Ascoltatemi bene, banda di snob, Richard Hambleton non era semplicemente un artista di strada che dipingeva sagome sui muri di Manhattan. Questo canadese dallo sguardo acuto, nato nel 1952 a Tofino sull’isola di Vancouver, ha ridefinito i codici dell’espressione artistica urbana con la precisione di un chirurgo e l’urgenza di un profeta. Quando si stabilisce definitivamente nel Lower East Side nel 1979, armato di pennelli e di vernice nera, non sospettava che avrebbe rivoluzionato per sempre il nostro rapporto con l’arte pubblica.
L’opera di Hambleton affonda le radici in una tradizione estetica ben più antica di quanto si immagini. I suoi “Shadowmen”, queste sagome fantasmatiche che infestavano i vicoli newyorkesi degli anni 1980, si inseriscono direttamente nell’eredità del romanticismo pittorico del XIX secolo. Come i paesaggisti romantici che cercavano di cogliere l’ineffabile nelle loro tele, Hambleton trasforma lo spazio urbano in un teatro di emozioni pure. Le sue figure nere, dipinte di fretta nell’oscurità, evocano irresistibilmente le opere di Caspar David Friedrich, dove l’uomo di fronte all’immensità si riduce a una sagoma contemplativa. In Friedrich il viaggiatore sopra il mare di nuvole diviene simbolo della condizione umana moderna; in Hambleton il passante notturno che scopre un’ombra minacciosa vive questa stessa confrontazione con l’ignoto. Questa filiazione non è casuale. Nelle sue “Beautiful Paintings” della fine degli anni 2000, Hambleton opera un esplicito ritorno ai codici del romanticismo, con paesaggi marini dagli orizzonti dorati che ricordano Turner, ma lavorati con una gestualità contemporanea dove la materia pittorica diventa pura emozione. La tecnica dell’artista canadese, che consisteva nell’inclinare le tele per far scorrere la pittura, trova le sue origini in questa estetica romantica dell’incidente controllato, dove l’artista dialoga con le forze naturali della gravità e della fluidità. Questo approccio rivela un artista consapevole di inserirsi in una linea estetica importante, lontano dall’immagine del semplice vandalo che alcuni critici hanno voluto accollare al suo lavoro. Hambleton trasforma così l’eredità romantica in linguaggio contemporaneo, dimostrando che le grandi questioni esistenziali attraversano le epoche rinnovandosi continuamente.
Ma l’arte di Hambleton dialoga anche con una profonda dimensione letteraria che lo distingue radicalmente dai suoi contemporanei. I suoi “Shadowmen” intrattengono legami inquietanti con l’opera principale di Hermann Broch, “La morte di Virgilio”, questa meditazione poetica sull’agonia del grande poeta latino pubblicata nel 1945 [1]. Come Virgilio in Broch, che vaga nelle ultime ore della sua vita tra realtà e allucinazione, le sagome di Hambleton oscillano tra presenza e assenza, tra incarnazione e scomparsa. Lo scrittore austriaco descrive un Virgilio perseguitato dalle proprie creazioni, incapace di distinguere il sogno dalla realtà nelle angosce della febbre. Questa confusione dei piani trova il suo equivalente plastico nei “Shadowmen” di Hambleton, figure liminari che appaiono all’angolo di una via come manifestazioni dell’inconscio urbano. Broch scrive nel suo romanzo che “ovunque si ritrovava se stesso”, descrivendo questa esperienza di sdoppiamento in cui il creatore diventa lo spettatore delle proprie visioni. Hambleton compie la stessa trasgressione dei confini tra artista e opera, tra spettatore e immagine. Le sue sagome notturne funzionano come molteplici doppi dell’artista sparsi per la città, creando questa “moltiplicazione delle identità” che Broch esplora nel suo romanzo. L’influenza di questa estetica letteraria traspare perfino nella serie “Image Mass Murder” (1976-1978), dove Hambleton disegna con il gesso i contorni di corpi umani schizzati di pittura rossa. Queste finte scene del crimine evocano l’atmosfera torbida del romanzo di Broch, in cui la morte aleggia constantemente attorno al protagonista. Come Virgilio che vuole distruggere la sua “Eneide” per disgusto della bellezza di fronte alla violenza del mondo, Hambleton interroga la legittimità dell’arte in un contesto urbano segnato dalla criminalità e dalla decadenza. Questa prossimità estetica rivela un artista profondamente colto, nutrito dai grandi testi della modernità letteraria europea, lontano dall’immagine semplicistica del writer autodidatta. Hambleton dimostra così che l’arte urbana può portare in sé la complessità filosofica delle opere maggiori della letteratura, trasformando i muri della città in pagine di un libro aperto sulle questioni esistenziali della nostra epoca.
Il suo approccio allo spazio urbano rivela un’intelligenza tattica notevole. Hambleton non dipinge a caso: mappa accuratamente i suoi interventi per massimizzarne l’impatto psicologico sui passanti. I suoi “Shadowmen” emergono negli angoli bui, nei vicoli ciechi, nei punti ciechi dove non ci si aspetta di incontrare una presenza umana. Questa strategia della sorpresa trasforma ogni incontro fortuito con l’opera in un’esperienza viscerale, un momento di svolta tra il quotidiano e lo straordinario.
“Dipingevo la città di nero”, dichiarava semplicemente, riassumendo in una frase la radicalità del suo gesto [2]. Ma questa oscurità non è disperazione: è rivelazione. Hambleton usa il colore dell’ombra per rendere visibile l’invisibile, per materializzare quelle presenze fantasmatiche che infestano la nostra immaginazione urbana. Le sue sagome diventano i sintomi di una città che sogna, che proietta le sue angosce e i suoi desideri sulle superfici cieche dei suoi muri.
L’evoluzione del suo lavoro verso la tela non costituisce affatto un tradimento delle sue origini murali, contrariamente a quanto hanno affermato alcuni puristi. Al contrario, questa transizione rivela la coerenza di un percorso artistico che ha sempre cercato di esplorare i territori di confine tra arte e vita. I suoi “Horse and Riders”, ispirati alle pubblicità Marlboro, distorcono i codici dell’immaginario americano per rivelarne la dimensione mitologica. Il cowboy diventa una nuova figura dell’uomo moderno, solitario ed eroico, perpetuando in un altro contesto l’estetica romantica dei suoi “Shadowmen”.
L’inserimento di Hambleton nella storia dell’arte contemporanea va ben oltre il contesto dello street art. Partecipando alle Biennali di Venezia del 1984 e del 1988, esponendo nelle più grandi istituzioni internazionali, impone una nuova legittimità a un medium fino ad allora considerato marginale. La sua influenza su artisti come Banksy o Blek le Rat (Xavier Prou) testimonia la portata rivoluzionaria del suo approccio.
Ma forse è nella sua resistenza alla mercificazione che Hambleton rivela la sua vera grandezza. Rifiutando di facilitare la commercializzazione del proprio lavoro, preferendo talvolta la precarietà alla compromissione, incarna quella figura romantica dell’artista ribelle. La sua discesa agli inferi negli anni ’90, segnata dalla dipendenza e dall’isolamento, non è un semplice incidente di percorso: costituisce il lato oscuro di un impegno totale nell’arte, rifiutando le facilità del successo istituzionale.
I “Beautiful Paintings” degli ultimi anni, con i loro paesaggi astratti dagli ori fiammeggianti, segnano un ritorno sereno alla bellezza pura. Hambleton raggiunge una sintesi notevole tra la sua gestualità urbana e un’estetica più classica, dimostrando che la sua arte ha sempre portato in sé questa doppia dimensione: l’urgenza dell’intervento e la permanenza della contemplazione.
La sua morte nel 2017 chiude un percorso esemplare dell’arte contemporanea, quello di un creatore che è riuscito a trasformare i vincoli del medium urbano in un linguaggio poetico universale. Richard Hambleton rimarrà come colui che ha dato dignità all’arte di strada, non addolcendola per renderla accettabile, ma infondendo in essa tutta la complessità delle grandi questioni estetiche della sua epoca.
L’opera di Hambleton ci insegna che la vera arte nasce sempre dalla trasgressione dei confini stabiliti. Tra strada e galleria, tra figurazione e astrazione, tra tradizione e avanguardia, ha tracciato un percorso singolare che continua a ispirare le nuove generazioni di artisti. Il suo lascito va ben oltre il contesto dello street art per toccare questioni fondamentali della creazione contemporanea: come può ancora l’arte sorprendere, emozionare, rivelare in un mondo saturo di immagini? La risposta di Hambleton risiede in quelle migliaia di sagome nere che continuano a infestare le nostre memorie visive, fantasmi persistenti di un’epoca in cui l’arte urbana inventava ancora le proprie regole.
- Hermann Broch, La morte di Virgilio, tradotto dal tedesco da Albert Kohn, Gallimard, 1955
- Citazione ripresa in Shadowman, documentario di Oren Jacoby, 2017
