Escuchadme bien, panda de snobs. Nuestro amigo Chen Fei, nacido en 1983 en la provincia de Shanxi, no es del tipo que se anda con sutilezas conceptuales para susurrarte teorías complicadas al oído. No, este graduado de la Academia de Cine de Pekín prefiere abofetearte con imágenes que duelen a los ojos y al espíritu. Y eso es para bien. En un mundo del arte contemporáneo donde la mediocridad a menudo se viste con los adornos de la complejidad, aquí finalmente tenemos a un artista que asume plenamente su voluntad de provocar, desestabilizar, y sobre todo, hacernos reflexionar sobre nuestras propias contradicciones.
Comencemos por su técnica, ese famoso enfoque “super flat” que maneja como un katana bien afilado. Su planitud reivindicada no es una facilidad, sino una elección filosófica que resuena extrañamente con las teorías de Gilles Deleuze sobre la superficie como lugar del evento. Cuando Deleuze nos hablaba de la superficie como “frontera entre las cosas y las proposiciones”, Chen Fei la convierte en el campo de juego donde se enfrentan tradición y modernidad, Este y Oeste, arte elevado y cultura popular. Sus cuadros son campos de batalla donde las referencias chocan con la violencia de una película de kung-fu.
Tomemos “Natural History” (2016), esa composición donde una mujer en ropa deportiva se encuentra en medio de un bestiario improbable. El artista dinamita alegremente los códigos de la pintura clásica, creando una especie de gabinete de curiosidades posmoderno donde un tatuaje coexiste con un pingüino con la naturalidad de una conversación en WeChat. La precisión clínica de su trazo solo acentúa el absurdo de la escena, como si Albrecht Dürer se hubiera reconvertido en ilustrador de manga tras una noche demasiado movida.
Pero Chen Fei no se conforma con hacer de iconoclasta de servicio. Su serie de naturalezas muertas, presentada en el Museo Yuz de Shanghái en 2021, revela una ambición más profunda. Estas composiciones horizontales, que a primera vista parecen inscribirse en la tradición de las vanitas holandesas del siglo XVII, son en realidad comentarios cáusticos sobre nuestra relación con el consumo y la acumulación. Los objetos se amontonan con una precisión maniática: yuzus junto a bollos de frijoles rojos, botellas de salsa de soja dialogando con esqueletos de animales. Esta acumulación hace eco del pensamiento de Walter Benjamin sobre la colección como forma de resistencia a la estandarización del mundo moderno.
En “Painting of Wealth” y “For Breadth and Immensity” (2019), lleva esta lógica al absurdo, creando festines gargantuescos donde la comida se convierte en un lenguaje visual para hablar del exceso y el vacío que caracterizan nuestra época. Los litchis brillan como joyas, las albóndigas se apilan como monumentos a la gloria de la sobreconsumición. Es Arcimboldo que habría hecho sus compras en Alibaba.
Su serie “My Morandi” (2019) es particularmente sabrosa en la forma en que subvierte la estética del maestro italiano. Las botellas de salsa de soja medio vacías y los frascos de vinagre de arroz reemplazan los jarrones depurados de Morandi, creando un diálogo transcultural que hace rechinar los dientes a los puristas y sonreír a los iniciados. Aquí es donde Chen Fei sobresale: en su capacidad para crear puentes inesperados entre culturas, al mismo tiempo que dinamita las jerarquías establecidas del mundo del arte.
El artista no se detiene aquí. En “Remaining Value” (2019), coloca la famosa caja de “Merda d’artista” de Piero Manzoni junto a diferentes tipos de fertilizantes agrícolas. El comentario es tan sutil como un golpe en el estómago: el arte conceptual occidental se pone al mismo nivel que el estiércol, en una igualación de valores que hace eco de las teorías de Pierre Bourdieu sobre la distinción social y el juicio estético.
Esta primera parte de su obra, centrada en la deconstrucción de los códigos pictóricos y la subversión de las jerarquías culturales, alcanza su apogeo en obras como “Big Model” (2017). En este lienzo monumental, un desnudo masculino chino tatuado adopta la pose del David de Miguel Ángel frente a un papel pintado floral turquesa. La historia del arte occidental aquí se digiere, regurgita y se transforma en algo resueltamente contemporáneo y chino.
La segunda temática que atraviesa su obra es la de la identidad fragmentada en un mundo globalizado. Chen Fei se representa con una feroz autocrítica que le convierte en el conejillo de indias perfecto para explorar las contradicciones de la China contemporánea. En “Cousin” (2019), se presenta en calzoncillos Supreme y zapatillas Converse, consultando su teléfono Huawei. La escena es un concentrado de tensiones geopolíticas y culturales: las marcas occidentales visten (apenas) un cuerpo oriental, mientras que la tecnología china sirve de interfaz con el mundo.
Esta exploración de la identidad encuentra un eco particular en su pasión obsesiva por los sofubi, esas figuritas de vinilo blando japonesas que colecciona por miles. Esta colección, que ocupa una estancia entera en su casa, no es solo una manía de coleccionista: se convierte en un material artístico en toda regla, apareciendo en sus bodegones como tantos tótems de una nueva espiritualidad consumista.
En “National Conditions” (2017), lleva aún más lejos esta reflexión sobre la identidad cultural. La escena representa a una familia china en un salón americano de los años 60, con un niño afroamericano acercándose a la madre, mientras un busto del artista observa la escena. Es un cuadro que podría haber sido pintado por Edward Hopper bajo ácido, una visión alucinada del sueño americano vista a través del prisma de la China contemporánea.
Su obra más reciente, “The Road to Success” (2024), presentada en el Centre Pompidou, sintetiza magistralmente estas preocupaciones. La escalera de los años 90 que convive con la escalera mecánica moderna se convierte en una metáfora visual de las transformaciones de la sociedad china, pero también en una reflexión sobre la ilusión del progreso. El artista se pone en escena como un “creador de marca”, llevando la autocrítica hasta el punto de convertirse él mismo en un producto en el gran supermercado del arte contemporáneo.
Lo que hace que la obra de Chen Fei sea tan impactante es que maneja la ironía sin caer jamás en el cinismo fácil. Cuando representa escenas de la vida cotidiana, como en su serie sobre los mercados matutinos, no emite juicio moral: más bien nos presenta un espejo deformante de nuestras propias contradicciones. Su formación cinematográfica se percibe en cada lienzo, no solo en su composición meticulosa sino también en su capacidad para sugerir narraciones más amplias.
Los críticos occidentales gustan de ver en su trabajo una crítica a la sociedad de consumo china. Es una lectura fácil, demasiado fácil. Lo que Chen Fei nos muestra es que la distinción entre autenticidad y artificio, entre tradición y modernidad, entre Este y Oeste, ya no tiene mucho sentido en un mundo donde un artista puede coleccionar figuritas japonesas mientras cita a Miguel Ángel, donde una botella de salsa de soja puede convertirse tan icónica como un jarrón de Morandi.
Su arte es en última instancia una celebración de la impureza, en el noble sentido del término. Rechaza las categorizaciones fáciles, las divisiones claras entre high art y low art. Su obra es un testimonio vivo de lo que puede ser el arte contemporáneo chino cuando asume plenamente su hibridación: ni totalmente occidental, ni estrictamente oriental, sino decididamente contemporáneo y personal. En un mundo del arte donde tantos artistas se toman demasiado en serio, Chen Fei nos recuerda que la irreverencia puede ser la forma más alta de la sinceridad artística.
