Laura Owens: L’arte come campo di gioco infinito

Ascoltatemi bene, banda di snob, è giunto il momento di parlare di Laura Owens, quest’artista che sconvolge allegramente le vostre certezze perbeniste sull’arte contemporanea. Dal suo studio di Los Angeles, lei orchestra una rivoluzione silenziosa che fa saltare tutte le vostre piccole caselle confortevoli.

Pensavate che la pittura fosse morta? Che dopo l’astrattismo, il minimalismo e l’arte concettuale non restasse altro che riciclare le vecchie ricette? Lasciate che vi racconti come questa nativa dell’Ohio, con il suo umorismo tagliente e la sua intelligenza fulminante, reinventa il medium pittorico a ogni nuovo colpo di pennello.

Owens si distingue per il suo ostinato rifiuto dei dogmi. Scava allegramente nella storia dell’arte, prende in prestito dalle culture popolari, assimila le innovazioni tecnologiche e trasforma il tutto in opere che sfidano ogni categorizzazione. Ma attenzione, non lasciatevi ingannare dall’apparente leggerezza del suo lavoro. Sotto i colori aciduli e i motivi giocosi si nasconde una riflessione profonda sulla natura stessa dell’arte e sul nostro rapporto con le immagini.

Prendiamoci il tempo di esplorare il concetto di “simulacro” sviluppato da Jean Baudrillard, poiché illumina magistralmente l’opera di Owens. Per il filosofo francese, la nostra epoca è caratterizzata dalla proliferazione di immagini che si riferiscono solo ad altre immagini, creando un vertigine della rappresentazione in cui la nozione stessa di originale perde significato. I dipinti di Owens abbracciano pienamente questa condizione postmoderna, ma con un ribaltamento inatteso: la trasformano in un terreno di gioco esultante.

Guarda le sue opere recenti, dove incorpora lastre di stampa di giornali degli anni 1940 scoperte durante la ristrutturazione del suo atelier. Questi frammenti di storia sono digitalizzati, manipolati in Photoshop, ristampati in serigrafia, quindi rielaborati a mano. L’originale e la copia, il manuale e il meccanico, lo storico e il contemporaneo si intrecciano fino a diventare indistinguibili. È esattamente quello che Baudrillard descriveva come l’iperrealtà, ma Owens trasforma questa condizione potenzialmente ansiogena in una fonte di meraviglia.

Questo approccio si manifesta in modo particolarmente spettacolare nelle sue installazioni monumentali, come quella presentata al Whitney Museum nel 2017. Le pitture si dispiegavano come un labirinto visivo dove ogni spettatore tracciava il proprio percorso interpretativo. Le ombre portate ingannevoli, gli effetti di prospettiva contraddittori, le sovrapposizioni di motivi creavano un’esperienza che sconvolgeva le nostre abitudini di lettura dell’immagine.

Un secondo concetto filosofico risuona potentemente nell’opera di Owens: è quello della “morte dell’autore” teorizzata da Roland Barthes. Secondo il critico letterario francese, il significato di un’opera non risiede nelle intenzioni del suo creatore ma nella sua interpretazione da parte dello spettatore. Owens spinge questa idea ai suoi limiti più estremi. Le sue tele diventano spazi di libertà dove le referenze si accumulano senza gerarchia: una pennellata che richiama Matisse convive con un motivo di carta da parati economica, un gesto astratto espressionista dialoga con un’illustrazione di libro per bambini.

Questa radicale democratizzazione delle referenze visive non è frutto del caso o di un relativismo facile. È una posizione estetica e politica che mette in discussione le gerarchie tradizionali dell’arte. Owens rifiuta la posizione dell’artista demiurgo che impone la sua visione allo spettatore. Crea piuttosto opere che funzionano come specchi complessi, rimandando a ciascuno un’immagine diversa secondo il suo angolo di approccio.

Prendete ad esempio la sua serie del 2012-2013, dove tratti di pennello smisurati fluttuano come nastri nello spazio, le loro ombre portate creano un’illusione di profondità sottolineando al contempo la loro artificialità. Motivi a quadretti vichy, emblemi del kitsch domestico, fanno da sfondo a questi gesti pittorici grandiosi. È come se ci dicesse: “Sì, tutto questo è artificiale, e allora? Non è magnifico?”

Questa gioia pura nell’atto di dipingere è contagiosa. Owens non esita a usare colori elettrici, motivi decorativi dichiarati, effetti visivi spettacolari. Rifiuta la posizione dell’artista tormentata, preferendo quella del prestigiatore che rivela i suoi trucchi continuando però a meravigliarci. Questo atteggiamento non è ingenuità, ma una forma sofisticata di sincerità.

L’artista spinge ancora più oltre questa riflessione nel suo approccio allo spazio espositivo. A 356 Mission, lo spazio che ha gestito a Los Angeles dal 2013 al 2019, ha creato ambienti che trasformavano radicalmente la nostra esperienza della pittura. Le opere non erano più oggetti isolati da contemplare, ma elementi di un’esperienza totale dove l’architettura, la luce, e persino il movimento dei visitatori partecipavano all’esperienza estetica. Il suo uso dello spazio è notevole. Nelle sue installazioni, le pitture non sono semplicemente appese al muro, attivano lo spazio circostante. Le ombre portate creano estensioni virtuali delle opere, i motivi sembrano prolungarsi oltre i limiti della cornice, gli effetti di prospettiva trasformano la nostra percezione dell’architettura. La mostra diventa una coreografia complessa dove lo spettatore è invitato a partecipare attivamente.

Questa dimensione partecipativa è fondamentale nel suo lavoro. I dipinti di Owens non sono dichiarazioni autoritarie su cosa dovrebbe essere l’arte. Sono inviti a giocare, esplorare, mettere in discussione le nostre certezze. Crea opere che funzionano come dispositivi di risveglio, spingendoci a guardare oltre le apparenze.

La sua tecnica del trompe-l’oeil è particolarmente rivelatrice a questo riguardo. Le ombre proiettate nelle sue opere non servono semplicemente a creare un’illusione di profondità, ma diventano elementi autonomi che giocano con la nostra percezione dello spazio. Queste ombre sono talvolta dipinte con una precisione fotografica, altre volte stilizzate come in un fumetto, creando una tensione costante tra diversi livelli di rappresentazione.

Questo approccio ludico alla rappresentazione trova un’eco particolare nel suo modo di trattare i motivi naturali. I suoi dipinti di fiori e animali non cercano il realismo botanico o zoologico. Al contrario, abbracciano una forma di fantasia che ricorda le illustrazioni dei libri per bambini o gli arazzi medievali. Ma ancora una volta, questa apparente ingenuità nasconde una riflessione sofisticata sulla natura della rappresentazione.

Nelle sue opere recenti, Owens esplora nuove dimensioni dell’esperienza pittorica. Integra elementi sonori, dispositivi meccanici, effetti di luce che trasformano i suoi dipinti in veri e propri ambienti immersivi. Queste innovazioni tecnologiche non sono gadget, ma estensioni naturali della sua ricerca sulle possibilità della pittura nell’era digitale.

Il suo impegno con la tecnologia è particolarmente interessante. Contrariamente a molti artisti contemporanei che oppongono il digitale al manuale, lei vede questi due ambiti come complementari. I suoi dipinti incorporano tecniche di stampa digitale, effetti Photoshop, motivi generati da computer, ma questi elementi sono sempre in dialogo con gesti pittorici tradizionali. Il digitale diventa uno strumento tra gli altri nella sua cassetta degli attrezzi da artista, al pari della pittura a olio o della serigrafia.

Questa ibridazione delle tecniche riflette una visione più ampia dell’arte come spazio di possibilità infinite. Per Owens, non c’è gerarchia tra i diversi mezzi di espressione. Una macchia di pittura gestuale può coesistere con un motivo stampato meccanicamente, un riferimento alla storia dell’arte può dialogare con un emoji. Questa democratizzazione delle referenze e delle tecniche non è un relativismo facile, ma una posizione estetica e etica profonda. Questo approccio testimonia una comprensione profonda della nostra epoca, dove il digitale non è più una novità ma un elemento costitutivo della nostra esperienza quotidiana. I dipinti di Owens riflettono questa realtà senza nostalgia né tecnofilia eccessiva. Mostrano come la pittura possa assorbire e trasformare le innovazioni tecnologiche mantenendo la sua specificità.

L’umorismo gioca un ruolo centrale in questa impresa di apertura. I dipinti di Owens sono spesso divertenti, non in modo cinico o ironico, ma con una gioia autentica nell’assurdo e nell’inaspettato. Questa dimensione umoristica non è superficiale: fa parte integrante della sua strategia per destabilizzare le nostre aspettative e aprirci a nuovi modi di vedere.

Prendiamo le sue serie di dipinti basati su griglie e motivi geometrici. A prima vista, sembrano inscriversi nella tradizione modernista dell’astrazione geometrica. Ma guardando più da vicino, si scoprono rotture, distorsioni, elementi figurativi che disturbano questa lettura. Le griglie si trasformano in fogli di carta quadrettata da scuola, le forme geometriche diventano finestre o schermi, gli aplat di colore rivelano texture digitali.

Questa strategia di costante perturbazione delle aspettative dello spettatore non è gratuita. Riflette una profonda convinzione: l’arte non deve confortarci nelle nostre certezze, ma al contrario deve spingerci a mettere in discussione le nostre abitudini percettive. Ogni dipinto di Owens è un invito a rallentare, osservare attentamente, scoprire i molteplici strati di senso e riferimenti nascosti.

L’opera di Laura Owens ci ricorda che la pittura non è un medium esaurito, ma un territorio in continua espansione. Ci mostra che è possibile essere contemporaneamente profondamente seri nella propria pratica artistica e gioiosamente irriverenti nell’approccio. I suoi dipinti sono inviti a ripensare non solo ciò che l’arte può essere oggi, ma anche come possiamo sperimentarla e parlarne. In un mondo dell’arte spesso dominato dal cinismo e dalla teoria, Owens propone un’alternativa rinfrescante: una pratica che abbraccia la complessità celebrando al tempo stesso il puro piacere della creazione. Le sue opere ci ricordano che l’arte può essere sia stimolante intellettualmente sia visceralmente appagante, concettualmente rigorosa e visivamente incantevole.

Allora sì, banda di snob, Laura Owens sconvolge le vostre categorie ben ordinate e le vostre teorie confortevoli. E questo è esattamente ciò di cui l’arte contemporanea ha bisogno: meno pose e più possibilità, meno dogmi e più scoperte. Nel suo studio di Los Angeles, continua a spingere i limiti di ciò che può essere un dipinto, invitandoci tutti a seguirla in questa esplorazione gioiosa e rigorosa delle possibilità infinite dell’arte.