Tracey Emin: Lrtare cruda di una sopravvissuta

Ascoltatemi bene, banda di snob. Sono tre decenni che osservo Tracey Emin (nata nel 1963), e permettetemi di essere perfettamente chiara: vi state tutti sbagliando su di lei. I tabloid che la riducono alle sue bravate, i critici che la respingono come una semplice provocatrice, i guardiani autoproclamati del “buon gusto” che fremono di fronte al suo letto disfatto, nessuno ha colto l’essenziale. Ci troviamo di fronte a una delle artiste più importanti, coraggiose e necessarie del nostro tempo.

Dai suoi inizi negli anni ’90, Emin ha trasformato l’esperienza personale in arte universale con un’onestà brutale che destabilizza e affascina. La sua opera non è una semplice confessione, come sostengono i suoi detrattori. È una trasmutazione alchemica del dolore in oro artistico, del trauma in trascendenza. Come Louise Bourgeois prima di lei, Emin scava nelle profondità della sua esperienza per toccare qualcosa di universale sulla condizione umana.

Prendiamo Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995, quest’opera fondativa che ha catalizzato tante controversie. La stampa si è affrettata a vederci una provocazione sessuale, ma hanno completamente perso l’essenziale. Questa tenda, con i suoi nomi accuratamente cuciti a mano, è una mappa intima delle connessioni umane in tutte le loro forme, dall’abbraccio materno alla violenza dello stupro, dal conforto familiare alla passione amorosa. Ogni nome ricamato rappresenta un incontro che ha plasmato l’artista, in meglio o in peggio. È un archivio di intimità che trascende la semplice biografia per diventare una meditazione su come le nostre relazioni ci costituiscano.

La materialità stessa dell’opera, il tessuto, il filo, l’atto paziente del ricamo, evoca le tradizioni femminili dell’artigianato domestico. Ma Emin sovverte queste tradizioni, trasformando ciò che storicamente era un mezzo di oppressione in uno strumento di liberazione ed espressione. I punti del cucito diventano parole, il tessuto una pagina, la tenda un santuario dove i segreti possono essere rivelati.

My Bed (1998), forse la sua opera più celebre e controversa, spinge questa logica ancora più lontano. Sì, è il suo vero letto, con le lenzuola sporche, i preservativi usati, la biancheria intima macchiata di sangue mestruale. Ma ridurre quest’opera al suo aspetto sensazionalistico significa perdere la potenza radicale. Questo letto è un autoritratto più onesto di qualsiasi dipinto, una testimonianza brutale della depressione, della solitudine e della disperazione femminile che la società preferisce di solito ignorare.

Esponendo questo letto alla Tate Gallery, Emin non ha semplicemente provocato scandalo, ha ridefinito ciò che può essere considerato arte. Se Marcel Duchamp ha elevato il orinatoio al rango di arte ponendolo in un museo, Emin va oltre esponendo non un semplice oggetto trovato, ma le tracce intime stessa dell’esistenza umana. Il letto diventa un campo di battaglia dove si giocano i drammi della vita e della morte, del desiderio e della disperazione, dell’autodistruzione e della sopravvivenza.

I monotipo di Emin, meno conosciuti dal grande pubblico ma altrettanto fondamentali nella sua pratica, rivelano una padronanza tecnica che contraddice l’immagine dell’artista istintiva e non formata. Le sue linee nervose, le sue figure contorte dal desiderio o dal dolore evocano Egon Schiele, ma con una differenza fondamentale: dove Schiele osservava e oggettivava il corpo femminile dall’esterno, Emin lo vive e lo rappresenta dall’interno. I suoi disegni non sono studi anatomici, ma mappe emotive, sismografi dell’anima.

L’anno 2020 segna una svolta decisiva nella sua vita e nella sua opera. Diagnosticata con un cancro aggressivo alla vescica, subisce un intervento chirurgico radicale che trasforma il suo rapporto con il corpo e con l’arte. Con la stessa brutalità onesta che caratterizza tutto il suo lavoro, fa di questa esperienza il materiale di una nuova fase creativa. Il suo film “Tears of Blood” (2024) trasforma la realtà medica della sua stomia in una meditazione toccante sulla mortalità e sulla resilienza. Non è voyeurismo medico; è un’affermazione radicale della vita di fronte alla morte.

I suoi dipinti recenti, in particolare quelli esposti in “I followed you to the end” alla White Cube nel 2024, raggiungono nuovi apici di intensità espressiva. Le grandi tele vibrano di un’energia vitale, anche quando confrontano la mortalità. Le figure emergono da campi di colore come apparizioni, fantasmi o sopravvissuti. La sua scrittura caratteristica, integrata nel dipinto, non è più una semplice annotazione ma diventa parte integrante della composizione, creando una tensione dinamica tra verbale e visuale.

Il ritorno di Emin a Margate, la sua città natale, non è una ritirata ma una rinascita. Nei studi TKE che ha creato lì, forgia un nuovo modello di ciò che può essere un’istituzione artistica, un luogo dove l’eccellenza tecnica e l’autenticità emotiva sono ugualmente valorizzate. È un atto di generosità che riflette una profonda comprensione di cosa significa essere artista in un mondo che spesso privilegia lo spettacolo alla sostanza.

L’influenza di Edvard Munch sul suo lavoro, magnificamente esplorata nella loro esposizione congiunta alla Royal Academy, rivela il suo profondo legame con la tradizione dell’espressionismo. Come Munch, trova la bellezza nel dolore, la trascendenza nel trauma. Ma dove Munch osservava spesso il dolore dall’esterno, Emin lo vive dall’interno. I suoi dipinti non sono finestre sul dolore; sono il dolore stesso, trasformato in qualcosa di luminoso e redentore.

Nelle sue opere al neon, spesso trascurate dalla critica, frasi come “I Want My Time With You”, installata alla stazione di St Pancras, trasformano il desiderio personale in poesia pubblica. Il medium stesso, la luce che penetra l’oscurità, diventa metafora della missione dell’artista: illuminare le verità difficili che preferiamo mantenere nell’ombra.

L’opera monumentale The Mother (2022), installata davanti al museo Munch di Oslo, segna una nuova fase della sua pratica. Questa figura massiccia in bronzo, inginocchiata con le braccia aperte, trascende il personale per raggiungere una dimensione mitologica. Non è più solo la bambina ferita di Margate, ma una figura archetipica che abbraccia e trasforma il dolore collettivo.

Ciò che distingue fondamentalmente Tracey Emin dai suoi contemporanei dei Young British Artists è il suo rifiuto assoluto dell’ironia e del cinismo che caratterizzavano questo movimento. Mentre Damien Hirst giocava con il mercato dell’arte e Sarah Lucas sovvertiva gli stereotipi di genere con umorismo, Emin manteneva una sincerità disarmante. Il suo lavoro esige che riconosciamo la realtà disordinata e dolorosa dell’esistenza umana, senza distanza protettiva, senza via di fuga concettuale.

L’establishment artistico ha a lungo faticato a classificarla, proprio perché si rifiuta di giocare secondo le loro regole. È troppo emotiva per i concettualisti, troppo concettuale per i tradizionalisti, troppo cruda per gli esteti, troppo sofisticata per chi la vede solo come una provocatrice. Ma è proprio questa resistenza alla categorizzazione che costituisce la sua forza. In un’epoca di crescente automazione e distanza artificiale, la sua insistenza sulla realtà incarnata dell’esperienza umana è più necessaria che mai.

La relazione complessa di Emin con Margate illustra perfettamente la sua capacità di trasformare il trauma in creazione. Questa città costiera decaduta, segnata dalla povertà e dalla violenza, dove ha vissuto i suoi primi traumi, è diventata il sito della sua rinascita artistica e personale. Attraverso TKE Studios, trasforma il suo successo individuale in un’opportunità collettiva, creando uno spazio dove nuove artiste possono sviluppare la propria voce senza comprometterne l’autenticità.

Il mondo dell’arte contemporanea ama categorizzare le artiste: femministe, confessionali, provocatrici, politiche. Ma Emin trascende queste etichette riduttive. Crea ciò che si potrebbe chiamare un nuovo sublime femminista, un’opera che abbraccia simultaneamente il terrore e la bellezza dell’esistenza, il personale e l’universale, il corpo e la mente. La sua arte non parla solo dell’esperienza femminile; parla dell’esperienza umana vista attraverso un prisma femminista senza compromessi.

Esaminando la traiettoria di Emin, diventa chiaro che non ha semplicemente sopravvissuto ma prosperato rifiutando qualsiasi compromesso. Ogni colpo, rifiuto critico, derisione pubblica, malattia fisica, è stato trasformato in materiale artistico. Così facendo, ha ampliato la nostra comprensione di cosa l’arte può essere e fare. Ha dimostrato che il lavoro più personale può essere anche il più universale, che la vulnerabilità può essere una forma di forza.

Ecco perché Emin è così importante oggi. In un mondo dell’arte dominato dal cinismo e dai calcoli di mercato, offre qualcosa di raro: un’onestà emotiva assoluta. Il suo lavoro ci ricorda che l’arte non si riduce a belle immagini o concetti intelligenti, ma riguarda la verità umana in tutta la sua complessità disordinata, dolorosa e bella. Non fa solo arte; ci mostra come vivere con coraggio e autenticità.

Le sue ultime opere, con la loro potente fusione di astrazione ed emozione, la loro franca confrontazione con la mortalità e la loro celebrazione della sopravvivenza, rivelano un’artista al culmine delle sue capacità. Non è più la giovane donna arrabbiata degli anni ’90; è diventata qualcosa di più complesso e interessante, un’artista matura che trasforma il dolore personale in verità universale. Facendo ciò, ha creato un nuovo modello di cosa può essere l’arte contemporanea: profondamente personale ma universalmente risonante, tecnicamente sofisticata ma emotivamente cruda.

Questo è ciò che fa la grande arte, prende il particolare e lo rende universale, trasforma il dolore personale in comprensione condivisa. In questo senso, Emin non è solo una grande artista; è un’artista necessaria. In un’epoca di crescente alienazione e connessione artificiale, la sua insistenza sulla verità umana cruda sembra più vitale che mai. Ci ricorda che l’arte non riguarda solo ciò che vediamo, ma ciò che sentiamo, ciò che soffriamo, ciò che sopravviviamo.

Il mondo dell’arte ha bisogno di Tracey Emin. Abbiamo bisogno del suo coraggio, della sua onestà, del suo rifiuto di distogliere lo sguardo dalle verità difficili. In un’era di crescente artificiosità e distanza, la sua opera testimonia la potenza dell’espressione umana autentica. Non fa solo arte; ci mostra come essere più pienamente umani.

E non è forse, in ultima analisi, a questo che serve veramente l’arte? Non a decorare le nostre pareti o a impressionare i nostri pari, ma a ricordarci la nostra umanità comune, la nostra vulnerabilità condivisa, la nostra capacità collettiva di trasformare la sofferenza in bellezza. In questo senso, Tracey Emin non è solo un’artista del suo tempo, è un’artista per tutti i tempi, una voce che continuerà a risuonare molto tempo dopo che le controversie si saranno spente.