Ascoltatemi bene, banda di snob. Ecco un’artista che merita che ci si fermi, che ci si guardi, che finalmente si comprenda cosa significa davvero dipingere la storia nel 2025. Lubaina Himid non è un’artista come le altre. È una cartografa dell’invisibile, una narratrice che reinventa i codici della rappresentazione per dare corpo a coloro che furono cancellati dai racconti ufficiali.
Nata a Zanzibar nel 1954, emigrata in Gran Bretagna a soli quattro mesi, Himid porta in sé quell’esperienza fondamentale dello spostamento che irrora tutta la sua opera. Laureata in design teatrale al Wimbledon College of Art nel 1976, poi titolare di un master in storia culturale al Royal College of Art nel 1984, sviluppa un approccio unico dove la scenografia incontra la pittura storica. Perché di questo si tratta: Himid reinventa la pittura storica, quel genere nobile per eccellenza dell’arte occidentale, per iscrivere in essa le figure dimenticate della diaspora africana.
L’architettura della memoria collettiva
Il suo percorso di artista-curatrice negli anni Ottanta rivela una consapevolezza acuta delle sfide della rappresentazione. Con mostre come “The Thin Black Line” all’Institute of Contemporary Arts di Londra nel 1985, non si limita a mostrare: costruisce uno spazio di visibilità per le artiste nere britanniche. Questa dimensione curatoriale del suo lavoro non è accessoria; struttura il suo pensiero artistico come un vero e proprio progetto architettonico.
L’architettura, appunto, costituisce il primo filo concettuale che attraversa l’opera di Himid. Ma non si tratta dell’architettura monumentale degli edifici del potere. No, Himid si interessa a un’architettura dell’intimo e del quotidiano, quella che organizza gli spazi di vita e di sopravvivenza. Le sue installazioni come “Naming the Money” (2004) trasformano lo spazio espositivo in teatro della memoria, dove cento sagome ritagliate incarnano gli africani ridotti in schiavitù nelle corti europee del XVIII secolo. Ogni figura porta un nome, un’identità, una funzione: addestratore di cani, fabbricante di giocattoli, cartografo, maestro di danza, musicista, pittore. L’artista restituisce un’architettura narrativa a queste esistenze polverizzate dalla Storia ufficiale.
Questo approccio architettonico della memoria trova la sua espressione più compiuta nelle sue recenti “strategy paintings” esposte in “Make Do and Mend” nel 2024. Queste tele raffigurano figure nere sedute attorno a tavoli, che manipolano piccoli oggetti che rappresentano risorse, territori, intere popolazioni. L’architettura qui diventa quella del potere: chi ha il diritto di sedersi al tavolo? Chi resta in piedi? Chi decide il destino degli altri? In “Bitter Battles” (2023), i limoni disposti sul tavolo sotto diversi dispositivi, gabbie, piedistalli e spazi nudi, rivelano le gerarchie invisibili che strutturano le nostre società. Himid smonta così l’architettura del potere per rivelarne i meccanismi più perniciosi.
Lo spazio domestico occupa anch’esso un posto centrale in questa riflessione architettonica. I suoi dipinti recenti, come la serie “How May I Help You?” (2025), rappresentano venditori ambulanti nelle loro interazioni quotidiane con gli acquirenti. Queste scene apparentemente anodine rivelano in realtà una geografia complessa delle relazioni sociali, un’architettura invisibile delle relazioni di potere che si esercitano nello spazio pubblico. “Sono assolutamente ossessionata dall’atto quotidiano di comprare e vendere cose ordinarie”, confida l’artista [1]. Questa ossessione rivela una profonda comprensione di come l’architettura sociale si dispiega nei gesti più semplici.
L’influenza del suo percorso nel design teatrale traspare in questo approccio spaziale. Himid concepisce le sue mostre come messe in scena dove lo spettatore diventa attore. La mostra del 2021 alla Tate Modern era esplicitamente pensata come “una sequenza di scene progettate per mettere i visitatori al centro del palcoscenico e dietro le quinte” [2]. Questa drammaturgia dello spazio rivela una comprensione architettonica dell’arte come esperienza immersiva e trasformativa.
Ma l’architettura in Himid non si limita all’organizzazione dello spazio fisico. Essa struttura anche la temporalità delle sue opere. Le sue tavole dipinte, questi formati verticali che evocano le barre di misura in musica, creano un ritmo visivo che organizza lo spazio espositivo come una partitura. Nella serie “Aunties” (2023), sessantaquattro tavole di legno trovato vicino al suo atelier formano una costellazione di presenze femminili che ridefinisce l’architettura tradizionale della galleria. Queste “zie”, figure tutelari di molte culture non europee, creano uno spazio di intimità e protezione al cuore dell’istituzione artistica.
I territori fluttuanti della poesia
L’altro concetto che irrora l’opera di Himid riguarda la poesia, non come genere letterario, ma come modalità particolare del rapporto con il linguaggio e l’immagine. Himid sviluppa una poetica visiva che procede per condensazione, metafora e spostamento, tre operazioni fondamentali della scrittura poetica applicate al campo plastico.
La condensazione innanzitutto. Nei suoi dipinti, ogni elemento porta un carico simbolico massimo. I tessuti che integra nelle sue opere non sono mai puramente decorativi: trasportano con sé memorie familiari, tradizioni tessili, codici culturali. “I motivi e gli abiti sono importanti nei miei dipinti. Gli abiti sono un mezzo per le donne di mostrare la loro personalità l’una all’altra e allo spettatore”, spiega a proposito di “Between the Two my Heart is Balanced” [3]. Questa condensazione poetica trasforma ogni frammento tessile in una sinecdoque di un’intera cultura.
La metafora poi. L’opera di Himid funziona attraverso costanti scivolamenti metaforici. In “The Carrot Piece”, la carota brandita da un uomo bianco di fronte a una donna nera che si allontana diventa metafora delle false promesse di riconoscimento rivolte agli artisti neri. Nella serie “Le Rodeur” (2016), la nave negriera si trasforma in uno spazio di resistenza e creazione. Questi spostamenti metaforici rivelano un pensiero poetico che rifiuta la literalità per privilegiare la polisemia.
Infine lo spostamento. Himid opera costanti spostamenti temporali nelle sue opere. “I personaggi non sono sempre nella stessa zona temporale o storica”, precisa. “Si incrociano nel tempo e si parlano tra loro (e a voi) su come il passato contenga indizi per il presente, ed è un luogo di azione potenziale” [4]. Questa temporalità fluttuante caratterizza il pensiero poetico che rifiuta la cronologia lineare a favore di una temporalità stratificata.
Questo approccio poetico trova la sua espressione più raffinata nella collaborazione con Magda Stawarska, sua compagna e collaboratrice artistica. La loro installazione “Slightly Bitter” (2025) a Kettle’s Yard esplora la corrispondenza frammentaria tra la scrittrice Sophie Brzeska e l’artista Nina Hamnett all’inizio del XX secolo. Quest’opera procede tramite un montaggio poetico, assemblando suoni, dipinti, oggetti trovati e cartoline per far rivivere una relazione cancellata dalla Storia. “Questa installazione non è un documentario, riguarda conversazioni, traduzioni e scambi”, precisa Himid. Questa poetica della traccia e del frammento rivela una sensibilità profondamente moderna alla discontinuità dell’esperienza storica.
La dimensione sonora di questa collaborazione con Stawarska arricchisce notevolmente la poetica visiva di Himid. Le composizioni sonore di Stawarska non funzionano come semplice accompagnamento ma come controcanto poetico alle immagini dipinte. In “Naming the Money”, le voci che pronunciano i nomi africani ed europei delle figure rappresentate creano una polifonia memoriale che moltiplica la carica emotiva dell’installazione. Questa sinergia tra suono e immagine rivela una comprensione poetica dell’arte come arte totale.
La poetica di Himid si nutre anche della sua fascinazione per gli oggetti della vita quotidiana trasfigurati dalla pittura. Le sue ceramiche dipinte della serie “Swallow Hard: the Lancaster Dinner Service” (2007) trasformano la stoviglia domestica in supporto di memoria storica. Questi piatti ornati con motivi che evocano la tratta degli schiavi sovvertono la funzione decorativa della porcellana per farne un medium critico. Questa poetica della trasfigurazione rivela una sensibilità particolare alla dimensione magica dell’arte.
L’uso del colore in Himid è anch’esso parte di una poetica particolare. I suoi gialli brillanti, i rossi profondi, i blu intensi non mirano alla verosimiglianza ma all’intensità espressiva. Come ha notato il critico Fred Moten, la sua “celebrazione del colore” diventa “la solennità ultima”. Questa poetica cromatica trasforma la pittura in un canto di resistenza e affermazione.
La strategia del visibile
L’opera recente di Himid rivela una maturità artistica notevole nella capacità di sintetizzare questi diversi approcci. I suoi “strategy paintings” del 2023 costituiscono a questo proposito un punto culminante della sua riflessione sulle relazioni tra potere, rappresentanza e resistenza. Queste tele ritraggono scene di negoziazione in cui figure nere manipolano oggetti simbolici su tavoli. L’architettura di queste composizioni, la disposizione dei corpi nello spazio, la geometria dei tavoli e la distribuzione degli oggetti rivelano i meccanismi invisibili del potere politico ed economico.
In “Predicting Positions” (2023), i modelli disposti sul tavolo evocano sistemi solari, ironico richiamo alle ambizioni coloniali di alcuni dei nostri oligarchi contemporanei. Quest’opera costituisce una critica particolarmente aspra della classe dirigente e della sua tendenza a disumanizzare coloro che amministra. Himid pone una domanda fondamentale: cosa perdiamo quando accettiamo di essere ridotte a dati manipolabili su un tavolo da stratega?
La serie “Aunties” (2023) rivela un’altra faccia di questa maturità artistica. Questi sessantaquattro pannelli dipinti trasformano lo spazio espositivo in un’assemblea di figure tutelari. Ogni “zia” possiede la sua singolarità, texture del legno trovato, tessuti colorati e motivi dipinti, pur partecipando a un insieme coerente. Quest’opera compie il miracolo di conciliare individualità e collettività, singolarità e comunità.
Il riconoscimento tardivo ma brillante del suo lavoro, Premio Turner nel 2017, Commendatore dell’Ordine dell’Impero Britannico (CBE) nel 2018, esposizione alla Tate Modern nel 2021 e rappresentanza della Gran Bretagna alla Biennale di Venezia nel 2026, non deve offuscare la persistenza del suo approccio critico. A oltre settant’anni, Himid continua a interrogare i rapporti di potere con la stessa acutezza dei suoi inizi. “Abbiamo perso un’occasione”, confida a proposito degli anni 1980 e 1990. “Ci siamo dati l’obiettivo di mostrare il nostro lavoro al maggior numero possibile di persone. Ma non pensavamo a venderlo. Non ci passava nemmeno per la mente” [5].
Questa lucidità critica sui meccanismi del mercato dell’arte rivela un’artista che non ha perso nulla della sua capacità di analisi politica. La sua installazione per la Biennale di Venezia 2026 si annuncia come un momento decisivo per misurare la pertinenza della sua proposta nel contesto geopolitico contemporaneo.
L’influenza crescente di Himid sulle nuove generazioni di artisti testimonia la giustezza della sua visione. La sua capacità di articolare impegno politico ed eccellenza estetica offre un modello raro nel panorama artistico contemporaneo. Dimostra che è possibile portare un discorso politico forte senza sacrificare la complessità formale e concettuale.
Il suo rapporto con Preston, dove vive dal 1991, rivela anche una dimensione territoriale del suo impegno. “È una piccola città, ma funziona per noi”, spiega. Questa iscrizione locale della sua pratica, lontano dai centri artistici londinesi, testimonia una volontà di decentramento che corrisponde al suo approccio estetico generale.
L’opera di Lubaina Himid costituisce uno dei contributi più significativi all’arte contemporanea britannica degli ultimi quarant’anni. Riesce a conciliare innovazione formale e impegno politico, ricerca estetica e consapevolezza storica. I suoi dipinti, installazioni e collaborazioni rivelano un’artista capace di reinventare costantemente il suo linguaggio plastico per interrogare le questioni della sua epoca.
La sua capacità di mantenere un elevato livello formale pur portando un discorso politico radicale la rende una figura unica nel panorama artistico internazionale. L’architettura delle sue installazioni e la poetica dei suoi dipinti aprono territori inesplorati alla rappresentazione contemporanea. Himid ci ricorda che l’arte non è mai neutra, che partecipa sempre alla costruzione del mondo in cui viviamo. Dando forma agli invisibili della Storia, contribuisce a edificare un mondo più giusto e più umano. È in questo senso che la sua opera supera largamente il quadro artistico per raggiungere le questioni politiche ed etiche più urgenti del nostro tempo.
- Wallpaper, “Lubaina Himid and Magda Stawarska’s new show at Kettle’s Yard will uncover the missing narratives in everyday life stories”, giugno 2025
- Tate Modern, “Lubaina Himid”, catalogo della mostra, novembre 2021
- Tate Kids, “Who is Lubaina Himid?”, 2021
- Greene Naftali Gallery, “Lubaina Himid”, biografia artistica, 2024
- The Guardian, “L’artista Lubaina Himid: ‘Gli YBA erano connessi alla vendita d’arte. Non avevamo idea che fosse così che si facesse'”, marzo 2025
