Ascoltatemi bene, banda di snob. Se pensavate di aver visto tutto nel panorama artistico contemporaneo, è perché non avete mai incontrato le creazioni deliziosamente perturbanti di Kukwon Woo. Quest’artista coreano, nato nel 1976 e formato in Giappone, si è costruito un universo singolare in cui il meraviglioso delle fiabe si schianta contro la ruvidità del reale con una giubilazione iconoclasta che farebbe arrossire gli stessi fratelli Grimm.
Nel suo galleria di personaggi dallo spessore quasi scultoreo, Woo ci invita a una desacralizzazione carnevalesca dei miti della nostra infanzia. Non vi vedete un semplice gioco nostalgico, siamo ben oltre l’esercizio di stile. Ciò che quest’artista coreano intraprende è piuttosto una psicoanalisi visiva collettiva, un’immersione nel nostro inconscio culturale comune per rivelarne le angosce nascoste.
Perché se le fiabe sembrano innocue nella loro confezione scintillante, Woo ci ricorda che sono fondamentalmente racconti iniziatici dove la morte, la trasformazione e la perdita si aggirano a ogni pagina. La sua opera “Goodbye Peter” (2022) riporta questa frase rivelatrice: “All children except one grow up” (“Tutti i bambini, tranne uno, crescono.”). Questa alterazione dell’incipit originale di Peter Pan diventa, sotto il suo pennello, un’amara constatazione esistenziale: nessuno sfugge all’invecchiamento, nemmeno il ragazzo eterno. La psicoanalisi junghiana vedrebbe in questa ossessione di Woo per le fiabe stravolte una manifestazione del processo di individuazione [1], quell’incontro necessario con le nostre zone d’ombra per raggiungere la maturità psichica.
Gli strati spessi di pittura che applica, toglie, sovrappone, creano una materialità particolare che rafforza questa impressione di una psiche in costruzione, di un sé che si sviluppa per strati successivi. La stessa texture delle sue opere diventa metafora dell’inconscio personale come Jung lo concepisce: un assemblaggio di esperienze, ricordi, pulsioni che si accumulano senza mai cancellarsi del tutto.
In “Valley of the Shadow of Death” (2024), Woo combina audacemente un salmo biblico millenario a un’iconografia tratta da Star Wars, posizionando Luke Skywalker e Darth Vader in un duello minuscolo su un ponte, in un paesaggio ispirato alle stampe ukiyo-e giapponesi. Questa collisione temporale e culturale non è casuale, illustra acutamente come i grandi miti moderni prolungano le strutture archetipiche che hanno sempre organizzato il nostro rapporto con il mondo. Jung avrebbe riconosciuto in questa giustapposizione l’espressione visiva del suo concetto di inconscio collettivo, quel serbatoio di immagini primordiali che trascendono epoche e culture.
La presenza ricorrente di una donna dal volto blu nelle sue opere è particolarmente impressionante. I critici la identificano come l’anima dell’artista, quella parte femminile che ogni uomo, secondo Jung, deve integrare per raggiungere l’equilibrio psichico. Questa figura dalla bellezza ambigua incarna a turno fiducia sovrana e vulnerabilità contemplativa, riflettendo le oscillazioni interiori dell’artista. La sua mostra “Carnival” (2022) ci mostra questa figura come protagonista fiammeggiante e poi come spettatrice ordinaria, illustrando visivamente il conflitto interiore tra visione apollinea e liberazione dionisiaca che attraversa l’artista.
L’approccio psicoanalitico ci permette anche di comprendere la fascinazione di Woo per il motivo del carnevale, quel periodo di temporaneo capovolgimento dei valori stabiliti. In “Carnival”, riprende il mito del Diluvio per esplorare come la morte simbolica e la rigenerazione si intreccino in un unico movimento circolare. Questa visione si allinea con la concezione junghiana della psiche come sistema dinamico in continua evoluzione, dove distruzione e creazione sono indissociabili.
Oltre questa griglia di lettura psicoanalitica, l’opera di Kukwon Woo si inserisce in una storia dell’arte in cui la decostruzione dei racconti fondativi è diventata un gesto ricorrente. Si pensa naturalmente all’eredità della Pop Art, di cui Woo riattiva alcuni meccanismi distorcendoli. Dove Warhol ripeteva meccanicamente le icone della cultura popolare per sottolinearne la vacuità, Woo le reinveste di uno spessore esistenziale che trasforma il gioco citazionale in una vera e propria ricerca metafisica.
Il suo trattamento pittorico, con le impastature che conferiscono alle sue tele una qualità quasi scultorea, richiama anche alcune ricerche dell’espressionismo astratto americano, in particolare i quadri tardivi di Willem de Kooning. Ma dove De Kooning tendeva verso un’astrazione sempre più pura, Woo mantiene un ancoraggio figurativo che dà alle sue sperimentazioni materiali una dimensione narrativa persistente.
L’evoluzione del suo modo pittorico è particolarmente interessante. Le sue prime opere presentavano pitture grattate, testimonianza di una ricerca identitaria ancora caotica. Progressivamente, il suo linguaggio visivo si è stabilizzato, sviluppando contorni più marcati e forme più strutturate, pur conservando quella ricchezza materiale così caratteristica. Questa traiettoria artistica riflette un percorso interiore, una maturazione psichica che regala all’insieme della sua opera una coerenza organica raramente osservata negli artisti della sua generazione.
La storia dell’arte ci insegna che le epoche di transizione culturale producono spesso artisti capaci di sintetizzare le contraddizioni del loro tempo in un linguaggio visivo innovativo. Kukwon Woo appartiene a questa stirpe. La sua opera concilia l’eredità occidentale delle avanguardie con una sensibilità est-asiatica, la cultura popolare contemporanea con i racconti mitologici antichi, l’umorismo con la gravità esistenziale. Questa capacità di tenere insieme polarità apparentemente inconciliabili lo rende un testimone privilegiato della nostra epoca frammentata [2].
In “Once Upon Her Time” (2023), Woo si concentra sui personaggi femminili tratti da capolavori letterari come “Il Mago di Oz”, “Hua Mulan”, “Peter Pan”, “Odissea” e “Pigmalione”. Questa appropriazione selettiva delle grandi figure femminili si iscrive in una tradizione artistica di reinterpretazione dei canoni letterari, apportando nel contempo una prospettiva contemporanea che interroga le costruzioni di genere al centro di questi racconti. La storia dell’arte ci mostra che questi momenti di riesame critico dei racconti dominanti coincidono spesso con periodi di profonda trasformazione sociale [3].
La sua serie “My Universe” (2024) spinge oltre questa riflessione giocando sul doppio significato del termine, che indica sia il cosmo sia il nome di sua figlia (Wooju significa “universo” in coreano). Questa esposizione integra temi esplorati da tempo, come “l’esplorazione dell’interiorità umana”, “la riflessione sulla vita” e “le relazioni intergenerazionali”. Woo rende in particolare omaggio a suo padre, Woo Jaekyung, sottolineando le distanza, la comprensione e l’empatia tra queste due generazioni. Quest’opera funge da invito alla contemplazione rivolta alla generazione successiva e riflette gli sforzi dell’artista di esplorare il proprio universo. Questo dialogo intergenerazionale inscrive il suo lavoro in una continuità storica che trascende l’individualismo contemporaneo.
Storicamente, i periodi di messa in discussione dei grandi racconti sono sempre stati fecondi per l’arte. Dal Rinascimento che metteva in discussione l’eredità medievale alle avanguardie del XX secolo che decostruivano le certezze borghesi, la storia dell’arte avanza attraverso questi momenti di riesame critico. Woo si inserisce in questa dinamica, ma con una singolarità notevole: lontano dal proclamare la morte dei grandi racconti come facevano i postmoderni, cerca di ricucire legami tra tradizioni narrative disparate per restaurare un senso esistenziale nell’era del frammento.
La dimensione rituale del carnevale, che Woo esplora in diverse sue esposizioni, partecipa a questa ricerca. Storicamente, il carnevale ha sempre avuto un ruolo di valvola di sfogo sociale, permettendo un ribaltamento temporaneo delle gerarchie stabilite. Riattivando questa funzione nel contesto contemporaneo, Woo ricorda che l’arte conserva la capacità di ristrutturare il nostro rapporto con il mondo anche in una società secolarizzata. Come scrive il curatore Park Soojeun riguardo alla sua mostra “Carnival”: “L’arte continua ad esistere come l’ultima risorsa per restaurare il senso esistenziale e mettere in discussione il senso dell’essere” [4].
Ciò che mi piace di Kukwon Woo è questa capacità di mantenere un equilibrio instabile tra ironia e sincerità, tra decostruzione giocosa e autentica ricerca spirituale. Là dove molti artisti contemporanei si confinano a un cinismo sterile o a un misticismo ingenuo, egli riesce a tenere insieme queste posture contraddittorie in un’opera che ne risulta più viva e necessaria.
I suoi quadri sono come specchi che riflettono l’inconscio della nostra epoca, invitando ogni spettatore a immergersi nelle proprie profondità intime. Questa dimensione speculare spiega probabilmente la crescente popolarità del suo lavoro, sia in Corea del Sud che a livello internazionale. In un mondo saturato di immagini superficiali, le sue opere offrono un’esperienza rara di profondità, un invito a rallentare e contemplare i misteri della nostra condizione umana.
Il critico che osserva l’evoluzione di Kukwon Woo non può che essere colpito dalla coerenza organica del suo percorso. Dalle sue prime esposizioni ai suoi progetti più recenti, si distingue una progressione che non è soltanto stilistica ma esistenziale. La sua arte cresce con lui, riflettendo i suoi interrogativi successivi, dall’esplorazione iniziale di un ego ancora instabile fino alle meditazioni più serene sulla trasmissione intergenerazionale.
Si sarebbe quasi tentati di vedere in questa traiettoria un modello per una vita artistica compiuta: non la ripetizione meccanica di una formula di successo commerciale, ma l’evoluzione costante di un linguaggio visivo al servizio di una ricerca interiore autentica. In un mercato dell’arte contemporanea spesso dominato dallo spettacolare e dall’immediato, Woo ci ricorda il valore del tempo lungo, della maturazione paziente di una visione personale.
Mentre contempliamo la sua opera recente, siamo invitati a un doppio movimento: immergerci nelle nostre profondità psichiche personali pur inscrivendo questa esperienza intima nel flusso più ampio della storia culturale. Forse qui risiede la vera forza di Kukwon Woo: ricordarci che l’arte più personale è anche quella che tocca l’universale, che i nostri miti individuali si uniscono ai grandi racconti collettivi che hanno formato la nostra umanità comune.
In un mondo artistico spesso tentato da effetti facili o posizioni radicali, la via mediana che Woo esplora, tra tradizione e innovazione, tra Oriente e Occidente, tra umorismo e gravità, costituisce forse il percorso più audace che ci sia. Il suo percorso ci ricorda che l’autenticità artistica non si misura sulla base di rotture spettacolari, ma sulla perseveranza di una visione singolare che si approfondisce nel tempo.
In un’epoca in cui tanti artisti sembrano prigionieri di un’obbligazione di immediatezza dettata dai social network, Kukwon Woo ci offre il lusso di un’opera che si sviluppa nel tempo, che respira, che vive. E non è forse, in fin dei conti, ciò che chiediamo all’arte? Non intrattenerci per un attimo, ma accompagnarci nel nostro cammino, offrirci specchi in cui riconoscere le nostre angosce e le nostre speranze, le nostre morti simboliche e le nostre rinascite.
- Jung, Gustav Jung. L’Uomo e i suoi simboli. Robert Laffont, Parigi, 1964.
- Kim, Youngna. Arte moderna e contemporanea in Corea. Hollym International Corp, Elizabeth, NJ, 2005.
- Dai Zhuoqun. Testo curatoriale “Woo Kukwon: Walking in Dreams” per la mostra Once Upon Her Time, Tang Contemporary Art, Pechino, 2023.
- Park Soojeun. Testo della mostra Carnival di Woo Kukwon, Tang Contemporary Art, Hong Kong, 2022.
