I giardini emozionali di Michaela Yearwood-Dan

Ascoltatemi bene, banda di snob. Se pensate che l’arte astratta contemporanea sia morta, è perché non avete ancora incontrato l’universo lussureggiante e vibrante di Michaela Yearwood-Dan. Questa artista britannica di 30 anni crea tele che sono come schiaffi cromatici alla nostra epoca moralmente timorosa, sinfonie floreali che trascendono i limiti della rappresentazione per immergerci in uno spazio dove l’identità non è mai fissa ma sempre in movimento.

Le sue opere evocano ciò che Georges Bataille descriveva come “esperienza interiore”, quella lacerazione che ci spinge oltre i limiti della percezione quotidiana. Bataille scriveva: “L’esperienza è la messa in discussione (a prova), nella febbre e nell’angoscia, di ciò che un uomo sa del fatto di essere” ^[1]. Le composizioni astratte di Yearwood-Dan, con i loro spessi strati di pittura a olio, le loro spruzzate di colori vivaci e i loro testi a metà nascosti, fanno esattamente questo, ci mettono alla prova. Strappano il velo delle convenzioni artistiche per chiederci: chi siamo veramente oltre le etichette?

Yearwood-Dan non è interessata alla vostra venerazione beata della purezza formale né alla vostra ossessione per il riferimento storico evidente. Non ha bisogno di queste stampelle intellettuali. Le sue tele sono brutalmente oneste, come pagine di diario intime esposte alla luce del sole, ma trasformate da una padronanza tecnica che rende il personale universalmente toccante. Il suo lavoro è un gioioso dito medio alle tradizioni che vogliono rinchiudere le donne nere queer in scatole identitarie strette.

Prendete le sue opere monumentali come “Despite all odds” (2022) o “Love me nots” (2021), quest’ultima venduta per la modica cifra di 730.800 sterline da Christie’s (circa 875.000 euro), ovvero più di 14 volte la sua stima iniziale. Ma non fraintendete, non è il prezzo che fa l’opera. È piuttosto il modo in cui l’artista crea spazi di contemplazione dove ci si può perdere per ore. Usa spesso parole nelle sue tele, estratte da canzoni, poesie o dai propri scritti, che appaiono come confessioni sussurrate, invitandoci ad avvicinarci, a passare del tempo con il quadro piuttosto che a limitarsi a guardarlo.

Quello che fa Yearwood-Dan ci ricorda stranamente l’approccio della femminista francese Hélène Cixous e il suo concetto di écriture féminine. Cixous affermava che “la donna deve scriversi: deve scrivere sulle donne e portare le donne alla scrittura” ^[2]. I dipinti di Yearwood-Dan sono proprio questo: una forma di scrittura corporea, sensuale, che rifiuta le costrizioni patriarcali della rappresentazione. I fiori e i motivi botanici che popolano le sue tele non sono semplici decorazioni, ma affermazioni di vita, abbondanza e rigenerazione.

Come Cixous che incoraggiava le donne a scrivere “con il loro corpo”, Yearwood-Dan dipinge con una piena consapevolezza della sua identità corporea, donna, nera, queer, ma rifiuta di lasciare che queste identità la definiscano o limitino la sua libertà creativa. Le sue opere celebrano la molteplicità e la fluidità piuttosto che la fissità identitaria. Sono politiche proprio perché rivendicano il diritto alla bellezza, al godimento e alla complessità emotiva per tutti.

Yearwood-Dan ha dichiarato: “Faccio la scelta attiva di non rendere il mio lavoro qualcosa di traumatico e pesante” ^[3]. Questa resistenza allo sfruttamento del trauma nero è in sé un atto politico radicale. In un mondo dell’arte che spesso richiede agli artisti neri di sanguinare sulla tela per dimostrare la loro autenticità, scegliere di rappresentare la gioia diventa una forma di resistenza. Non dice Cixous che “ridere è il primo gesto della libertà”? I dipinti di Yearwood-Dan, con i loro colori esuberanti e le loro composizioni ritmiche, sono proprio questo, una risata liberatoria.

Ciò che è particolarmente notevole nel suo lavoro è il modo in cui affronta la materialità. I suoi dipinti non sono semplici immagini, ma oggetti sensuali che richiedono una presenza fisica. La texture è importante per lei, con strati spessi di pittura, drippings sapientemente controllati, a volte perle, paillettes o foglie d’oro che catturano la luce. Questa ricchezza materiale richiama le idee di Bataille sull’eccesso e la spesa improduttiva. Per Bataille, “la vera sovranità rifiuta l’utilità” ^[4]. I quadri di Yearwood-Dan, nella loro opulenza visiva e tattile, rifiutano i valori utilitaristici del capitalismo per celebrare la bellezza e la sensualità come fini in sé.

Se Bataille ci invita a superare i limiti della nostra condizione per raggiungere l’estasi, Yearwood-Dan ci propone un percorso simile, ma radicato in una pratica quotidiana di meraviglia. I suoi giardini astratti sono spazi dove lo spettatore può perdersi, ritrovarsi e perdersi di nuovo. Come ha detto lei stessa: “Chiedo allo spettatore di passare del tempo con l’opera, non solo di guardarla, ma di passare del tempo con essa, allo stesso modo in cui inviterei qualcuno a casa mia, siediti, rilassati, prenditi un momento” ^[5].

Questo invito all’introspezione si manifesta anche nel suo modo di esporre. Per la sua installazione “Let Me Hold You” (2022) a Queercircle, ha creato un murale curvo alto 3 metri con sedute integrate, trasformando la galleria in uno spazio di riposo e di comunità. Allo stesso modo, per la sua mostra “The Sweetest Taboo” (2022) alla Tiwani Contemporary, ha posizionato panche e sgabelli per permettere ai visitatori di sedersi e passare del tempo con le sue opere. Questo gesto non è casuale, mette in discussione le convenzioni elitiste della galleria d’arte bianca e asettica, dove si dovrebbe circolare rapidamente senza mai fermarsi veramente.

La pratica di Yearwood-Dan è profondamente radicata in una coscienza ecologica che risuona con le preoccupazioni di Cixous riguardo alla nostra relazione con il mondo naturale. Per Cixous, la scrittura femminile è “un canto, il primo, della nuova storia d’amore” che può “reinvestire le donne dei loro beni, dei loro piaceri, dei loro organi, dei loro immensi territori corporei” ^[6]. Allo stesso modo, i paesaggi astratti di Yearwood-Dan reinvestono lo spazio pittorico di una sensibilità che celebra la connessione piuttosto che il dominio, l’armonia piuttosto che la gerarchia.

Questa artista non si limita a dipingere, crea anche sculture in ceramica, installazioni sonore e pezzi di mobilio. Durante la pandemia del 2020, confinata a casa e incapace di lavorare su larga scala come di consueto per i suoi dipinti, si è rivolta all’argilla, creando vasi e recipienti che portano gli stessi motivi organici e testi manoscritti delle sue tele. Questa diversità di medium riflette il suo rifiuto di essere confinata a una sola forma di espressione.

Quando si esplorano le sue tele astratte, si trovano tracce della cultura caraibica dei suoi genitori, elementi visivi del carnevale di Notting Hill, riferimenti alla cultura queer britannica e persino cenni alla cultura pop contemporanea. Cita spesso testi di canzoni, da Adele a Kendrick Lamar, trasformando questi frammenti della cultura popolare in meditazioni poetiche sull’amore, la perdita e l’identità. Questa fusione di “alto” e “basso”, del personale e del politico, del poetico e del quotidiano, è precisamente ciò che dà al suo lavoro la sua risonanza contemporanea.

Per Bataille, la vera esperienza estetica è quella che ci spinge al limite di noi stessi, che provoca in noi un senso di vertigine davanti all’ignoto. Scrive: “Ciò che cerchiamo con ardore è ciò che ci brucia, è l’eccesso, è la febbre che consuma, è la spesa senza misura” ^[7]. Le opere di Yearwood-Dan ci offrono proprio questa esperienza di sovrabbondanza, di eccesso sensoriale ed emotivo che sfida il nostro bisogno di categorizzazione.

E non andate a pensare che questa esplosione di colori e forme sia solo una semplice questione decorativa! Yearwood-Dan è perfettamente consapevole delle implicazioni politiche del suo lavoro. “È davvero un atto politico scegliere di non impegnarsi nella trappola dei clickbait che ci si aspetta da molti neri, e in particolare dalle donne nere”, ha dichiarato ^[8]. Questa resistenza a diventare la portavoce di un’identità collettiva è al centro del suo approccio artistico.

Ciò che è interessante è il modo in cui Yearwood-Dan sfrutta la tradizione della pittura astratta, a lungo dominata da uomini bianchi eterosessuali, per esprimere esperienze radicalmente diverse. Non rifiuta l’eredità dell’astrattismo, ma la trasforma, arricchendola di nuovi significati. Come ha detto lei stessa: “Ho pensato, sai che c’è, farò queste tele ancora più grandi di prima. Le renderò più belle, e saranno rosa. Saranno carnose e femminili, e sontuose, e se qualcuno vuole dire qualcosa su questo, se ne può pure andare a quel paese!” ^[9]

Questa affermazione feroce della bellezza come forma di resistenza trova un eco nella filosofia di Cixous, per la quale la scrittura femminile non è solo una forma di espressione, ma un atto di liberazione. “La scrittura femminile (i poeti l’hanno sentita) afferma: […] e io trabocco la struttura, la faccio esplodere, la trasformo attraverso il piacere, attraverso l’apertura” ^[10]. I dipinti di Yearwood-Dan fanno esplodere le leggi restrittive dell’arte contemporanea con la stessa gioia liberatrice.

La traiettoria di Yearwood-Dan è tanto più notevole se si considera che è una delle artiste più giovani rappresentate dalla galleria Hauser & Wirth, un colosso del mercato dell’arte contemporanea. Ha studiato all’Università di Brighton, dove si è laureata nel 2016, e ha rapidamente attirato l’attenzione con le sue prime mostre presso la Sarabande Foundation, fondata dal compianto stilista Alexander McQueen. Da allora ha esposto in luoghi prestigiosi come il Contemporary Arts Center di Cincinnati, lo Scottsdale Museum of Contemporary Art e il Museum of Contemporary African Art di Marrakech.

Il suo lavoro fa ora parte delle collezioni permanenti del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden a Washington D.C., dell’Institute of Contemporary Art di Miami e del Dallas Museum of Art, tra gli altri. Questo rapido riconoscimento istituzionale testimonia la potenza e la pertinenza della sua opera.

Ma non lasciatevi ingannare, nonostante questo successo commerciale, Yearwood-Dan rimane profondamente legata all’accessibilità della sua arte. Usa attivamente i social media per condividere il suo lavoro con chi non può permettersi di acquistare le sue opere o di viaggiare per vedere le sue mostre. “Mi piace diffondere la mia arte, perché molte persone non possono permettersi il mio lavoro. Forse non possono vedere il mio lavoro di persona. Ma possono permettersi di avere un account Instagram” ^[11], spiega.

Questa democratizzazione dell’accesso all’arte è in linea con la visione di Cixous di una creatività che trascende le barriere istituzionali e sociali. Per Cixous, la scrittura femminile è un “movimento generoso” che “non trattiene, non trattiene: fa passare, senza sapere cosa fa passare” ^[12]. Allo stesso modo, l’arte di Yearwood-Dan circola generosamente, offrendo momenti di bellezza e riflessione a un pubblico ben oltre le mura delle gallerie d’élite.

Mentre tanti artisti contemporanei sembrano intrappolati in un cinismo disilluso o in una eccessiva concettualizzazione, Yearwood-Dan ci offre qualcosa di raro, una pratica artistica che crede fermamente nella possibilità della bellezza come forza di trasformazione. Come ha detto citando Stormzy e Michaela Coel: “Amo il mio futuro più di quanto odi alcune parti della mia storia” ^[13]. Questa orientazione verso il futuro, questa fede nella possibilità di un mondo più bello e più giusto, conferisce al suo lavoro una qualità profetica che trascende le mode artistiche effimere.

L’opera di Michaela Yearwood-Dan ci ricorda perché abbiamo bisogno dell’arte innanzitutto, non come investimento finanziario o accessorio di status sociale, ma come uno spazio di possibilità, un luogo dove possiamo immaginare modi di essere più liberi, più connessi, più pienamente umani. In un mondo ossessionato dalla categorizzazione e frammentazione, lei ci offre una visione di integrità, pienezza, della vita vissuta in tutta la sua complessità sfavillante. Ed è esattamente ciò di cui abbiamo bisogno in questo momento.

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1. Bataille, Georges. L’Esperienza interiore. Parigi: Gallimard, 1943.
2. Cixous, Hélène. “La risata della medusa.” L’Arc, n. 61, 1975.
3. Yearwood-Dan, Michaela, citata in “Le lussureggianti astrazioni di Michaela Yearwood-Dan sono straordinariamente intime” di Charlotte Jansen, Artsy, 11 aprile 2022.
4. Bataille, Georges. La parte maledetta. Parigi: Éditions de Minuit, 1949.
5. Yearwood-Dan, Michaela, citata in “Life Drawing: come Michaela Yearwood-Dan sta plasmando il futuro dell’arte astratta” di Charlotte Jansen, Vogue UK, 16 marzo 2025.
6. Cixous, Hélène. “La risata della medusa.” L’Arc, n. 61, 1975.
7. Bataille, Georges. L’erotismo. Parigi: Éditions de Minuit, 1957.
8. Yearwood-Dan, Michaela, citata in “L’artista Michaela Yearwood-Dan su come trovare gioia attraverso l’arte e riconquistare la bellezza” di Eloise Hendy, The Glossary Magazine, 9 marzo 2023.
9. Yearwood-Dan, Michaela, ibid.
10. Cixous, Hélène. “La risata della medusa.” L’Arc, n. 61, 1975.
11. Yearwood-Dan, Michaela, citata in “INTERVISTA // In conversazione con Michaela Yearwood-Dan” di Laura Franchetti e Fred Shan, Immediations, 2021.
12. Cixous, Hélène. “La risata della medusa.” L’Arc, n. 61, 1975.
13. Yearwood-Dan, Michaela, citata in “L’artista Michaela Yearwood-Dan su come trovare gioia attraverso l’arte e riconquistare la bellezza” di Eloise Hendy, The Glossary Magazine, 9 marzo 2023.