Ascoltatemi bene, banda di snob. Nell’edificio cristallino della Fondation Cartier, una pioggia d’oro e luce trasforma lo spazio. I fili sospesi di Olga de Amaral, artista colombiana nata nel 1932, disegnano geometrie aeree che sembrano sfidare la gravità. Questa prima grande retrospettiva europea, che riunisce quasi ottanta opere create tra gli anni ’60 e oggi, ci invita a esplorare l’opera monumentale di un’artista che, da oltre sei decenni, spinge i confini dell’arte tessile creando spazi di meditazione e trascendenza.
Questa mostra rivoluzionaria segna una svolta nel riconoscimento di un’artista che ha costantemente superato i limiti del suo medium. Attraverso le sue creazioni che oscillano tra arazzo, scultura e installazione, Olga de Amaral stabilisce un dialogo affascinante con l’esistenzialismo di Jean-Paul Sartre, in particolare nella sua concezione della libertà creativa. La sua opera incarna questa ricerca perpetua di superamento delle limitazioni materiali per raggiungere una forma di trascendenza artistica.
Le installazioni monumentali di Amaral, in particolare la serie delle “Brumas” (2013), creano ambienti immersivi che trasformano radicalmente la nostra percezione dello spazio. Queste opere, composte da fili sospesi tinti di colori vibranti, non si limitano a occupare lo spazio; lo trasformano in un luogo di contemplazione ed esperienza sensoriale. Lo spettatore, di fronte a queste creazioni, si trova immerso in un universo dove la materia diventa luce e lo spazio diventa poesia.
Questa dimensione trasformativa si manifesta particolarmente nel modo in cui l’artista tratta la materia. Le superfici dorate delle sue “Alquimias” trascendono la loro materialità primaria per diventare superfici riflettenti che modulano la luce. L’oro, tradizionalmente simbolo di potere e ricchezza, diventa sotto le sue mani un medium di trasformazione spirituale, creando opere che irradiano una presenza quasi mistica.
L’uso magistrale dell’oro da parte di Amaral va ben oltre i riferimenti storici o culturali. Nelle sue “Estelas”, iniziate nel 1996, le superfici dorate diventano manifestazioni concrete di una ricerca di trascendenza, trasformando il metallo prezioso in veicolo di un’esperienza spirituale che supera la semplice materialità.
La sua formazione iniziale in architettura a Bogotá si riflette nella sua profonda comprensione dello spazio come medium di espressione. Le sue opere monumentali, come i “Muros Tejidos”, ridefiniscono il nostro rapporto con lo spazio architettonico. Lo spettatore non si trova semplicemente davanti a un’opera d’arte, ma immerso in un ambiente totale che coinvolge tutti i suoi sensi. Le serie “Bosques” e “Brumas” illustrano perfettamente questa padronanza spaziale. I fili sospesi creano volumi trasparenti che cambiano secondo la posizione dello spettatore, generando un’esperienza dinamica dello spazio. Queste installazioni non rappresentano semplicemente lo spazio; lo trasformano in un campo di esplorazione percettiva dove ogni spostamento rivela nuove configurazioni visive.
La pratica artistica di Amaral si articola attorno a un’esplorazione continua delle possibilità espressive della fibra. Il suo lavoro con il lino, il cotone, il crine di cavallo e altri materiali tradizionali dimostra una profonda comprensione delle proprietà intrinseche di ogni materiale. Non si limita a usarli; li spinge fino ai loro limiti per rivelarne potenzialità inesplorate.
L’artista sviluppa un approccio unico alla tessitura che trascende le tecniche tradizionali. Intreccia, annoda, aggroviglia i fili, creando superfici complesse che ridefiniscono le possibilità del medium tessile. Queste superfici non sono semplici arrangiamenti di fibre, ma esplorazioni sofisticate delle possibilità espressive della materia.
Il rapporto di Amaral con il colore rivela una sensibilità straordinaria. Come dice lei stessa: “Vivo il colore. So che è un linguaggio inconscio, e lo capisco”. Questo approccio intuitivo e profondo al colore trasforma le sue opere in vere e proprie sinfonie cromatiche dove ogni sfumatura partecipa alla creazione di un’atmosfera unica.
L’influenza del Bauhaus, acquisita durante i suoi studi all’accademia Cranbrook, si manifesta nel suo approccio sistematico alla forma e al colore. Tuttavia, Amaral trascende i principi modernisti fondendoli con le tradizioni vernacolari colombiane e l’arte precolombiana. Questa sintesi unica crea un linguaggio artistico personale che attinge a diverse fonti pur rimanendo profondamente originale.
I paesaggi colombiani, in particolare gli altipiani delle Ande e le valli tropicali, informano profondamente il suo lavoro. Le sue opere non sono rappresentazioni letterali di questi paesaggi, ma trasmutazioni poetiche che ne catturano l’essenza. Le trame, i colori e le forme delle sue creazioni emergono da un dialogo profondo con l’ambiente naturale.
La serie “Brumas”, presentata in modo spettacolare nella mostra, illustra perfettamente questo approccio trasformativo. I motivi geometrici dipinti direttamente sui fili di cotone creano volumi diafani che trascendono la semplice rappresentazione. Queste installazioni diventano paesaggi astratti di luce e colore, invitando lo spettatore a un’esperienza contemplativa unica.
La mostra mette inoltre in luce l’evoluzione tecnica dell’artista. La sua adozione della foglia d’oro negli anni ’70, ispirata dall’incontro con la ceramista Lucie Rie e dalla tecnica giapponese del kintsugi, segna una svolta decisiva nella sua pratica. L’oro diventa non solo un materiale, ma un elemento centrale del suo vocabolario artistico, capace di trasformare la luce in materia e la materia in luce.
Le “Estelas”, presentate nella mostra, dimostrano la maestria di Amaral nella creazione di oggetti che trascendono la loro materialità. Queste stele dorate, composte da una struttura tessuta in cotone ricoperta di gesso e poi di foglia d’oro, creano superfici che modulano la luce in modo complesso, generando effetti visivi che cambiano costantemente a seconda dell’angolo di vista e dell’illuminazione.
La mostra alla Fondation Cartier, progettata dall’architetto Lina Ghotmeh, crea un dialogo affascinante tra le opere di Amaral e l’architettura di Jean Nouvel. La trasparenza dell’edificio diventa un elemento attivo nell’esperienza delle opere, creando un gioco sottile tra interno ed esterno, tra natura e cultura.
Al piano terra, le opere monumentali di Amaral dialogano con il giardino circostante, creando una continuità tra lo spazio espositivo e il paesaggio urbano. Questa messa in scena sottolinea la capacità delle opere di trasformare il loro ambiente, creando spazi di contemplazione all’interno stessa dell’agitazione urbana.
Il livello inferiore della mostra offre un’esperienza più intima, organizzata secondo una spirale ispirata ai motivi ricorrenti nell’opera di Amaral. L’illuminazione drammatica e le pareti scure creano un ambiente favorevole alla contemplazione, permettendo alle opere di rivelare pienamente la loro dimensione spirituale.
Nella sua ricerca di trascendenza artistica, come avrebbe notato Sartre, Amaral trasforma ogni vincolo materiale in opportunità di espressione, ogni limitazione tecnica in possibilità di superamento. La sua opera incarna perfettamente questa tensione creativa tra la materialità del medium e l’aspirazione alla trascendenza.
Questa retrospettiva permette inoltre di comprendere come Amaral abbia contribuito a trasformare la nostra percezione dell’arte tessile. Liberando la fibra dai vincoli tradizionali dell’arazzo, ha creato un nuovo linguaggio artistico che trascende le categorie convenzionali. Le sue opere non sono né pittura, né scultura, né architettura, ma una sintesi unica che apre nuove possibilità di espressione.
La mostra mette in evidenza il contributo di Amaral all’avanguardia artistica degli anni ’60, ’70 e ’80. Il suo lavoro, accanto a quello di artiste come Sheila Hicks e Magdalena Abakanowicz, ha giocato un ruolo fondamentale nell’emancipazione dell’arte tessile, a lungo marginalizzata a causa della sua percezione come arte decorativa essenzialmente praticata da donne.
La formazione iniziale di Amaral in architettura non è semplicemente un’influenza formale; rappresenta un approccio fondamentale allo spazio come campo di possibilità. Le sue opere monumentali, in particolare i “Muros Tejidos”, trasformano lo spazio architettonico creando ambienti immersivi che coinvolgono tutti i sensi. Questi muri tessuti illustrano perfettamente questa fusione tra architettura e tessuto. Queste opere massicce, create con lana e crine di cavallo, non sono semplicemente arazzi da parete; diventano elementi architettonici a pieno titolo, trasformando gli spazi che occupano. La loro scala monumentale e la loro presenza fisica imponente creano esperienze spaziali uniche che ridefiniscono la nostra percezione dell’ambiente.
L’uso innovativo dei materiali da parte di Amaral riflette anch’esso questa dimensione architettonica. Il suo lavoro con il crine di cavallo le permette di creare strutture rigide che sfidano le aspettative tradizionali riguardo al tessuto. Questi materiali, tradizionalmente associati all’artigianato, sono trasformati in elementi costruttivi che contribuiscono alla creazione di spazi.
La serie “Hojarascas” (Foglie secche) degli anni ’70 mostra come Amaral utilizzi la struttura stessa della tessitura per creare forme architettoniche. Le strisce tessute, assemblate in volumi complessi, creano spazi interni ed esterni che richiamano i principi fondamentali dell’architettura, trasformando il tessuto in un mezzo di costruzione spaziale.
La sua educazione architettonica si manifesta anche nella sua comprensione sofisticata della scala e delle proporzioni. I “Gran Muro” (Grande Muro), in particolare quello installato nel 1976 nel lobby del Westin Peachtree Plaza di Atlanta, dimostrano la sua capacità di lavorare su una scala veramente architettonica. Questa opera di sei piani rappresenta una trasformazione completa dello spazio architettonico tramite l’intervento artistico.
Le opere più recenti di Amaral, in particolare le “Brumas”, dimostrano un’evoluzione di questo approccio architettonico. Queste installazioni creano spazi più eterei, meno definiti, che giocano con la percezione della solidità e della trasparenza. Rappresentano una nuova tappa nella sua ricerca spaziale, creando ambienti che superano i limiti fisici dei loro materiali.
A 92 anni, Olga de Amaral continua a spingere i limiti della sua arte. Le sue creazioni recenti dimostrano una padronanza tecnica senza pari e una costante capacità di rinnovare il suo linguaggio artistico. La sua opera ci ricorda che l’arte vera nasce spesso dalla capacità di trascendere i limiti del proprio mezzo per creare nuove forme di espressione.
Questa retrospettiva alla Fondation Cartier ci offre un’occasione unica per scoprire l’ampiezza e la profondità dell’opera di Olga de Amaral. Attraverso le sue creazioni che trascendono le categorie tradizionali dell’arte, ci invita a un’esperienza che coinvolge tutto il nostro essere. Il suo lavoro illustra perfettamente la capacità dell’arte di trasformare la nostra percezione del mondo. L’opera di Olga de Amaral ci ricorda la potenza di un impegno artistico autentico. Le sue creazioni, che trasformano la materia in espressione spirituale e lo spazio in esperienza di trascendenza, ci invitano a riscoprire la nostra stessa capacità di meravigliarci davanti alla bellezza del mondo.
