Слушайте меня внимательно, кучка снобов, пришло время поговорить об артисте, который превращает время в живописную материю с монашеским терпением. Wang Guangle не из тех, кто за пять минут намазал холст, чтобы впечатлить публику. Нет, этот китайский художник, родившийся в 1976 году в провинции Фуцзянь, делает каждую картину экзистенциальной медитацией, метафизическим исследованием, где повторяющееся движение становится ритуалом.
Представьте себе человека, который месяцами накладывает слои краски, снова и снова, как монах-копиcт, переписывающий один и тот же священный текст до изнеможения. Но не заблуждайтесь: Wang Guangle, не аскет, потерянный в своей башне из слоновой кости. Это художник, который ведёт диалог с китайской традицией, одновременно продвигая её в современность с тихой смелостью, которая заставила бы завидовать величайших мастеров западной абстракции.
Возьмём его серию “Terrazzo”, начатую в 2002 году. На первый взгляд, можно подумать, что это простое воспроизведение напольного гранитто, распространённого элемента китайской архитектуры 1970, 80-х годов. Но здесь вступает в игру философия Анри Бергсона, особенно его концепция “чистой длительности”. Как Бергсон различал механическое время часов и прожитое время сознания, так Wang Guangle превращает простой архитектурный мотив в медитацию о временности. Каждый маленький фрагмент камня, написанный с маниакальной точностью, становится свидетельством прожитого момента, момента чистого сознания, кристаллизованного в живописной материи.
Эта одержимость проходящим временем напоминает размышления Мартина Хайдеггера о бытии-к-смерти. Серия “Coffin Paint” Wang’а, начатая в 2004 году, возможно, является самой выразительной иллюстрацией. Вдохновлённый традицией своего родного края, где пожилые люди ежегодно перекрашивают свои гробы, ритуалом, призванным приносить долголетие, художник тщательно наносит последовательные слои краски на свои холсты. Процесс так же важен, как и результат: каждый новый слой представляет собой цикл, символический год, встречу с нашей конечностью.
Но будьте внимательны, не стоит сводить Вана Гуанле к простому философу кисти. Его гений заключается в способности превращать эти абстрактные понятия в чувственные переживания. Его картины, не иллюстрации теорий, а физические присутствия, которые ставят нас лицом к лицу с нашим собственным отношением ко времени. Монохромные поверхности его недавних произведений, где цвет будто исходит из центра полотна как внутренний свет, создают пространство для созерцания, напоминающее комнаты Джеймса Таррелла, но с такой экономией средств, что вызывает восхищение.
Интересно то, что Ван Гуанле создает возвышенное из банального. Его “Terrazzo”, не просто копии полов, а карты прожитого времени. Его “Coffin Paint”, не простые упражнения в наложении слоев, а размышления о смертности, которые превосходят свое мрачное происхождение, чтобы достигнуть формы пластической безмятежности. А его последние монохромные работы, не просто окрашенные поверхности, а порталы к опыту времени, которое ускользает от механического измерения.
Художник доводит логику повторения до самых крайних пределов. В эпоху, одержимую скоростью и постоянной новизной, он осмеливается брать время. Много времени. На создание некоторых его картин уходят месяцы, каждый день наполнен тем же жестом, тщательным нанесением краски. Это акт тихого сопротивления бешеному ускорению нашего времени, утверждение, что медленность может быть формой радикализма.
Перформативный аспект его работы неоспорим, даже если он остается невидимым в конечном результате. Каждая картина, результат личного перформанса, ежедневного ритуала, превращающего студию в пространство медитации. В этом Ван Гуанле стоит в ряду художников, которые, как Он Кавара с его “Date Paintings”, превратили сам процесс творения в произведение искусства.
Что отличает Вана Гуанле от его современников, так это то, что он превосходит простые оппозиции между традицией и современностью, Востоком и Западом. Его практика, это ни простое продолжение традиционной китайской живописи, ни слепое подражание канонам западной абстракции. Это уникальный синтез, создающий собственный язык, собственную темпоральность.
Возьмем, к примеру, его способ обращения с живописной поверхностью. В китайской традиции живопись часто воспринимается как способ захватить суть вещей, а не их внешний вид. Ван Гуанле выводит эту идею в радикально новое русло: его поверхности не изображают время, они его материализуют. Каждый слой краски, это окаменевший момент, временной пласт, накапливающийся как концентрические кольца на срезе ствола дерева.
Свет играет важную роль в его творчестве, но тонко и изощренно. В его недавних картинах он кажется исходящим из самого полотна, создавая цветовые градиенты, которые бросают вызов нашему восприятию. Это не драматический свет западного светотени, не атмосферный свет традиционной китайской пейзажной живописи. Это концептуальный свет, который материализует течение времени и накопление живописной материи.
Возможно, самым замечательным аспектом его работы является его способность создавать произведения, которые одновременно функционируют как объекты для созерцания и как документы своего собственного творения. Каждая картина, это и поверхность для взгляда, и свидетель времени, проведённого за её созданием. Эта двойственная природа создает увлекательное напряжение между моментальным восприятием и длительностью творчества.
Его практика ставит фундаментальные вопросы о самой природе современного живописи. В мире, перенасыщенном мгновенными и эфемерными образами, что значит посвятить месяцы созданию одной единственной живописной поверхности? Как замедленный преднамеренный творческий процесс может стать актом культурного сопротивления?
Названия его произведений, часто простые даты, служат временными маркерами, закрепляющими каждый холст в определённом моменте его создания. Но в отличие от Он Кавары, который систематически и концептуально документировал время, Ван Гуангле включает его в саму материю своих произведений. Время не просто записывается, оно воплощается.
Тактильное измерение его работы также завораживает. Поверхности его картин с наслоениями материала приглашают взгляд стать тактильным. Хочется прикоснуться к этим произведениям, почувствовать под пальцами накопленные слои времени. Это редкое качество в современном искусстве, где физическое измерение произведения часто пренебрегается в пользу концепта.
Ван Гуангле совершает этот подвиг: создавать произведения, которые одновременно интеллектуально стимулируют и чувственно удовлетворяют. Его картины, не сухие упражнения в стиле, а объекты, вовлекающие все наши чувства, включая наше чувство времени. Возможно, именно здесь кроется его величайшее достижение: найти способ сделать время не только видимым, но почти осязаемым.
Повторение в его работе никогда не механическое. Каждый новый слой краски, каждый новый жест, это подтверждение присутствия художника, след его осознанности в действии. Это форма активной медитации, превращающая творческий процесс в духовное упражнение, не скатываясь в легкий мистицизм.
Его работа также ставит важные вопросы о понятии подлинности в современном искусстве. В мире, где оригинальность часто путают с новизной, Ван Гуангле предлагает форму оригинальности, основанную на глубине, а не на различии. Его вариации на одну тему, не пустые повторения, а всё более глубокие исследования художественной территории, которой он овладел.
Архитектурное измерение его работы также заслуживает внимания. Его картины, не просто поверхности для висения на стене, а объекты, которые преобразуют пространство вокруг себя. Толстые края его полотен, где краска накапливается видимыми слоями, создают переход между живописным пространством и реальным пространством, напоминающий некоторые заботы минимализма, но с совершенно иной чувствительностью.
В его работе можно также увидеть тонкую критику общества потребления и его отношения ко времени. В мире, одержимом мгновенностью и одноразовостью, его произведения утверждают ценность продолжительного времени, терпения, медленного накопления. Это политическая позиция, даже если она никогда прямо так не формулируется.
Ван Гуангле, художник, сумевший создать уникальный живописный язык, где время, не просто тема, а сама материя произведения. Его практика, сочетающая концептуальную строгость и чувственность материи, открывает новые перспективы для современного живописи. Его работа напоминает нам, что истинное художественное новаторство может рождаться из терпения и настойчивости.
