よく聞いてよ、スノッブな皆さん。モナカの忍耐で時間を絵画の素材に変えるアーティストについて話す時が来ました。王光楽は、ギャラリーを驚かせるために5分で画布をべたべたに塗るようなタイプではありません。1976年に福建省で生まれたこの中国の画家は、あらゆる絵画を存在への瞑想に、そして繰り返されるジェスチャーが儀式となる形而上学的探求にしています。
何ヶ月もかけて何度も何度も絵の具の層を重ねる男を想像してください。まるで聖なるテキストを疲れ果てるまで書き写す修道士のように。しかし誤解しないでください。王光楽は、象牙の塔に閉じこもった禁欲主義者ではありません。彼は中国の伝統と対話しながら、それを静かな大胆さで現代に押し出す芸術家です。その大胆さは、西洋の抽象芸術の偉大な巨匠たちをも嫉妬させるでしょう。
彼の2002年に開始したシリーズ「Terrazzo」を例にとりましょう。一見すると、1970〜80年代の中国建築に非常に一般的なテラゾー床を単に再現しているように見えます。しかしここでアンリ・ベルクソンの哲学、特に「純粋持続」の概念が関与してきます。ベルクソンが機械的な時計の時間と意識の生きられた時間を区別したように、王光楽は単なる建築模様を時間性の瞑想に変えています。狂気じみた精密さで描かれた一つ一つの小石の断片が、生きられた瞬間、純粋な意識の一瞬を絵画物質の中に結晶化させています。
通り過ぎる時間へのこの執着は、マルティン・ハイデッガーの死への存在に関する考察を思い起こさせます。2004年に始まった王光楽のシリーズ「Coffin Paint」は、おそらくその最も印象的な例です。故郷の伝統にインスパイアされており、高齢者が毎年自らの棺を塗り直すことで長寿をもたらすとされる儀式に基づいています。画家は着実に塗料の層を重ねていきます。このプロセスは結果と同じくらい重要であり、各層は象徴的な一年のサイクルであり、私たちの有限性への対峙を表しています。
しかし注意しなければならないのは、王光楽を単なる筆の哲学者に限定してはいけないということです。彼の天才は、これらの抽象的な概念を感覚的な経験に変える能力にあります。彼の絵画は理論のイラストではなく、私たち自身の時間との関係に直面させる物理的な存在です。彼の最近の作品の単色の表面は、色がキャンバスの中心から内なる光のように放たれているかのようで、ジェームズ・タレルの部屋を思わせる瞑想の空間を創り出していますが、その手段の簡潔さは賞賛に値します。
王光楽の興味深い点は、平凡なものから崇高を生み出すことです。彼の「テラゾー」は単なる床の再現ではなく、経験された時間の地図です。彼の「コフィン・ペイント」は単なる重ね塗りの練習ではなく、死の儚さについての瞑想であり、その陰鬱な起源を超えて一種の塑性的な静けさに達しています。そして彼の最近の単色作品は単なる色面ではなく、機械的な尺度を超えた時間の体験への扉です。
このアーティストは反復の論理を極限まで押し進めています。速度と永続的な新奇性に取り憑かれた時代において、彼はゆっくりと時間をかけることを敢えて選びます。多くの時間を。彼のいくつかのキャンバスは数ヶ月の制作を要し、毎日同じ動作、綿密な塗装の繰り返しでリズムを刻みます。これは私たちの時代の狂った加速に対する静かな抵抗の行為であり、遅さが一種の急進性になり得ることの主張です。
彼の仕事のパフォーマティブな側面は否定できませんが、最終的な結果には見えません。各絵画はプライベートなパフォーマンスの結果であり、日々の儀式であり、アトリエを瞑想の空間に変えます。この点で、王光楽はオン・カワラの「日付の絵画」のように、創作過程自体を芸術作品とした一連のアーティストの系譜に属します。
王光楽が同時代の他の作家と異なるのは、伝統と現代、東洋と西洋という簡単な対立を超越していることです。彼の実践は中国伝統絵画の単なる継承でも、西洋抽象芸術のコードの単なる奉仕的な採用でもありません。それは独自の言語、独自の時間性を創り出す独特な融合です。
例えば、彼の画面処理の方法を取り上げてみましょう。中国の伝統では、絵画は物の外観ではなく本質を捉える手段とされてきました。王光楽はこの考えを根本的に新しい方向に押し進めています。彼の表面は時間を表すのではなく、時間を物質化しているのです。塗料の各層は化石化した瞬間であり、年輪のように蓄積された時間の層です。
彼の作品における光は主要な役割を果たしますが、それは微妙かつ洗練された方法です。彼の最近の絵画では、光はキャンバスの内側から放たれているかのようで、色のグラデーションを生み出し、私たちの知覚に挑みます。それは西洋の明暗法の劇的な光でも、中国伝統の風景画の大気的な光でもありません。それは概念的な光であり、時間の経過と絵画物質の蓄積を物質化しています。
彼の仕事の最も顕著な特徴は、鑑賞の対象としても、制作の自身の記録としても同時に機能する作品を生み出す能力かもしれません。それぞれの絵画は見るべき表面であると同時に、制作に費やされた時間の証人でもあります。この二重の性質は、知覚の即時性と創造の持続性の間に魅力的な緊張を生み出します。
彼の作品は現代絵画そのものの本質について根本的な問いを投げかけています。瞬時に消えゆくイメージが溢れる世界で、一つの絵画面の制作に数ヶ月を捧げることは何を意味するのでしょうか。創作過程の意図的なゆっくりとした進行が、どのように文化的抵抗の行為となり得るのでしょうか。
彼の作品のタイトルは、多くの場合単なる日付であり、それぞれの絵画を創作の特定の瞬間に結びつける時間のマーカーとして機能しています。しかし、時間を体系的かつ概念的に記録したオン・カワラとは異なり、王光樂はそれを作品の素材そのものに取り込んでいます。時間は単に記されているのではなく、具現化されています。
彼の作品の触覚的な側面もまた魅力的です。物質が積み重なる彼の絵画の表面は、見つめる目に触覚的な感覚を呼び起こします。まるでこれらの作品に触れて積み重なった時間の層を指先で感じ取りたくなるのです。これは現代アートにおいては稀な特性であり、概念が重視されるあまり作品の物理的側面がしばしば軽視される中で特に顕著です。
王光樂は知的刺激と官能的満足の両方を兼ね備えた作品を創り出すという偉業を成し遂げています。彼の絵画は単なる形式的な演習ではなく、私たちの全ての感覚、時間感覚をも巻き込みます。もしかすると、彼の最大の成功は時間を単に視覚化するだけでなく、ほとんど触れることができるほどに表現する方法を見出した点にあるのかもしれません。
彼の作品における反復は機械的なものでは決してありません。新たな層の絵具、新たな一筆ごとに、アーティストの存在の再確認であり、意識が働く痕跡なのです。これは積極的な瞑想の形であり、創作過程を精神的な修練に変えていますが、単純な神秘主義には陥っていません。
彼の作品はまた、現代アートにおける真正性の概念についても本質的な問いを提示しています。独創性がしばしば新規性と混同される世界で、王光樂は差異ではなく深さに基づく独創性の形を提案しています。同一テーマの変奏は単なる無意味な反復ではなく、彼が自らのものとした芸術領域のより深い探求なのです。
彼の作品の建築的な側面も強調に値します。彼の絵画は単に壁に掛ける平面ではなく、その周囲の空間を変えるオブジェクトです。絵の縁が厚く、絵具が目に見える層となって積み重なる様は、ミニマリズムの幾つかの関心と呼応しつつも、全く異なる感受性を示しています。
彼の作品には、消費社会および時間の捉え方に対する微妙な批評の要素も見られます。即時性や使い捨てに取り憑かれた世界において、彼の作品は長い時間や忍耐、ゆっくりとした蓄積の価値を主張しています。これは政治的立場でありながら、明確に表明されることは決してありません。
王光樂は時間を単なる主題ではなく、作品の素材そのものとする独自の絵画言語を作り上げたアーティストです。概念的な厳密さと物質の官能性を融合させた彼の実践は、現代絵画に新たな展望を開きます。彼の作品は真の芸術的革新が忍耐と持続から生まれることを私たちに思い起こさせてくれます。
