Yanai appartengono a quello che si potrebbe chiamare l’estetica della classe media internazionale: appartamenti luminosi con mobili di design, velieri su laghi tranquilli, piante d’appartamento sofisticate, piscine di hotel, finestre aperte su paesaggi mediterranei. Questa immagine, lontana dall’essere banale, costituisce il vocabolario visivo di una certa modernità borghese globalizzata, quella delle riviste di arredamento e dei social network. Appropriandosi di questi codici, Yanai non li critica frontalmente, ma li trasforma in materiale pittorico, rivelandone la dimensione estetica tanto quanto sociologica.
L’architettura come metafora esistenziale
L’approccio architettonico di Guy Yanai supera di gran lunga la semplice rappresentazione di edifici. Costituisce un vero e proprio sistema di pensiero visivo che affonda le radici nelle teorie dello spazio sviluppate da architetti e filosofi del XX secolo. L’artista, cresciuto nell’ambiente architettonico particolare di Israele prima di stabilirsi in Francia, sviluppa una sensibilità particolare alle questioni dell’abitazione e dell’ancoraggio.
Nelle sue opere architettoniche, Yanai dialoga implicitamente con le riflessioni di Le Corbusier sulla “macchina per abitare” e la standardizzazione dello spazio domestico. I suoi interni, siano essi appartamenti parigini o ville californiane, rivelano una standardizzazione estetica internazionale che travalica i confini geografici. Questa omogeneizzazione dello spazio abitato diventa per lui il sintomo di una condizione contemporanea: quella dell’uomo moderno che può sentirsi “a casa” ovunque e in nessun luogo allo stesso tempo.
L’architettura nell’opera di Yanai funziona anche come metafora della costruzione identitaria. Nato in Israele, cresciuto negli Stati Uniti, formatosi tra New York e la Francia, vivendo oggi tra Tel Aviv e Marsiglia, l’artista incarna lui stesso questa mobilità geografica caratteristica della nostra epoca. I suoi dipinti di interni non sono mai ritratti di luoghi specifici, ma piuttosto archetipi di spazi abitabili, modelli in miniatura di quello che potrebbe essere un “focolare” universalizzabile.
La tecnica pittorica di Yanai trova nell’architettura la sua espressione più coerente. Le sue fasce orizzontali di colore evocano gli elementi costruttivi dell’edificio: mattoni, blocchi di cemento, assi, rivestimenti. Questo approccio metodico alla costruzione pittorica rispecchia i processi architettonici, dove ogni elemento deve trovare il suo posto in un insieme strutturale coerente. L’artista non nasconde del resto la sua ammirazione per i maestri dell’architettura moderna, particolarmente per coloro che sono riusciti a unire funzionalità e bellezza.
Questa dimensione architettonica si manifesta anche nel modo in cui Yanai organizza lo spazio delle sue tele. Contrariamente ai pittori che cercano l’illusione della profondità, egli privilegia un approccio frontale che evoca le facciate architettoniche. Le sue composizioni si organizzano secondo principi di simmetria ed equilibrio che richiamano le regole della composizione architettonica classica, integrando allo stesso tempo un’estetica decisamente contemporanea.
L’influenza della Scuola Bauhaus, particolarmente presente nell’architettura israeliana di Tel Aviv dove vive l’artista, traspare in questa ricerca di una bellezza funzionale. Yanai non riproduce le forme del Bauhaus, ma ne attualizza lo spirito: quello di una modernità democratica che fa della bellezza un bene accessibile piuttosto che un privilegio aristocratico. Questa filosofia estetica emerge nella scelta dei suoi soggetti, sempre tratti dall’ambiente quotidiano della classe media urbana contemporanea.
La questione dell’habitat in Yanai si riallaccia alle preoccupazioni esistenziali sviluppate da Martin Heidegger nella sua riflessione sull’essere e lo spazio. Ma là dove il filosofo tedesco interrogava l’autenticità della dimora tradizionale di fronte alla modernità tecnica, Yanai sembra accettare e persino celebrare questa modernità. I suoi interni non sono nostalgici di un passato trascorso, ma affermano al contrario la possibilità di una bellezza contemporanea, anche nella standardizzazione.
Il cinema di Éric Rohmer: una poetica del tempo e dello spazio
L’influenza del cineasta francese Éric Rohmer sull’opera di Guy Yanai costituisce una delle chiavi di comprensione più illuminanti del suo approccio artistico. Questa filiazione supera la semplice appropriazione di immagini cinematografiche per costituire un vero e proprio metodo di lavoro e una filosofia estetica. Rohmer, maestro della Nouvelle Vague francese, ha sviluppato un cinema dell’ordinario che trova in Yanai la sua trasposizione pittorica più convincente.
L’estetica rohmeriana si basa su una cura minuziosa dei dettagli della quotidianità borghese francese. I suoi film privilegiano lunghi dialoghi in ambienti naturali o interni accuratamente scelti, creando un’atmosfera di intimità contemplativa che permea profondamente l’opera di Yanai. L’artista israeliano trasporta questo approccio nella pittura privilegiando scene apparentemente banali: una donna che legge vicino a una finestra, una coppia che conversa su un pontile, un interno parigino immerso nella luce mattutina.
La temporalità rohmeriana, fatta di lentezza e sospensione, trova il suo equivalente pittorico nella tecnica di Yanai. Le sue lunghe bande orizzontali di colore evocano la pazienza necessaria per la costruzione dell’immagine, creando un ritmo visivo che ricorda la cadenza particolare dei film di Rohmer. Questa tecnica laboriosa contrasta con l’immediatezza dell’immagine digitale contemporanea, proponendo un tempo di contemplazione che fa eco a quello del cineasta francese.
In “Conte d’été” (1996) o “Conte d’automne” (1998), Rohmer sviluppa una geografia sentimentale della Francia borghese che affascina Yanai. L’artista attinge a questa immagine per creare i propri “racconti” pittorici, dove i luoghi diventano i veri protagonisti delle opere. I suoi dipinti della costa mediterranea, delle terrazze provenzali o dei giardini parigini attualizzano l’universo rohmeriano conferendogli una dimensione plastica inedita.
La luce occupa in Rohmer un posto centrale, soprattutto nelle sue ultime opere dove esplora le variazioni cromatiche delle stagioni francesi. Yanai trasporta questa ricerca luminosa sviluppando una tavolozza di colori caratteristica: blu mediterranei, verdi teneri della primavera parigina, rosa polverosi delle serate estive. Questa cromatologia rohmeriana diventa per lui un linguaggio pittorico a sé stante, capace di evocare atmosfere ed emozioni specifiche.
L’approccio documentaristico di Rohmer, che spesso filma luoghi reali con una precisione quasi etnografica, ispira il metodo di lavoro di Yanai. L’artista colleziona immagini dei suoi viaggi e delle sue scoperte su internet con la stessa meticolosità con cui il cineasta sceglieva le sue scenografie. Questa accumulazione di immagini diventa il materiale di base di un’opera che trasforma il documentario in poesia, il fattuale in onirico.
La filosofia morale di Rohmer, che esamina con benevolenza le piccole ipocrisie e i grandi sogni della borghesia francese, trova il suo corrispettivo nell’approccio non giudicante di Yanai verso i suoi soggetti. L’artista non carica mai di caricatura l’universo della classe media che rappresenta, ma al contrario ne rivela la bellezza potenziale e la complessità emotiva. Questa empatia estetica costituisce uno degli aspetti più toccanti del suo lavoro.
Rohmer sviluppava nei suoi “Racconti delle quattro stagioni” una poetica del tempo ciclico che influenza la concezione temporale di Yanai. I suoi dipinti non rappresentano mai momenti storici precisi, ma piuttosto istanti senza tempo, sospesi in un’eternità borghese che richiama l’universo rohmeriano. Questa atemporalità assunta permette alle sue opere di sfuggire alle contingenze dell’attualità per raggiungere una forma di universalità contemporanea.
L’economia di mezzi caratteristica del cinema di Rohmer ispira anche l’approccio minimalista di Yanai. Come il cineasta che creava capolavori con budget risicati, l’artista riesce a creare opere di grande ricchezza emotiva con mezzi pittorici volutamente limitati: pochi colori, una tecnica ripetitiva, soggetti apparentemente semplici. Questa estetica della misura costituisce una delle principali forze del suo lavoro.
La sintesi contemporanea
Guy Yanai realizza una sintesi notevole tra tradizione pittorica e sensibilità contemporanea. La sua tecnica, ereditata dai puntinisti ma aggiornata dall’estetica digitale, permette di creare opere che parlano simultaneamente al nostro occhio contemporaneo abituato agli schermi e alla nostra cultura artistica nutrita dalla storia della pittura. Questa doppia appartenenza costituisce l’originalità principale del suo approccio e spiega il successo internazionale che incontra oggi.
L’artista assume pienamente la propria condizione di uomo del suo tempo, utilizzando internet come un gigantesco museo immaginario da cui attingere ispirazione. Questo approccio, che avrebbe orripilato i puristi di ieri, rivela un’intelligenza dell’epoca che fa di Yanai uno dei pittori più pertinenti della sua generazione. Come egli stesso sottolinea: “Sono sicuro che Matisse farebbe la stessa cosa. Davvero. Hai tutte queste cose visive ovunque” [1].
Questa libertà nell’appropriazione delle fonti si accompagna a una rigorosità tecnica che impedisce all’opera di cadere nella facilità. Ogni pittura di Yanai testimonia un investimento temporale ed emozionale considerevole, un’attenzione ai dettagli che trasforma l’immagine appropriata in creazione originale. La lentezza del suo processo creativo contrasta salutariamente con la rapidità di circolazione delle immagini contemporanee, proponendo un tempo dell’arte che resiste all’accelerazione generale delle nostre società.
L’opera di Yanai pone anche la questione dell’identità artistica in un mondo globalizzato. Artista israeliano formato negli Stati Uniti, che vive tra Francia e Israele, esponendo nelle capitali mondiali dell’arte contemporanea, incarna una nuova generazione di artisti per i quali l’ancoraggio geografico non è più una condizione necessaria della creazione. Questa nomadismo assunto nutre la sua opera di una ricchezza culturale che supera i particolarismi nazionali.
La ricezione critica dell’opera di Yanai rivela le tensioni della nostra epoca artistica. Alcuni vi vedono una celebrazione ingenua dello stile di vita borghese occidentale, altri una critica sottile della standardizzazione estetica contemporanea. Questa ambiguità costituisce probabilmente una delle forze del suo lavoro: rifiutando la facilità della denunzia esplicita come quella della compiacenza decorativa, propone una via di mezzo che interroga il nostro rapporto con la bellezza contemporanea.
Il futuro di quest’opera dipenderà probabilmente dalla sua capacità di mantenere questo delicato equilibrio tra accessibilità ed esigenza, tra radicamento nell’epoca e intemporalità. Le recenti evoluzioni del suo lavoro, in particolare l’introduzione di figure umane e l’esplorazione di nuovi formati, suggeriscono una maturità artistica che lascia sperare evoluzioni stimolanti.
Guy Yanai rappresenta quella generazione di artisti che è riuscita a trasformare le sfide dell’epoca contemporanea in opportunità creative. La sua opera dimostra che è possibile creare una pittura autentica e personale in un mondo saturo di immagini, a condizione di accettare le regole del gioco contemporaneo mantenendo un’elevata esigenza artistica. Questa lezione, impartita con eleganza e senza dogmatismo, costituisce probabilmente l’insegnamento più prezioso del suo lavoro.
- Chernick, Karen. Articolo “Guy Yanai’s Painting Practice Was Made for This Moment” (La pratica pittorica di Guy Yanai è stata fatta per questo momento), pubblicato su artsy, 13 aprile 2020.
