Ascoltatemi bene, banda di snob: se credete ancora che la pittura di paesaggio appartenga al passato, che i pennelli e l’acrilico non possano più dirci nulla sulla nostra condizione contemporanea, allora evidentemente non avete mai posato gli occhi sul lavoro di Stephen Wong Chun Hei. Questo artista di Hong Kong compie qualcosa di straordinariamente raro nell’arte di oggi: riesce a mantenere viva una tradizione secolare proiettandola violentemente nel nostro secolo iperconnesso, saturo di schermi e realtà virtuali.
Wong Chun Hei non dipinge semplicemente montagne e valli. Costruisce universi cromatici dove la natura e la città di Hong Kong si fondono in una sinergia elettrica, dove le tonalità non cercano mai di imitare il reale ma piuttosto di catturare l’essenza soggettiva di un’esperienza vissuta, memorizzata e poi ricreata sulla tela. I suoi paesaggi vibrano di un’intensità che evoca simultaneamente gli schermi dei videogiochi della sua infanzia e i grandi maestri del paesaggio occidentale. Questa dualità non è una contraddizione, ma il cuore stesso del suo approccio artistico.
L’eredità del paesaggio e la sua reinvenzione
Per comprendere la singolarità di Wong, bisogna prima riconoscere la sua discendenza da una prestigiosa linea di pittori paesaggisti. John Constable percorreva la campagna inglese del Suffolk all’inizio del XIX secolo, armato del suo taccuino e della determinazione a documentare quotidianamente il suo ambiente immediato. Questa ossessione per l’osservazione diretta del territorio locale ha profondamente influenzato Wong, che cita Constable come una grande influenza. Ma dove Constable cercava una fedeltà atmosferica ai cieli mutevoli dell’Inghilterra, Wong prende una libertà radicale con il colore e la composizione.
David Hockney, altra fondamentale referenza per l’artista di Hong Kong, ha dimostrato nei suoi paesaggi dello Yorkshire che la soggettività può coesistere con un’osservazione accurata [1]. Wong ha assimilato questa lezione e l’ha portata ancora più avanti. Le sue escursioni tra le colline di Hong Kong, taccuino in mano, ricordano la pratica del plein air, quella tradizione che imponeva al pittore di affrontare direttamente il soggetto nella natura. Solo che Wong non dipinge mai sul posto. Schizza, assorbe, memorizza, poi torna nel suo studio a Fo Tan per ricostruire questi paesaggi dalla memoria.
Questo metodo non è casuale. Trasforma ogni tela in una testimonianza di una temporalità diversa: il momento dell’escursione, il tempo della memorizzazione, l’istante della creazione in atelier. Wong stesso lo esprime con una chiarezza disarmante: “Non cerco mai di catturare un solo momento in un paesaggio. I colori cambiano costantemente nel tempo. È per questo che i colori nei miei dipinti non sono realistici o naturalistici nel loro aspetto. Voglio che siano più soggettivi” [2].
La tradizione del plein air viene così reinventata per l’era digitale. Wong non è un purista nostalgico che rifiuta la tecnologia. Al contrario, la abbraccia pienamente. Le sue prime opere riproducevano letteralmente paesaggi di videogiochi, riconoscendo senza problemi che questi mondi virtuali avevano la stessa legittimità visiva di qualsiasi cima alpina. Questa onestà intellettuale lo distingue da molti artisti contemporanei che fingono di ignorare l’impatto della cultura popolare sulla loro visione.
Il virtuale come nuovo territorio
È proprio questa dimestichezza con i mondi virtuali che rende il lavoro di Wong così rilevante oggi. Durante la pandemia di COVID-19, quando viaggiare è diventato impossibile, l’artista non ha smesso di dipingere. Ha semplicemente spostato il suo territorio di esplorazione su Google Earth, creando la serie “A Grand Tour in Google Earth” in cui ha virtualmente visitato e dipinto il Monte Fuji, il Mont-Saint-Michel e le Dolomiti senza lasciare il suo studio di Hong Kong. Questa serie rivela una verità scomoda: la nostra esperienza del mondo passa ormai tanto attraverso gli schermi quanto dalla presenza fisica.
Wong non gerarchizza queste esperienze. Per lui, fare escursioni sulle colline di Hong Kong e esplorare tramite Google Earth sono due forme ugualmente valide di impegno con il paesaggio. Questa posizione filosofica riflette la nostra condizione contemporanea in cui il virtuale e il reale si intrecciano costantemente. I nostri ricordi di viaggio si confondono con le fotografie che abbiamo scattato, le immagini viste online, le ricostruzioni videoludiche che abbiamo esplorato.
La prospettiva a volo d’uccello che Wong privilegia deriva direttamente dalla sua esperienza con videogiochi come Age of Empires o Grand Theft Auto. Non è lo sguardo romantico dell’escursionista che contempla il sublime naturale, ma piuttosto quello del giocatore che sorvola il suo territorio, pianificando le sue mosse, costruendo mentalmente la geografia dei luoghi. Questa prospettiva gli permette anche di connettersi con le pitture paesaggistiche tradizionali cinesi che utilizzavano anch’esse questo punto di vista elevato, creando così un ponte inaspettato tra la tradizione asiatica e la cultura videoludica contemporanea.
I colori saturi, quasi fluo, che caratterizzano le sue tele recenti vengono anch’essi da questo universo visivo dei videogiochi e degli anime giapponesi. Wong colleziona oltre duecento action figure di anime nel suo studio, e rivendica apertamente questa influenza. Dove i suoi insegnanti di scuola d’arte gli chiedevano di disegnare sculture classiche, lui si domandava perché non potesse disegnare le sue action figure di anime. Questa domanda apparentemente ingenua nasconde una critica profonda della gerarchia culturale che continua a separare l’arte cosiddetta “alta” dalla cultura popolare.
La geografia sentimentale di Hong Kong
Hong Kong stessa diventa per Wong più di un semplice soggetto. È un personaggio a pieno titolo, con le sue vertiginose contraddizioni: il settantacinque per cento del territorio è costituito da campagna, inclusi duecentocinquanta isole e ventiquattro parchi naturali, eppure l’immaginario mondiale della città rimane dominato dai suoi grattacieli ammassati. Wong cattura questa dualità essenziale. Nelle sue tele, le torri residenziali emergono tra le colline verdeggianti, i tunnel attraversano le montagne, i sentieri escursionistici serpeggiano a stretto contatto con il cemento urbano.
Questa vicinanza tra natura e urbanità non è trattata come un conflitto ma come una conversazione. Wong si interessa particolarmente a “l’intervento degli umani nella natura. Per esempio, i camminatori che percorrono sentieri in lontananza o i tunnel che appaiono tra due montagne” [3]. Queste minuscole figure umane che punteggiano i suoi paesaggi non dominano mai la composizione ma creano una scala, ricordando la nostra insignificanza di fronte alla grandezza naturale pur sottolineando la nostra presenza inevitabile.
Il progetto MacLehose Trail del 2022 illustra perfettamente questo approccio. Wong ha dipinto l’intero percorso di cento chilometri di questo sentiero emblematico di Hong Kong, suddividendolo in dieci tappe corrispondenti alle divisioni ufficiali del percorso. Più di quaranta tele documentano questo attraversamento, creando una sorta di mappatura soggettiva del territorio. Ma a differenza di una carta, questi dipinti non pretendono precisione. Wong riorganizza gli elementi, cambia l’orientamento dei punti di riferimento, inventa colori impossibili per le nuvole e gli alberi. “Mi interessa il modo in cui interpreto la natura, piuttosto che l’esattezza della cattura del paesaggio”, afferma [4].
Questa libertà compositiva trasforma ogni tela in un atto di memoria creativa. Wong paragona il suo processo alla costruzione con i Lego: assemblare un paesaggio a partire da composizioni, linee e colori. Questa metafora giocosa nasconde una sofisticazione tecnica notevole. Le sue pennellate sciolte e gestuali catturano il movimento, la luce della sera che decora una vetta di montagna o le onde che si infrangono sulla riva, mantenendo al contempo una coerenza strutturale impressionante.
L’urgenza documentaria
C’è anche in Wong un’urgenza documentaria che conferisce al suo lavoro una dimensione quasi archivistica. Hong Kong cambia a una velocità vertiginosa. I paesaggi che dipinge oggi potrebbero essere irriconoscibili domani. L’artista esprime questa ansia con una franchezza disarmante: “Ho davvero la sensazione che tutto cambi. Non posso essere sicuro che tutto sarà ancora lì domani.” Questa consapevolezza dell’impermanenza aggiunge uno strato malinconico alle sue composizioni apparentemente gioiose.
La serie “The Star Ferry Tale” del 2024 porta questa idea ancora più lontano trasformando l’iconico traghetto che attraversa il porto di Victoria in una piccola astronave che viaggia attraverso il cosmo, Hong Kong che scintilla sottostante come una costellazione di luci acriliche. Questa visione onirica nata durante gli anni di confinamento COVID riflette l’esperienza di migliaia di hongkonghesi che, incapaci di viaggiare, guardavano la loro città da Google Earth, vedendola letteralmente da un punto di vista extraterrestre.
L’accoglienza che il lavoro di Wong riceve proprio a Hong Kong è rivelatrice. Durante Art Basel Hong Kong, migliaia di visitatori si affollavano per vedere il suo dipinto notturno di Tai Tam Tuk, come se stessero contemplando la Gioconda al Louvre. Non era semplicemente ammirazione artistica ma un riconoscimento viscerale. Gli spettatori identificavano luoghi precisi, condividevano aneddoti personali su questi posti: “Mia figlia va a scuola proprio lì”, “Guido su questa strada due volte al giorno”. Questa connessione emotiva intensa suggerisce che Wong non dipinge solo paesaggi ma cattura l’anima collettiva di una città.
Cosa fare allora con Stephen Wong Chun Hei? Come inquadrare questo artista che rifiuta le categorie facili, che mescola allegramente Constable e PlayStation, plein air e Google Earth, tradizione cinese e anime giapponese? Forse la risposta risiede proprio in questo rifiuto stesso di scegliere. Wong rappresenta una generazione di artisti per cui queste dicotomie, virtuale contro reale, tradizione contro modernità, locale contro globale, non hanno più alcun senso. Non cerca di risolvere queste tensioni, ma di abitarle pienamente.
La sua pratica suggerisce che la pittura di paesaggio non è morta ma semplicemente in mutazione, adattandosi a un mondo in cui le nostre esperienze del territorio passano attraverso una moltitudine di mezzi diversi. Un paesaggio non è più solo ciò che vediamo durante un’escursione, ma anche ciò che esploriamo in un videogioco, ciò che sorvoliamo su Google Earth, ciò che ricostruiamo nella nostra memoria fallace. Wong dipinge tutti questi paesaggi contemporaneamente, creando sintesi impossibili che somigliano stranamente alla verità.
Ciò che rende il suo lavoro particolarmente potente è che non è mai cinico. Nonostante tutta la sua immersione nei mondi virtuali, nonostante la sua consapevolezza acuta dell’artificialità dei suoi colori saturi, Wong dipinge con un evidente amore per il suo soggetto. Si percepisce in ogni pennellata la gioia dell’escursionista che scopre una nuova vista, l’eccitazione del giocatore che esplora un territorio sconosciuto, l’affetto del cittadino per la sua città imperfetta.
Le piccole figure umane che punteggiano le sue composizioni, escursionisti su sentieri lontani, paracadutisti che fluttuano sopra le valli e pittori sistemati con il loro cavalletto, sono forse autoritratti spirituali. Wong si colloca lui stesso in questi paesaggi, non come un conquistatore romantico ma come un partecipante umile, un testimone tra gli altri della bellezza precaria del mondo. Questa umiltà, combinata con la sua ambizione formale e la sua innovazione tecnica, lo rende uno dei pittori più interessanti della sua generazione.
In un mercato dell’arte spesso ossessionato dal concettuale e dal provocatorio, Wong osa essere semplicemente bello. Ma questa bellezza non è ingenua. È costruita su una comprensione sofisticata del modo in cui vediamo oggi, del modo in cui gli schermi hanno riconfigurato la nostra percezione, del modo in cui memoria e immaginazione collaborano per creare la nostra esperienza del reale. I suoi paesaggi impossibili, con i loro rosa elettrici e verdi fluo, ci mostrano che la verità soggettiva può essere più rivelatrice di qualunque fedeltà documentaria.
Wong Chun Hei non ci chiede di scegliere tra escursionismo e videogioco, tra contemplazione e schermo, tra tradizione e innovazione. Ci mostra che un artista contemporaneo può e deve abbracciare tutte queste contraddizioni, trasformarle in qualcosa di nuovo, vibrante, autenticamente personale. E nei suoi momenti migliori, guardare i suoi dipinti dà esattamente la sensazione che descrive: quella di essere trasportati, di fluttuare sopra un territorio familiare che improvvisamente sembra straniero, meraviglioso, degno di essere preservato su tela prima che scompaia per sempre.
- David Hockney (nato nel 1937) è noto soprattutto per i suoi paesaggi dello Yorkshire realizzati dal 2004, caratterizzati da un approccio soggettivo al colore e alla composizione pur mantenendo un forte legame con l’osservazione diretta della natura.
- Citazione di Stephen Wong Chun Hei, in “Memories Emerge in Stephen Wong Chun Hei’s Paintings as Vivid Saturated Landscapes”, This is Colossal, 25 gennaio 2023.
- Citazione di Stephen Wong Chun Hei, in “Stephen Wong”, Unit London.
- Citazione di Stephen Wong Chun Hei, in “Stephen Wong: The painter who builds up landscapes ‘like Lego'”, CNN Style, 14 marzo 2022.
