Ascoltatemi bene, banda di snob! Avrete sicuramente sentito parlare di Njideka Akunyili Crosby, questa artista nigeriana-americana che ha il mondo dell’arte contemporanea ai suoi piedi, con la sua MacArthur Genius Grant e le sue vendite all’asta che raggiungono prezzi stratosferici. Ma quanti di voi hanno veramente guardato la sua opera? Non sto parlando di dare un’occhiata distratta prima di passare alla prossima sensazione di Instagram. No, parlo di fermarsi, respirare e immergersi nei suoi mondi visivi vertiginosi. I dipinti di Akunyili Crosby non ti saltano in faccia con il tipo di splendore facile che domina la nostra epoca di attenzione frammentata. Ti invitano piuttosto ad avvicinarti, chinarti, perderti nelle loro profondità meticolosamente costruite.
L’opera di Akunyili Crosby opera in uno spazio liminale, tra la Nigeria e l’America, tra la memoria e il presente, tra l’intimo e il collettivo. Ogni pezzo è una sfida alla nostra comprensione semplicistica dell’identità culturale. Prendi “Still You Bloom in This Land of No Gardens” (2021), un’opera che ritrae l’artista con il suo bambino, circondati da una vegetazione lussureggiante che oscura parzialmente i loro corpi. Il modo in cui le piante si intrecciano con le figure richiama l’antropologo Claude Lévi-Strauss e la sua concezione della “pensée sauvage” [1].
Lévi-Strauss ha sostenuto che i sistemi culturali sono come dei bricolage, assemblaggi creativi composti da elementi diversi provenienti da fonti differenti. Non è esattamente ciò che fa Akunyili Crosby? Ella giustappone riferimenti visivi della Nigeria e degli Stati Uniti, creando una tassonomia personale in cui la classificazione rigida cede il posto a un’intelligenza associativa più fluida. Nelle sue opere, gli oggetti quotidiani, un divano, una teiera, un tavolo, diventano totem carichi di significato culturale, proprio come Lévi-Strauss vedeva gli oggetti “sauvages” come portatori di significati complessi che sfidano le categorizzazioni occidentali.
Questa artista usa oggetti banali come veicoli di memoria collettiva, creando ciò che Lévi-Strauss chiamerebbe un “sistema di segni” per navigare tra le culture. La teiera smaltata sul tavolo in “Tea Time in New Haven, Enugu” non è solo un accessorio decorativo, è un artefatto culturale che parla dell’eredità coloniale britannica in Nigeria, riappropriato e trasformato in qualcosa di specificamente nigeriano. È proprio questo tipo di “bricolage culturale” che Lévi-Strauss ha identificato come il cuore della creazione di identità culturali ibride.
Ma ciò che distingue veramente Akunyili Crosby è la sua tecnica di trasferimento fotografico. Applica solventi sul retro di immagini tratte da riviste e libri nigeriani, fissando queste immagini sulla superficie del dipinto. Questo metodo crea allucinazioni visive meticolose, sovrapponendo ricordi a momenti che vivono pienamente nel presente. Ed è qui che vediamo l’influenza di Gaston Bachelard e la sua “Poetica dello spazio” [2].
Bachelard ci ha insegnato che gli spazi intimi, case, cassetti, angoli, sono contenitori di memoria e immaginazione. Scriveva: “La casa è il nostro angolo del mondo… è il nostro primo universo, un vero cosmo.” Gli interni domestici di Akunyili Crosby funzionano esattamente come questi spazi bachelardiani. In “The Beautyful Ones” Series #11, vediamo una giovane ragazza in un abito da comunione bianco, in piedi in uno spazio interno tappezzato di immagini trasferite. Non è semplicemente un ritratto, è ciò che Bachelard chiamerebbe una “topografia del nostro essere intimo.”
L’attenzione meticolosa che Akunyili Crosby dedica ai dettagli degli interni domestici, ai motivi del pavimento, ai tessuti commemorativi appesi alle pareti, agli oggetti sui tavoli, non è semplicemente decorativa. Crea ciò che Bachelard chiamerebbe una “poetica dell’abitare.” In “Mama, Mummy and Mamma,” tre generazioni di donne sono rappresentate in uno spazio domestico carico di ricordi, una manifestazione visiva di ciò che Bachelard chiama “la casa onirica”, uno spazio che trascende il fisico per diventare un serbatoio di sogni e ricordi.
Le finestre, le porte e le cornici che appaiono così frequentemente nelle opere di Akunyili Crosby funzionano come le “soglie” bachelardiane, punti di passaggio tra diversi stati dell’essere. In “Portals” (2016), l’artista crea letteralmente ciò che Bachelard chiamerebbe una “dialettica del dentro e del fuori”, usando strutture architettoniche come metafore della transizione tra i mondi. Questi portali non sono semplicemente elementi architettonici; sono passaggi tra la Nigeria e l’America, tra il passato e il presente.
L’ultra-piattezza delle sue immagini crea una profonda calma, come se esistessero al di fuori del normale flusso del tempo. Questa temporalità unica è ciò che Bachelard definirebbe una “verticalità” del tempo, dove passato, presente e futuro si comprimono in un unico momento. In queste opere, il tempo non è lineare ma verticale, permettendo a epoche e luoghi diversi di coesistere in un unico spazio pittorico.
La presenza delle piante nelle sue opere recenti aggiunge un ulteriore livello di contemplazione, creando uno scivolamento tra lo spazio interno ed esterno, il primo piano e lo sfondo, il sé e l’ambiente. In queste scene, realizzate su carta e fissate al muro con fermagli e chiodi, le figure dipinte e fotografate sono integrate in mondi rigogliosi di fogliame, confondendo (e talvolta strappando completamente) le distinzioni tra umani e forme biotiche.
Questa fusione dei corpi umani con il loro ambiente ricorda la preoccupazione di Bachelard per il modo in cui gli spazi intimi plasmano il nostro essere. Akunyili Crosby estende questa idea suggerendo che la nostra identità è inestricabilmente legata non solo agli spazi che abitiamo, ma anche alle ecologie naturali e culturali che ci circondano. Le piante che fioriscono attraverso questo corpus delle opere più recenti introducono un altro livello di riflessione, causando uno scivolamento tra lo spazio interno ed esterno, il primo piano e lo sfondo, il sé e l’ambiente.
L’opera di Akunyili Crosby evoca anche la nozione bachelardiana di “risonanza”, il modo in cui oggetti e spazi possono evocare ricordi ed emozioni che risuonano in noi. Le immagini trasferite che appaiono sui vestiti, sulle pareti e sui mobili nei suoi dipinti creano letteralmente questa risonanza visiva, intrecciando frammenti di memoria culturale per creare una complessa sinfonia visiva.
Il lavoro di Akunyili Crosby è profondamente autobiografico, ma mai solipsistico. Usa la sua esperienza personale come punto di partenza per esplorare questioni più ampie di migrazione, identità e memoria culturale. Come ha detto lei stessa: “Dipingo la Nigeria com’era quando l’ho lasciata alla fine degli anni ’90, che non è la stessa che la cultura nigeriana ora… È la mia vita, la mia autobiografia, la mia famiglia, ma queste esperienze culturali, economiche e geografiche parlano di qualcosa di più grande di me: sono una confluenza di cose disparate.” [3]
Ciò che colpisce particolarmente nella sua opera è il modo in cui evita le trappole della nostalgia facile. C’è una brutalità nascosta nella bellezza. “A Sunny Day on Bar Beach” presenta una spiaggia pubblica a Lagos dove l’ex governo militare eseguiva delle persone. Questa giustapposizione tra il domestico e il politico ricorda come Lévi-Strauss vedeva le strutture culturali come intrinsecamente legate alle strutture di potere. I dittatori militari che hanno tradito la promessa dell’Africa appaiono furtivamente nei suoi trasferimenti fotografici, ricordando che la memoria culturale è sempre intrecciata con la storia politica.
In “Blend in, Stand out”, una donna abbraccia un uomo seduto da dietro, una persona nera e una persona bianca, Akunyili Crosby e suo marito. Al centro dell’immagine si trova un vaso Igbo. Il suo vestito è verde e pieno di immagini di figure nere con i pugni alzati. “Penso a questa banca di memoria che porto con me da quando sono cresciuta in Nigeria”, ha detto Akunyili Crosby. Osserva attentamente e vedrai questo serbatoio di immagini integrato ovunque nella sua arte: nei vestiti, nella carta da parati, superfici di pensiero e sentimento.
L’opera di Akunyili Crosby resiste alla semplificazione e alle categorizzazioni facili. Ci invita a considerare come le identità si formino all’incrocio di molteplici influenze culturali, come la memoria persista attraverso oggetti e spazi, e come l’arte possa creare un “terzo spazio” dove diverse realtà possono coesistere. Come Lévi-Strauss ci ricorderebbe, le identità culturali non sono mai pure o statiche, ma sempre in processo di “bricolage”, assemblate da elementi diversi per creare qualcosa di nuovo e unico.
Le opere di Akunyili Crosby non sono semplicemente rappresentazioni di spazi, sono spazi in sé, luoghi dove possiamo entrare e abitare momentaneamente, luoghi che risuonano con la nostra esperienza vissuta. In un mondo ossessionato da identità fisse e confini rigidi, Akunyili Crosby ci offre una visione più fluida e generosa di cosa significhi esistere tra i mondi.
La prossima volta che avrai l’occasione di vedere il suo lavoro, non far parte di coloro che danno solo un’occhiata veloce e vanno oltre. Fermati. Pensa. Osserva attentamente. E lasciati trasportare in quegli spazi intermedi dove memoria, identità e immaginazione si incontrano in una danza complessa e magnifica.
- Lévi-Strauss, Claude. Il pensiero selvaggio. Parigi: Plon, 1962.
- Bachelard, Gaston. La poetica dello spazio. Parigi: Presses Universitaires de France, 1957.
- Jansen, Char. “Interni e interiorità: Njideka Akunyili Crosby.” Contemporary Art Review LA, 3 aprile 2016.
